• 17/5/2012 New in the Archives

  Corrupted States of Plutocracy. W.J. Linton´s North America - Cycle.

  This month update is about William James Linton´s North American years, which proved to be the most prolific and successful phase. In 1870 he left New York and moved to a farmhouse in the village of Hamden outside New Haven, Connecticut. Here he established his second private press, more than twenty years before William Morris started to promote the wave of auteur presses. The third part of Linton - Life in the collections comprises of more than hundred articles and images related to his artistic production, whereas the feature article focuses on his body of America critical writings. They revealed various antidemocratic and racist aspects of US politics in the formative years of the so called Gilded Age.

  

  W.J. Linton, The House that Tweed built, Cambridge / Mass. Nov. 1871

  

  W.J. Linton (aka  Hattie Brown), Catoninetales. A domestic epic, New Hamden, 1877 (MePri-Coll.)

• 13/5/2012 Online Article by Daniel Zalkus

  Tiger Hunting with the Shah. A Golden Era of Visual Journalism.

  Daniel Zalkus, a renowned illustrator, who himself works as an artist-reporter from time to time, has put together an excellent commented series of historical drawings on-the–spot, representing a golden era of graphic reportage in the American magazines from the 1950’s and 60’s. Zalkus´ series Visual Journalism. The Artist as Reporter was publised recently in five parts on Leif Peng´s illustration-blog Today's Inspiration.

  

  Noel Sickles, Lithopinion

  Part one shows examples of the works of Noel Sickles and Austin Briggs for the magazine Lithopinion. Austin Briggs´ series was done at the famous Mourlot printing workshop in Paris. His drawings were created with lithographic crayons and tusche washes, tools normally used on stone or metal places in printmaking.

  

  Austin Briggs, The House of Mourlot, Lithopinion

  Part two focuses on illustrations done for Fortune Magazine. The art director Leo Lionni became a driving force behind the “visual journalism” movement. Besides Robert Weaver´s expressive Woolworth - series, a graphic report by John Russell Clift is shown, documenting the works going on in a airport´s cargo department.  

  

   John Russell Clift, Fortune Magazine

  Part three is on illustrations done for Sports Illustrated, whose art director Richard Gangel encouraged reportage drawing. He sent illustrator Bob Peak on an assignment to travel with the Shah of Iran during a tiger hunt.

  

  Bob Peak, A Lady hunts with the Shah, Sports Illustrated

  Part four presents examples of CBS projects. One series is by the famous graphic reporter Feliks Topolski documenting the Democratic and Republican national conventions of 1956.

  

  Feliks Topolski, Blue Conventions

  Part five is about graphic travelogues made for the Holiday Magazine. The famed English illustrator Ronald Searle was a regular contributor.  

• 4/5/2012 Exhibition / Catalogue

  Graphology

  Graphology considers the range of graphic devices, used by artists working across the disciplines of film, photography, painting and sculpture, to mediate direct experience. The exhibition focuses on the human hand as a living seismograph of inner life, but with extra attention to the ‘mechanical unconscious of the machine’ which imposes itself on the human eye. It will consider how graphic techniques of reproduction start to live their own lives. Graphology investigates the ways in which drawing intersects with typography, photography, film and computer-graphics.

  The exhibition in the Drawing Room, London, explores the link between drawing and typography through works that use a diverse range of methodologies, from the type-written concrete poetry works produced by Carl Andre in the 1970s to work being produced today such as Fiona Banner’s ‘Mother’, an interactive work that includes a reconstructed typewriter and a ream of paper. Dean Hughes’ plinth-based work consists of strewn staples that, variously distorted through use and in disarray, begin to resemble a cryptic language. Stefan Brüggemann’s ‘Make See’ (2009) is a work consisting of neon letters that are sprayed black each time they are exhibited, leading to the gradual obliteration of legibility. In works that range from hand-woven carpets to wall-drawings, Mekhitar Garabedian adopts his half-learned native Armenian language to collapse the distinction between legible words and image.

  

  Pierre Bismuth, Following the Right Hand of Sigmund Freud, 2009. 16mm film (Courtesy Jan Mot, Brussels)

  The parallels between photography and drawing are examined through the work of Pierre Bismuth and William Anastasi.  Bismuth has made a series of ‘Left Hand Tracing’ works which fuse still or moving images of famous people with furiously scribbled lines.  Graphology will include the 16mm film, ‘Following the Right Hand of Sigmund Freud’ (2009) in which these scribbled lines, which follow the movements of Freud’s hand, are drawn with light, a reference to the origins of photography.  William Anastasis’s ‘Pocket Drawings’, which are a continuation of the ‘Subway Drawings’ he began in 1964, are presented as a series of modular, framed scribbles that are produced in the artists’ pocket (a makeshift darkroom) as he takes a walk of a pre-determined duration.

  Participating artists: William Anastasi, Carl Andre, Fiona Banner, Anna Barham, Pierre Bismuth, Juliana Borinski, Marcel Broodthaers, Stefan Brüggemann, Tony Conrad, Mekhitar Garabedian, Dean Hughes, Wim Janssen, Peter Kubelka, Antony McCall, László Moholy-Nagy, Brian O’Doherty, Man Ray, Paul Sharits, Thomas Zummer

  Publication: Graphology: drawing from automatism and automation will be published by Drawing Room.

  Drawing Room, London , 10 May–30 June 2012

• 27/4/2012 online publication

  Army of God - Joseph Kony´s child soldiers

  Cartoon Movement, the global collaborative platform for editorial cartoons and comics journalism has by now published an astonishing array of documentary comics which are available in the archive of the website. Among the new features is the gradual release of Army of God, an ambitious 100-page non-fiction graphic novel by David Axe and Tim Hamilton. Army of God explores the history of Joseph Kony´s Lord's Resistance Army, a Ugandan guerrilla group that has terrorized the Congo since decades. Kony has been accused of ordering the abduction of children to become child-sex slaves and child soldiers. An estimated 66,000 children became soldiers and two million people have been internally displaced since 1986.

  

  Based on reporting by David Axe from the Democratic Republic of Congo in 2010, the comic explores the history of the LRA with eyewitness accounts from captives and those working to stop the destructive militia. Each chapter focuses on a different character and his role in the saga, from diplomats to LRA soldiers to the women and children they capture. The first installment  recounts the Congo's long history of colonialism, corruption, and strife that have set the stage for the conflict of today. The second chapter reconstructs a first-hand account of the LRA raid on the town of Duru in 2008. Part three focuses on Farruccio Gobbi, a Catholic priest working in Congo and his experience during the massacre in Duru.

  

  Images: Army of God by David Axe and Tim Hamilton, 2012

• 15/4/2012 New Feature

  Black.Light Project - The Charles Taylor - Wars

  The Black.Light project, which was initiated by war photographer Wolf Boewig and his companion, the travel writer Pedro Rosa Mendes, in cooperation with the graphic designers Henning Ahlers and Christopher Ermisch, is in many respects an adventurous one and, when it comes to openness and extension, without precedent: Ten comic artists, which are renowned for their fictitious work are to reconstruct  single episodes from the West African civil wars on the base of materials provided by Boewig and Mendes. In order to develop their own perspectives they will be confronted in special workshops with journalistic methods and reports of eyewitnesses. The  results will then be fused with a selection of photos and text extracts to create a suggestive and meaningful unity. "Merging" is the magic key term. The multimedia-based reportages are bundled up in the end in a book which is to accompany an exhibition tour throughout Europe and Africa. These presentations will take place mostly open-air, so that the single stories, which are printed out on tent fabric in the form of frieze-like strips, can bear far-reaching witness to a humanitarian tragedy that has remained largely hidden to the world public.

  Andreas Platthaus has recently described the development history of this project perceptively in a contribution for the Frankfurter Allgemeine Zeitung. He has generously provided this article for digital distribution.

  
  

  Timeline Black.Light Project

  20.4. - 8.7.:  Presentation as part of "RAY - Making History" at the Museum für Moderne Kunst in Frankfurt

  2.6. - 6.6.:  Workshop with the participating artists, the initiators and selected eye witnesses in the run-up to the International Comic-Salon Erlangen

  7.6.- 10.6.:  Presentation of the results of the workshop during the International Comic Salon in Erlangen

  2.6. 30.6.: Open-air Präsentation im Rahmen des Browse Foto Festival Berlin Open-air presentation at the Browse Photofestival in Berlin

   6.7.:  Lecture by Wolf Boewig on the "Black.Light Project" at the Museum für Moderne Kunst in Frankfurt

  7.7. und 8.7.:  Workshop at the Photo Forum Frankfurt

  Oktober/November:  Exhibition in Hanover in different places / open-air presentation at the Lagos Photo Festival in West Africa

  2013:  The book is to be published in the Avant-Verlag. Five Goethe-Institutes in West Africa show ' The Black.Light Project "

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  Das Projekt Black.Light, das der Kriegsfotograf Wolf Boewig und sein Partner, der Reiseschriftsteller Pedro Rosa Mendes  in Kollaboration mit dem Grafikdesigner Henning Ahlers und dem Gestalter Christoph Ermisch angestossen haben ist abenteuerlich und, was die Offenheit und Dimensionierung betrifft, ohne Beispiel: Zehn Comiczeichner, die sich im Fiction - Bereich einen Namen gemacht haben, sollen auf Grundlagen der Materialien von Boewig und Mendes einzelne Episoden aus den westafrikanischen Bürgerkriegen rekonstruieren. Um eigene Perspektiven entwickeln zu können werden sie in Workshops mit journalistischen Arbeitsweisen und den Berichten von Zeitzeugen konfrontiert. Die zeichnerischen Ergebnisse sollen dann zusammen mit einer Auswahl von Fotos und Textauszügen zu einer suggestiven und aussagekräftigen Einheit verwoben werden. "Merging" heißt das Zauberwort. Die multimedialen Reportagen werden zum Schluss in einem Buch gebündelt, das wiederum eine Ausstellungstournee durch Europa und Afrika flankieren soll. Diese Präsentationen sollen überwiegend open-air stattfinden, damit die einzelnen Geschichten, die als friesartige Bänder auf Zeltstoff ausgedruckt werden, weitreichend Zeugnis ablegen können von einer humanitären Katastrophe, die der Weltöffentlichkeit weitgehend verborgen geblieben ist.

  Andreas Platthaus hat die Entwicklungsgeschichte des Projekts kürzlich in einem Beitrag der Frankfurter Allgemeine Zeitung auf einfühlsame Weise geschildert. Seinen Bericht hat er dem MePri dankenswerter Weise für die digitalen Veröffentlichung zur Verfügung gestellt.

  
  

  Zeitplan Black.Light Project

  20.4. - 8.7.:  Ausstellungspräsentation im Rahmen von  "RAY - Making History" im Museum für Moderne Kunst in Frankfurt

  2.6. - 6.6.: Workshop mit den beteiligten Zeichnern, den Initiatoren und ausgewählten Zeitzeugen im Vorfeld des Internationalen Comic-Salon Erlangen

  7.6.- 10.6.: Präsentation der Resultate des Workshops während des Internationalen Comic-Salon Erlangen

  2.6. 30.6.: Open-air Präsentation im Rahmen des Browse Foto Festival Berlin

  6.7.:  Vortrag von Wolf Boewig zum „Black.Light Project“ im Museum für Moderne Kunst in Frankfurt

  7.7. und 8.7.:  Workshop im Foto Forum Frankfurt

  Oktober/November:  Ausstellung in Hannover an verschiedenen Orten / Open Air-Präsentation auf dem Lagos Photo Festival in Westafrika

  2013 soll das Buch im Avant Verlag erscheinen. Fünf Goethe-Institute in Westafrika zeigen „Black.Light Project“

• 13/4/2012 Exhibition

  Concerning Ethnographic Poetics

  Intense Proximity, the third edition of La Triennale in Paris, imagined by Okwui Enwezor, Artistic Director, and his team of four internationally recognized curators—Claire Staebler, Mélanie Bouteloup, Abdellah Karroum, and Emilie Renard—will shine a critical lens on what might be best described as the phenomenon of ethnographic poetics. While Intense Proximity is grounded in the production of contemporary practitioners, Between the Near and Far: Concerning Ethnographic Poetics takes as one of its central curatorial features the critical legacy of French ethnography in the first half of the 20th century.

  Drawing from significant figures including Marcel Mauss, Claude Lévi-Strauss, Michel Leiris, Léopold Sédar Senghor, and Marcel Griaule, the project will feature more than one hundred contributors across a range of practices including artists, filmmakers, photographers, writers and institutions. The phenomenon of ethnographic poetics to which Intense Proximity refers could be understood as part of the great heritage of modernity that created a model of global relations in which the precise measure between the near and far was blurred. The exhibition, which extends across multiple sites in Paris, will be accompanied by a substantial publication, envisioned as a critical anthology of texts by historic and contemporary writers who have shaped the discourse of ethnography.

  Paris, Palais de Tokyo and other venues, 20 April–26 August 2012

        Steven A. Tyler in the Field. Photograph by Martha G. Tyler (in: Writing Culture. The Poetics and Politics of Ethnography, 1986)     

• 2/4/2012 Picture Story by Ben Katchor

  Logo Rage

  “Our sensory and perceptual systems are affronted by an icon that, through repeated exposure, has lost what little meaning it might have once had.” In his new strip in Metropolis Magazine, Ben Katchor refers to a current psychological phenomenon:
  

• 26/3/2012 Notice

  Thomas Nast Archives

  In terms of political intervention North American cartoonist and former special artist Thomas Nast (born in Landau, Germany in 1861) can be regarded as the most successful and influential visual artist who ever lived. Two years after his death, - he died in 1902 in Ecuador, where he lately held the position of the United States' Consul General - , Albert Bigelow Paine published the substantial biography Thomas Nast, his period and his pictures.

  
  The Graphic Arts Collection of the Princeton University Library has a 600 page- scrapbook, where Paine assembled every article, commentary, newspaper column, and publisher’s announcement regarding this biography. The scrapbook also includes copies of wood engravings, line block prints, a few original pen drawings and some interesting pieces of ephemera, which are described by Julie L. Mellby, librarian of the Princeton collection, in her marvelous blog. (A.R.)

  
  

  

  Albert Bigelow Paine´s Nast-Scapbook (images: Princeton Univeristy Library)

  Further Nast-Collections: The Brown University Library has Nast´s scrapbook of his work during the Civil War years (1861-66).  It contains 234 pencil sketches, 32 wash drawings, 10 proofs of wood engravings made from his drawings, and a reference collection of 638 photographs. It should be reprinted some day. The University of California, Santa Barbara holds his scrapbooks fom 1873-1881, the Morristown Library in New Jersey (his late hometown) has a collection of original sketches, drawings, paintings, engravings and select published prints., and the Macculloch Hall Historical Museum has the largest single collection of his original works.

  

  Nast´s Civil War scrapbook (image: Brwon University Library)

• 18/3/2012 New in the Archivs

  Linton - Life in the collections Part II: The Brantwood Years / Infinite Spaces. On William James Linton´s Vignette Art

  The second part of Linton - Life in the collections  (with 41 articles and hundreds of images) includes the embodiment of William James Linton´s vision of a direct democracy in conjunction with a nationalization of land and banking system (The English Republic), the related shaping of a national republican myth (The Plaint of Freedom), the development of his influential art of landscape engraving (The English Lakes, The Lake Country), his efforts to edit and translate William Blake´s drawings and relief etchings (The Life of William Blake), the related invention of a special line block-method (Specimens of a New Process Of Engraving for Surface-Printing), the realisation of a noteworthy body of free graphic interpretations of famous paintings (Thirty Pictures by deceased British Artists) and  the publication of his first book of poetry. Claribel and Other Poems was illustrated with a series of powerful vignette engravings. The degree of sensibility and inventiveness, which Linton had achieved here, was never matched again in the history of xylography.

  

  W.J. Linton, Claribel and Other Poem, 1865

  Feature: Infinite Spaces. On William James Linton´s Vignette Art / Unendliche Räume. Zu William James Lintons Vignettenkunst
  “Of the wood-cuts I may confess that I have but cared to adorn my pages with something less monotonous and less impertinent than printer´s furniture, while yet avoiding the imposition of what it has been a custom to call illustrations.” (W.J. Linton, Golden Apples of Hesperus, 1882)? 

  “Was die Holzstiche betrifft, so darf ich bekennen, daß ich bestrebt war meine Seiten mit etwas zu verzieren, das weniger monoton und weniger dreist daherkommt wie Druckereigarnitur, während ich auf der anderen Seite die Sträflingsarbeit vermeiden wollte von dem, was normalerweise als Illustration bezeichnet wird.” (W.J. Linton, Golden Apples of Hesperus, 1882)
  

  

  W.J. Linton, Claribel and Other Poem, 1865

• 14/3/2012 Rolf Bier: Ausstellungsbesprechung

  Ziegelsteinbuch - vom Nachleben im eigenen Medium. Winsor McCays Werk in Hannover

  Als eine weitere von letztlich sechs Stationen ist die von dem Kunsthistoriker und Künstler Alexander Braun im empathischen Alleingang kuratierte Ausstellung über das beachtliche Werk des Zeichners und Pioniers von Comic-Strip und Animationsfilm Winsor McCay (1869 – 1934) nun treffsicher am vielleicht wichtigsten und am besten passenden Ort der Tournee gelandet: im Wilhelm-Busch-Museum in Hannover (bis 3. Juni 2012, danach noch in Erlangen, Basel, Backnang und Dortmund).

  Zu sehen sind nicht nur Originalseiten aus den zahllosen Ausgaben von Zeitungen aus Los Angeles und New York – aus diversen Privatsammlungen zusammengebracht -sondern auch alle erhaltenen, immer noch in ihrer wirkungsvollen, zeichnerischen Ökonomie bestechenden Animationsfilme: hier besonders köstlich „Gertie the Dinosaur,“ ein Klassiker von 1914, der anhand der erzählerisch veranlassten zeichnerischen Revitalisierung des ausgestorbenen Tieres Animation im doppelten Sinne betreibt. McCay hatte es im Laufe seiner Karriere in New York in üppigem Lohn des Verlegers Hearst stehend, zu dessen humanitären Leitartikeln er extravagante Illustrationen lieferte, zu großer Popularität und auch persönlichem Reichtum gebracht.

  Winsor McCay, Little Nemo, 1911
  

  Von Insidern der Historie der Bildgeschichte hoch geschätzt, lädt die umfassende Show ein, das ebenso intensive und innovative Werk McCays nun in Gänze kennenzulernen und einem hoffentlich breiten Publikum nahezubringen. Dies darf und muss  lernen, daß es schon weit vor Walt Disney ungeheuer clevere Comic-Kunst gegeben hat. Ganz besonders deutlich wird an den vielen gerahmten Zeitungsseiten, wie McCay seine Bildgeschichten in dieses spezifische, editorisch limitierte Format hineinchoreographierte. Noch mit einigem Abstand lässt sich ein das einzelne Bild der rhythmischen Sequenz überschreitender, gestalterischer Zugriff erkennen. Die gesamte Weltschau, die sich in den legendären Bildgeschichten von „Little Nemo in Slumberland“ oder „Dream of The Rarebit Fiend“ ebenso panoramatisch, global wie kosmisch eröffnet – man findet Reisen über Hochhaus-Dächer  aber auch zum Mond, ebenso wie in das Innere eines Vulkans – ist als Traumsequenz konstruiert, aus der es ein mehr oder weniger böses oder erleichtertes Erwachen gibt. Man merkt, dass die Psychoanalyse überall und nicht nur in Europa in der Luft liegt - Sigmund Freuds Traumdeutung erscheint 1900 in der Erstausgabe. Und daß der Junge in den Folgen von „Little Sammy Sneeze“ (um 1904) immer an passender oder unpassender Stelle niesen muß, um der Handlung eine ganz entscheidende Wendung zu geben, hat sicher auch seine begründete Ursache.

  Winsor McCay, Little Nemo, 1911

  Besonders scheint dieser Auftritt in Hannover „bei Busch,“ da der Namensgeber des Museums eine ähnliche Kunstaffinität verbürgt wie dieser in seiner Arbeit selbst. Zwar malte Winsor McCay nicht wie der Schöpfer von „Max und Moritz“ in seiner Freizeit impressionistische Landschaften, aber seine Kreationen zeigen einen selbstreflexiven Geist eines Zeichners, der sein Medium nicht nur technisch vollkommen beherrscht, um dessen projektive Kraft souverän zu entfalten. McCay reflektiert und integriert vielmehr die materiale Bedingtheit seiner Arbeit zwischen Zeichnung und Drucklegung in die Plots seiner Bildgeschichten und stößt so zu einer ebenso witzigen wie komplexen Bilderzählung vor, die bis heute schlichtweg bezaubert (was Konzept- und Kontextkunst nun wirklich nicht immer schafft, am wenigsten, wenn sie sich bemüht).

  Kurator Alexander Braun sieht vor allem in diesen „Selbstreferentialitäten“, denen er in dem ziegelsteinschweren, wunderbar produzierten und gedruckten Katalog im coffee-table-book-Format ein gewichtiges Kapitel widmet, die weit ausgreifende Relevanz der Arbeit McCays für die Kunstgeschichte. Eine sich so darstellende künstlerische Intelligenz enthebt die Arbeit McCays jeglichen illustrativen Durchschnitts seiner Zeit und macht sie für uns heute noch besonders relevant, jenseits eines Streits zwischen „high“ und „low,“ der für Braun noch nicht versöhnt ist.

  Winsor McCay, How a Mosquito Operates, 1912

  Für mich drängt sich - allein von der genrebedingten Humor-Struktur her - auf, dem Werk McCays eine ähnliche Leistung und Bedeutung zuzusprechen, wie sie Charlie Chaplin für das aufkeimende Film-Medium in seinen „Tramp“ - Stumm-Filmen erbracht hat. Es ist ein Witz der besonderen Art, dass auch diese äußerst präzise Ausstellung museal wird und steriler als ihr Gegenstand. Ich weiß keine konservatorisch verantwortbare  Alternative - aber man spürt beim ermüdenden Abschreiten der edel gerahmten Exponate, dass es eine immanente Korrelation des Genusses von Erzählung und Kontemplation gibt: einen Roman im Stehen zu lesen, ist eine Tortur. Comics hinter Glas abzuschreiten ist per se eine Barbarei. Sie wollen zurück auf die Seite, die man aufblättert...zurück ins „casuale“ Leben!  Das Printmedium, für das es gemacht war, ist es sinnigerweise, daß das Werk für die Erfahrung von heute rettet. (Insofern hat A. Braun mit der Edierung seines „fetten“ McCay-Ziegelstein-Buchs konsequent gehandelt.)

  Rolf Bier , Hannover am 13.3.2012

• 29/2/2012 Veröffentlichung

  Kairo-Reportage von Olivier Kugler

  In der neuen Printausgabe der Wochenzeitung Der Freitag erscheint eine Kairo-Reportage des in London lebenden Zeichners Olivier Kugler. Kugler hatte jüngst drei Wochen dort verbracht und neben dem Jahrestag der aegyptischen Revolution auf dem Tahrir Platz auch die blutigen Ausschreitungen rund um's Innenministerium (nach dem Desaster im Fussballstadion von Port Said) miterlebt.

  

  Olivier Kugler, Kairo, 2012

• 21/2/2012 Besprechung von Ute Weinmann

  Viktoria Lomaskos russische Graphic Novel »Verbotene Kunst«

  In her graphic novel "Forbidden Art" the Russian artist Viktoria Lomasko covers the court case against the curators of the exhibition with the same name. A review by Ute Weinmann.

  Die russische Zeichnerin Viktoria Lomasko schildert in ihrer Graphic Novel »Verbotene Kunst« den Prozess gegen die Kuratoren der gleichnamigen Ausstellung.

  Russland galt lange Zeit als eine Nation von Bücherwürmern. Menschen mit dicken Klassikern der russischen Literatur unter dem Arm prägten das Stadtbild, selbst in der vollen Metro konnte man ihnen begegnen. Verlage brachten ihre Bücher in Millionenauflage heraus und durften auf ein treues Lesepublikum vertrauen. Auch die bildende Kunst hatte ihren Platz im Alltag der russischen beziehungsweise sowjetischen Gesellschaft. Die nationalen Museen, die wahre Kunstschätze und imposante Bildergalerien beherbergen, konnten sich stets über hohe Besucherzahlen freuen, was auch an den erschwinglichen Eintrittspreisen lag. Wer sowjetisch sozialisiert ist, dem erscheinen das Lesen von Büchern und das kundige Betrachten von Bildern als Ausdruck einer kultivierten Existenz. Wort und Bild, Literatur und bildende Kunst sind nach diesem traditionellen Verständnis allerdings zwei völlig unterschiedliche Gattungen, die man auch gerne streng getrennt voneinander behandelt. Die Überschneidung von Literatur und bildender Kunst wie im Comic lässt den klassisch geschulten Betrachter zusammenzucken oder ruft bestenfalls ein abschätziges Lächeln hervor.

  

  »Tatsächlich sprechen sich diese Werke für die Orthodoxie aus«: Szene aus der Graphic Novel »Verbotene Kunst« (Foto: Viktoria Lomasko und Anton Nikolajew)

  Dabei entstanden in Russland bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts erste Comic-Geschichten. In der Sowjetunion konnte sich das Genre allerdings nicht weiterentwickeln, einzig die Kunst der Buchillustration fand breite Anerkennung. Während der amerikanische und europäische Comic aus dem Underground in die Buchläden, Feuilletons und Museen Eingang fand und 1971 von dem französischen Literaturwissenschaftler Francis Lacassin als »Neunte Kunst« in den Kanon der bildenden Künste erhoben wurde, verkümmerte das Genre zu Sowjetzeiten. Auch nach dem Zerfall der Sowjetunion hatte es das Genre schwer in Russland, nicht zuletzt weil die Propaganda nachwirkte, wonach Comics einer minderwertigen US-amerikanischen Massenkultur angehörten. Zudem hatte man den Comic »Tim im Lande der Sowjets« des französischen Zeichners Georges Remi alias Hergé wohl nicht vergessen und lastete den geifernden Antikommunismus des Bandes gleich dem ganzen Genre an. Heutzutage setzen sich junge Zeichner wie Dmitrij Jakowlew, der zur St. Petersburger Künstlergruppe »Spb. Nouvelles Graphiques« gehört, dafür ein, eine Comicszene in Russland zu etablieren, und leisten dabei Pionierarbeit. Ein größeres Publikum erreichen sie aber bisher nicht. Die Zeichnerin Viktoria Lomasko aus Moskau, deren Graphic Novel »Verbotene Kunst« im Herbst in einem deutschen Verlag erscheinen wird, würde sich selbst nicht dem Genre des Comic zurechnen. Schon immer hat sie sich für die sowjetische Tradition der Buchillustration begeistert und hätte diese gerne weitergeführt. Im dritten Studienjahr an der Moskauer Hochschule für das Druckwesen sagte man ihr, Bücher seien nicht mehr gefragt, die Zukunft liege im Design. »Ich habe aber auf niemanden gehört«, erzählt sie. »Mit Design konnte ich noch nie etwas anfangen.« Sie hatte Glück und fand einen Job bei einer der wenigen Zeitschriften, die noch Karikaturisten und Illustratoren beschäftigen. Aus Künstlerkreisen musste sie sich den Vorwurf gefallen lassen, sie sei unfähig, sich der neuen Zeit anzupassen. »Mehrere Jahre habe ich mit der Suche nach einem passenden Genre für mich verbracht.«

  

  »Ist der Segen für das Zeichnen erteilt?« (Foto: Viktoria Lomasko und Anton Nikolajew)

  Gefunden hat sie ihre Bilder und Geschichten schließlich auf der Straße, in den langen Warteschlangen der Polykliniken und an anderen öffentlichen Orten. »Mich interessiert, was für Leute mich umgeben, worüber sich Jugendliche unterhalten und was Mütter ihren Kindern erzählen.« Es entstanden unzählige Skizzen und Bildgeschichten, allerdings noch ohne Text, denn obwohl sie nach einer Form suchte, die Wort und Bild kombiniert, fehlte ihr anfangs der Mut zum Texten – bis sie den Journalisten Anton Nikolajew traf, mit dem sie die russische Provinz bereiste. Auf den Reisen entstanden Zeichnungen, zu denen Nikolajew den Text verfasste. Ihre Zusammenarbeit setzten sie später in einem Moskauer Gerichtssaal fort. So entstand eine der ersten Graphic Novels in Russland – das Buch »Verbotene Kunst«. »Man muss sich waschen.« – »Wasch dich doch selbst!« (Foto: Viktoria Lomasko und Anton Nikolajew) Bereits das Umschlagbild macht neugierig. Da steht ein russischer Pope mit langem Bart und einem überdimensionierten Kreuz um den Hals auf einer Leiter und blickt durch ein kleines Guckloch in einer Wand. Etwa in dieser Pose konnten im März 2007 die Besucher einer Ausstellung im Moskauer Sacharow-Zentrum unter dem Motto »Verbotene Kunst 2006« die hinter einer Wand präsentierten Exponate betrachten. Gezeigt wurden Werke dissidenter russischer Künstler – unter anderem ein Jesus-Bild auf der Werbung einer Fast-Food-Kette –, die wegen Blasphemie aus Museen und Galerien verbannt worden waren. Der Ausstellungskurator und damalige Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst der Tretjakow-Galerie, Andrej Jerofejew, wollte mit seinem Projekt eine Debatte über institutionelle Selbstzensur entfachen. Stattdessen verlor er seinen Job und handelte sich wegen »Anstiftung zum religiösen Hass« gemeinsam mit dem Direktor des Sacharow-Zentrums, Jurij Samodurow, eine hohe Geldstrafe ein. Es hätte allerdings ohne weiteres schlimmer kommen können. Die Staatsanwaltschaft hatte eine dreijährige Haftstrafe gefordert. Über anderthalb Jahre dauerte die Verhandlung, die Züge einer schlechten Theaterinszenierung trug. Die treibende Kraft hinter dem Schauprozess war die russisch-orthodoxe »Volkssynode«. Die Organisation sorgte für die Bereitstellung von über 130 Statisten, die als Zeugen der Anklage aufgerufen wurden, um die zutiefst empörte religiös-orthodoxe Öffentlichkeit zu mimen. Auf diese äußerst schrägen Charaktere, die ihre Rolle oft nur mit Hilfe von Spickzetteln zu spielen vermochten, hat sich Viktoria Lomasko in ihrer graphischen Studie konzentriert. Die Graphic Novel lebt von ihrer subjektiven Betrachtungsweise. »Hier habe ich meine Figuren gefunden«, sagt sie.

  

  »Wer nicht für uns ist, ist gegen uns.« (Foto: Viktoria Lomasko und Anton Nikolajew)

  Auch wenn ihre Arbeit in der ehrwürdigen Tradition der Gerichtszeichnung steht, bleibt die Anerkennung für Lomasko in Russland bislang aus. Mit dem Verlag Boom Kniga hat sich für die Herausgabe ihrer Prozessgeschichte ein kleiner, auf Comics spezialisierter Verlag gefunden, der von den Organisatoren des 2007 in St. Petersburg ins Leben gerufenen »Boomfests« gegründet wurde. Das internationale Comic-Festival hat ein Stammpublikum, versucht aber, dem Comic neue Leserschichten zu erschließen. Durch den großen Einfluss asiatischer Animationsfilme, insbesondere der Mangas, fällt es den russischen Comic-Zeichnern nicht ganz leicht, sich zu behaupten und eigene Stilrformen zu entwickeln, doch wächst die Zahl der Zeichnerinnen und Zeichner zusehends und gelegentlich greifen sie durchaus auch gesellschaftskritische Themen auf, wie etwa der unter dem Pseudonym Chichus bekannt gewordene Pawel Suchich. Viktoria Lomasko, die sich als Expertin für graphische Gerichtsreportagen einen Namen gemacht hat, findet, dass die Genregrenzen zu eng gesteckt seien. Immer noch experimentiert sie, wobei sie es wichtig findet, sich an russischen Traditionen zu orientieren. Sie hält in ihren Bildgeschichten das Leben der aus der Großstadtperspektive völlig verdrängten Landbevölkerung ebenso fest wie das von aus Mittel­asien stammenden Arbeitsmigranten oder jugendlichen Insassen von Strafkolonien. Durch ihren Zeichenunterricht in diesen von der Außenwelt völlig abgeschotteten Strafanstalten erhielt sie die Möglichkeit, Porträts von wegen Mordes verurteilten jugendlichen Neonazis anzufertigen. Die gäben in jedem Fall eine spannende Graphic Novel her. »Ich will aber nicht nur die depressiven Seiten des Lebens zeigen«, sagt Lomasko. »Man muss immer nach einer Alternative suchen.« Dafür eignen sich die derzeit in Moskau stattfindenden Großdemonstrationen für faire Wahlen hervorragend. Bislang muss die Verbreitung der wunderbaren Zeichnungen Lomaskos aber hauptsächlich im Internet stattfinden.

  Die Besprechung von Ute Weinmann wurde in Jungle World Nr. 7, 16. Februar 2012 publiziert. »Verbotene Kunst«  erscheint im Herbst 2012 im Berliner Verlag Matthes & Seitz.

• 12/2/2012 New Feature

  Saul Leiter and Robert Weaver

  The experimental late work, on which Robert Weaver (1924-1994) had been working since the mid-1970s, originated free of any restrictions or speculations having to do with assignments or art-market art. Each of the late picture cycles represented a new and surprising approach to investigating sequentiality in the image, ambulant modes of perception and multi-perspectival narrative strategies; themes that in the context of art became topical in a comparably comprehensive way only as late as the 1990s. Artist Saul Leiter (*1923), a close friend of Weaver, had begun experimenting in the field of colour photography in the late 1940s. Weaver was one of the few witnesses who had followed the development of Leiter’s striking street photographs since the early 1950s. The dialog that ensued between the two artists had to do not only with their similar composition schemes and the many common art-historical references, but above all with a specific mode of perceiving the urban surroundings as a kaleidoscopic enigma.

  The new contribution in the MePri-archive is threepart, consisting of an interview with Saul Leiter, an analysis of Robert Weaver´s key work A Pedestrian View and of the wording of Weaver´s The Vogelman Diary.

  Saul Leiter´s oeuvre is currently on view in Hamburg, in the House of Photography at Deichtorhallen. The retrospective covers more than 400 works and brings together his early black-and-white and color photographs, fashion images, painted- over nude photographs, paintings and his sketchbooks, which have never gone on public view before. Then final chapter in the exhibition is dedicated to Saul Leiter’s most recent photographic works, which he continues to take on the streets in his neighborhood in New York’s East Village.

  Examples of Robert Weaver´s illustration work are presented from March 2 to July 8  in an exhibition entitled "The Twentieth Century illustrator" in the Tomi Ungerer Museum-International Center of Illustration in Strasbourg. 

  Weaver´s opus A Pedestrian View / The Vogelman Diary, which consists of fifty-two gouaches, will be on view in its entirety for the first time in November this year in an exhibition of the Melton Prior Institute at the Heidelberger Kunstverein.

  

  Saul Leiter, 'T' (1950)

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  Das experimentelle Spätwerk, an dem Robert Weaver (1924-1994) seit Mitte der siebziger Jahre arbeitete, entstand unabhängig von allen Restriktionen oder Spekulationen einer Auftrags – oder Kunstmarktkunst. Jeder seiner späten Bilderzyklen repräsentiert einen neuen und überraschenden Lösungsansatz bezüglich einer Erforschung von Sequentialität im Bild, von ambulanten Wahrnehmungsweisen und multiperspektivischen Erzählstrategien; Themen, die im Kunstkontext in einer vergleichbaren Art der Durchdringung erst in den neunziger Jahren virulent wurden. Der Künstler Saul Leiter (*1923), ein enger Freund Weavers, hatte Ende der vierziger Jahre begonnen auf dem Feld der Farbfotografie zu experimentieren. Weaver war einer der wenigen Zeugen, die die Entwicklung von Leiters markanten Strassenfotografien seit den frühen fünfziger Jahren mitverfolgt haben. Der Dialog, der sich zwischen beiden Künstlern entsponnen hat betraf nicht nur verwandte Kompositionsschemata und ein große Schnittmenge aus kunsthistorischen Referenzen, sondern vor allem einen spezifischen Modus, das urbane Umfeld als ein kaleidoskopartiges Enigma wahrzunehmen.

  Der neue Archivbeitrag enthält ein Interview mit Saul Leiter über Robert Weaver, eine Analyse von Weavers Schlüsselwerk A Pedestrian View von 1982, sowie den Wortlaut von Weavers The Vogelman Diary.

  Saul Leiters Oeuvre wird zur Zeit im Haus der Photographie der Deichtorhallen in Hamburg gezeigt. Die Ausstellung umfasst mehr als 400 Arbeiten und vereint frühe Schwarzweiß- und Farbaufnahmen, Modefotografien, übermalte Aktfotos, seine Malerei sowie die noch nie präsentierten Skizzenbücher. Das letzte Kapitel der Ausstellung widmet sich den neuen Fotoarbeiten von Saul Leiter, die er immer noch auf den Straßen seiner Nachbarschaft im New Yorker East Village aufnimmt.
  
  Ausschnitte aus Robert Weavers Illustrationswerk sind vom 3. März bis 8. Juli in der Ausstellung "The Twentieth Century illustrators" im Tomi Ungerer Museum-International Center of Illustration in Strasbourg zu sehen.
  
  Weavers Opus A Pedestrian View / The Vogelman Diary, das aus zweiundfünfzig Gouachen besteht,  wird  erstmals komplett im November dieses Jahres in einer Ausstellung des Melton Prior Instituts im Heidelberger Kunstverein zu sehen sein.

  

  Robert Weaver, A Pedestrian View / The Vogelman Diary, 1982 (Plate 44)

• 7/2/2012 Research programme

  Reportager

  Reportager is a research group and programme at the School of Creative Arts, University of the West of England. Reportager exists in order to support, initiate, and showcase projects involving drawing as reportage, visual journalism, documentary drawing and illustration as visual essay. We are interested in projects, which use the made image to interrogate a diverse range of themes. The website works as an editorial space for the dissemination of good practice in this area. The News - section will include forthcoming exhibitions, reviews, projects and other news relating to visual essay and documentary illustration, some of which may be generated by reportager.org. Material will be added to this section as it becomes available.
  
  We aim to present the very best and innovative examples of visual reportage from around the world and will continue to add new material as it becomes available. Reportager is dedicated to the promotion and showcasing of projects involving reportage and visual journalism and will attempt to provide a platform for artists working in this area. We encourage submissions from practising artists both nationally and internationally who specialise in this area. Any information or news related to the field or community is welcomed.      (Gary Embury, Editor)

  

  Julia Midgley (reportager)

  

  Gary Embury (reportager)

• 1/2/2012 New Publication

  The Soft Atlas of the Netherlands

  After the unexpected success of his drawn topographical report The Soft Atlas of Amsterdam (De zachte Atlas van Amsterdam) Dutch artist Jan Rothuizen recently published a further "soft " or supra-factual cartography of the Netherlands. De zachte Atlas van Nederland encompasses a wide range of topics: A gas station, a Frisian classroom, the room of a  90-year-old woman who still live independently, the bedroom of a soldier fallen in  Afghanistan, an IKEA-market etc.

  

  Jan Rothuizen: IKEA showroom

  "For my drawings, I look for subjects that say something about today’s society.(...) I prepare like a journalist. I try to read and understand much about  a subject. On location I concentrate on what is there, noises, smells and atmosphere. I like to compare my way of working with the way bats find their way around in the dark. Through echolocation they know not only where they are but also who and that they are, therefore it is ideally a form of becoming ones surrounding." ( Jan Rothuizen in conversation: Graphic echolocations of societal relevant spaces)

  

  Jan Rothuizen: Bedroom of a fallen soldier

  

  Jan Rothuizen: Bedroom of a fallen soldier (detail)

• 25/1/2012 e-book

  "Seeing Odessa" by Björn Dermann

  Björn Dermann´s concise graphic travelogue is based on local researches during a stay in the Russian port city in May 2011." The young people in Odessa look at this new world of consumption as reverently as their mothers looked at Lenin - even more reverently because their mothers had to look at him, whereas they don't have to, not really. You look beyond, you do what you want to do, but definitely more wishing for anarchy than anywhere else. It seems as if the city is on its way to develop a unique post-communist self-confidence."

  The report is available for download on the commendable site electrocomics, one of the best and most varied sources for independent comics. Björn Dermann is also responsible for the comic-series Der Ökodiktator about the local goverment in Stuttgart, which he creates in collaboration with the journalist Peter Unfried. The series is published in the weekly journal Kontext.

  

  

  Björn Dermanns prägnanter grafischer Reisebericht entstand auf Grundlage von Eindrücken während eines Aufenthalts in der russischen Hafenstadt Odessa im Mai 2011. "Die jungen Menschen in Odessa beschauen sich die neue Konsumwelt so ehrfürchtig wie ihre Mütter einst Lenin – ehrfürchtiger, denn die Mütter mussten, und sie müssen nicht, nicht wirklich. Man blickt hinaus in die Welt hier, man tut, was man will, aber mit eindeutig mehr Lust an der Anarchie als anderswo. Es scheint so, als ob die Stadt daran ist, ein einzigartiges postkommunistisches Selbstbewusstsein zu entwickeln."

  Die Reportage steht als Download auf der verdienstvollen electrocomics - site zur Verfügung, eine der besten und artenreichsten Quellen für Autorencomics.  Björn Dermann ist auch für die Comicserie Der Ökodiktator über die grün-rote Regierung in Stuttgart verantwortlich, die in Zusammenarbeit mit dem Journalisten Peter Unfried für die Wochenzeitung "Kontext" entsteht.

• 20/1/2012 New

  Reportagezeichnung in digitalen Darstellungsformen / Reportagedrawing in forms of digital representation

  Um die Möglichkeiten illustrierter Bildreportagen im digitalen Raum zu erkunden  entwickelte der Berliner Illustrator Bo Soremsky eine interaktive Gerichtsreportage über das Verfahren gegen den prominenten Wettermoderator Jörg Kachelmann. Die große Menge an Prozessbeteiligten und Zeugenaussagen machte eine erhebliche Komprimierungsleistung erforderlich. In ihrer Gesamtheit bietet diese grafische Dokumentation eine Übersicht über die Positionen der einzelnen Prozessbeteiligten und ermöglicht es dem Betrachter, deren Aussagen miteinander zu vergleichen.
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  In order to explore the options for graphic journalism in the digital area, Berlin based illustrator Bo Soremsky created an interactive court report on the legal proceedings against the popular weathercaster Jörg Kachelmann.

  

• 19/1/2012 Workshop

  Treading the border. Topographical drawing, military sketching and visual espionage in Europe from the 16th to the 20th century

  In Europe from the 16th century onwards and right up to the 20th century, the topographical recording of landscapes, cityscapes and military architecture in accurately detailed images was seen as intimately bound up with territorial possession and/or conquest, regardless of changing structures of government, knowledge, recording techniques and weapons. This pictorial genre evidently evolved within a field of tension between practical military requirements and artistic interest. For the resulting images to be classified correctly, establishing a clear distinction between functionality and aesthetics, in other words between different artistic ends, at first sight seems a vital prerequisite. It is likely, however, that rather than falling into one category or the other, such images were characterized by an ambivalence that could not easily be resolved and that led to conflict. Thus an artistic landscape drawing could come under suspicion of serving as espionage. On the other hand, a military image of a landscape may not be easily identifiable as such even today.

  Historically, a special role in this context was played by sketching: requiring only the most basic materials, fast to produce, mobile and suitable for any situation, sketches were a particularly efficient medium through which to capture a snapshot of a landscape from a military perspective. These characteristics, in combination with the (topical) crediting of artists with the ability to achieve a perfect imitation of nature, led to topographical draughtsmen being perceived as a military threat. The ‘conquest’ of territories by the eyes and drawings of itinerant artists was frequently forestalled by imposing bans on entry or on drawing. From the early modern era right up to the present, we have innumerable accounts of travelling artists who, upon being discovered drawing landscapes, cities or views of fortresses, were suspected of being spies by the local population and the civil and military authorities. These artist anecdotes all share striking similarities across the centuries.

  

  William Simpson arrested  under suspicion of espionage in Metz (MePri-Coll.)

  The workshop will focus on two areas:

  1. Military spy and/or artist: The artist-scout is the real, historical protagonist of the production and exploitation of drawings in military contexts. He is a producer of images whom art history knows little about. How can his work be characterized? What did his images look like, and how were they used?

  The figure of the spy also represents a phantasm of the power of images and of conquest by an enemy. The accusation of espionage was primarily directed at artists from foreign parts and speaking a different language. It marked the draughtsman as a potential invader from the other side of the border. How should we interpret the accusation of espionage levelled at innocent artists? How may we explain the attribution of military power to their images? Is the confusion of artist and spy a consequence of mistaken reception, of ignorance on the part of the (art) public? Does being accused of spying actually boost the status of the artist, insofar as the power of his images is associated with military potency?

  2. The sketches and drawings: Topographical drawings executed for military ends and ‘innocent’ landscape drawings that triggered accusations of espionage make up the second area of focus. What did the military drawings of a particular historical epoch look like and which pictorial conventions did they employ? Can they be distinguished from artistic landscapes and cityscapes from the same era and the same region? Are there clear criteria, in other words, differentiating a military from an ‘aesthetic’ landscape drawing, or is their meaning created by the way they are used? Is the imperialist gaze of the military conqueror inscribed in every topographical image?

  

  Melton Prior under suspicion of espionage in Sicily (MePri-Coll.)

  This workshop, which will be held in English, takes place within the scope of the DFG-research project „Transkulturelle Verhandlungsräume von Kunst“. Conception: Ulrike Boskamp

  Agenda: Denis Ribouillaut: Drawing the Landscape in Renaissance Italy: Seductions and Dangers / Margaret Bradley: French Observers on their Travels in the late 18th and early 19th Centuries / Ulrike Boskamp: “This Martyr of the Pencil”. British Tourists and the Sketching of Fortifications in 19th Century Verona / James Fox: Artists and Espionage during the First World War
  

  3. Februar 2012, 13.00-18.00 Uhr, Freie Universität Berlin, Kunsthistorisches Institut, Koserstraße 20, D-14195 Berlin, Raum A 163

• 6/1/2012 Recommended by: Theo de Feyter

  Highway Stories

  Snelwegverhalen (Highway Stories) is an illustrated tavel guide, a cultural critique and a picaresque novel, all rolled into one. The authors  Bram Esser, Melle Smets and Pier Taylor (responsible for the illustrations) show how a highway around a typically Dutch 'region' was created by parking lots, by industrial and service areas, by viaducts and factory outlets. Snelwegverhalen is the result of a three weeks expedition.  It includes portraits of people and survival tips. 

  

  

  

  All images: "Snelwegverhalen" by Bram Esser, Melle Smets and Pier Taylor

• 8/12/2011 Melton Prior Lecture #22

  Oliver Grajewski: "Das eigene Archiv vs. alle anderen Bildwelten"

  Der Künstler Oliver Grajewski zählt zu den experimentierfreudigsten und profiliertesten Vertretern des zeitgenössischen Autorencomic. Seit 1995 veröffentlicht er sein eigenes autobiografisches Magazin "Tigerboy."  Zur Zeit arbeitet er an der Graphic Novel "Der Tag im Moor." Grajewski liest aus diesen beiden Werken, sowie aus "tokio, rückwärtstagebuch" und "Kunst ist vorbei! Wenn Du es willst!"

  Vortrag Do. 15.12. 2011, 11 Uhr
  Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart,
  Vortragssaal (Neubau 2)

  

  Oliver Grajewski, 2011

• 20/11/2011 Note on our own behalf / Hinweis in eigener Sache

  Announcement / Ankündigung

  The website of the Melton Prior Institute was launched five years ago. Enough time to now reconsider its orientation and appearance and to design it in a more user-friendly way. We cordially thank Julius Roob and Lena Roob who have mastered this challenge in a knowledgeable and inventive way. The fact that in the past years the Melton Prior Institute has been increasingly dedicated to the graphic printing techniques with which reportage drawings were and still are passed down will be reflected in the institutes name, which is from now on Institute for reportage drawing and printing culture.
   
  It is also time – after a longer preparatory phase – for the first part of the institute’s commented archive stocks of the oeuvre of the political pamphleteer, poet, wood engraver and xylography historian, William James Linton, to be published in a digitised form. Linton -  A Life in the collections can count as the probably most comprehensive monographic source related to the history of political art in the 19th century. That the early history of interventionist art is inextricably tied to the most exciting development phase of artistic relief printing will be revealed during the course of publishing this four-part bio-bibliography. Linton - A life in the collections comprises more than 200 articles and commentaries illustrated with more than 1,000 pictures in the online version. In addition, pure text versions are available as PDFs. We thank Karl Hoffmann and Clemens Krümmel for proof-reading. This project on the relations between xylography and political radicalism was made possible by a research semester at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

  

  Linton at his Appledore Presse in Hamden / CT
  
  

  Vor fünf Jahren ist die Website des Melton Prior Instituts zum ersten Mal an den Start gegangen. Zeit genug, ihre Ausrichtung und ihr Erscheinungsbild zwischenzeitlich zu überdenken und benutzerfreundlicher zu gestalten. Dank hierfür an Julius Roob und Lena Roob, die diese Herausforderung kenntnis- und erfindungsreich gemeistert haben. Der Tatsache, dass das Melton Prior Institut sich in den letzten Jahren mit zunehmender Intensität auch den druckgrafischen Techniken gewidmet hat, mit denen Reportagezeichnungen übermittelt wurden und werden, wird nun auch in der Bezeichnung des Instituts Rechnung getragen. Es heißt jetzt Institute for reportage drawing and printing culture.
  
  Zeit auch, dass nun nach langer Vorbereitungszeit der erste Teil der kommentierten Archivbestände des Instituts zum Werk des politischen Pamphletisten, Dichters, Holzstechers, und Xylographiehistorikers William James Linton in einer digitalisierten Fassung erscheint. Linton -  A Life in the collections kann als die wohl umfangreichste monografische Quelle zur Entstehungsgeschichte politischer Kunst im neunzehnten Jahrhundert gelten. Dass die Frühgeschichte interventionistischer Kunst untrennbar verbunden ist mit der aufregendsten Entwicklungsphase des künstlerischen Hochdrucks, wird sich im Verlauf der Edition dieser vierteiligen Bio-Bibliographie herausstellen. Linton - A life in the collections umfasst insgesamt mehr als 200 Artikel und Kommentare, die in der online-Version mit über 1000 Abbildungen illustriert sind. Daneben stehen reine Textfassungen als pdfs zur Verfügung. Für ihr Lektorat ist Karl Hoffmann und Clemens Krümmel zu danken. Ermöglicht wurde die Durchführung dieses Projekts über die Beziehungen zwischen Xylographie und politischem Radikalismus durch ein Forschungssemester an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

  
  W.J. Linton, The Flood of Years, New York 1878

• 25/9/2011 Exhibition

  Hokusai in Berlin - Reports unlimited

  Paul Hogarth counts the famous graphic artist Katsushika Hokusai in his basic publication of 1967 The artist as reporter among the most distinctive and influential representatives of the "imaginative artist-observer, of the more creative side of the documentary tradition," and indeed the unrestricted grasp of the Japanese printmaker, which includes all possible natural, supranatural and mythological phenomena, could serve as a major inspiration for any artist who rides the narrowed documentary wave. "It would be difficult to think of any other artist concerned with the minutiae of everyday life who created so rich an art out of it.The fifteen volumes of his sketchbook, the Manga, amply repay scrutiny and make us appreciate what vitality of expression can mean." (Paul Hogarth)

  

  Hokusai, from: Hokusai Manga, Meijii-Edition, ca.1880 (MePri-collection)

  The retrospective in the Martin-Gropius-Bau in Berlin, which runs till 24 October, gathers top-class works from all periods of the artist’s career – woodcuts and drawings, illustrated books, and paintings, but Hokusai is not an exhibition artist and his art can be best experienced in the intimacy of a printroom and by paging through the volumes of his print cycles and sketchbooks. A excellent edition of his complete Manga with 932 pp. appeared 2005 in Tokiyo. An abridged version is announced for the end of october this year. Besides there is also an online version available. 

  

  Hokusai, from: Hokusai Gaen, early Edition from the original blocks, ca.1860 (MePri-collection)

• 15/9/2011 Rolf Bier: Ausstellungsbesprechung

  Never stop working - James Castle im Reina Sofia, Madrid

  Hier ist nun einer im Museum (an-)gelandet, der wohl kaum je darauf abzielt hat, dortin zu gelangen. Weil er womöglich gar nicht wirklich wusste, was ein Museum ist: der taub geborene, "self-taught artist" James Castle (geb.1899 in Garden Valley), von dem wir nicht wissen, ob er sprechen, lesen konnte oder gar den Sinn von Buchstaben tatsächlich verstanden hat, trug nämlich selbst eine andere, höchst spezifische Fürsorge für sein enigmatisches, in seiner repititiven Fülle obsessives Werk aus Zeichnungen, überzeichneten Magazinen und selbstgebundenen Zeichnungsbüchern sowie den vernähten Pappschnitt-Objekten. In diesen miteinander vernetzten medialen Formen liegt ein faszinierendes, sechs Jahrzehnte umspannendes Werk vor, das man nicht vergisst, wenn man es einmal gesehen, wahrgenommen hat. 

  Castle schuf sein eigenes "Museum": er verwahrte seine künstlerische Produktion nämlich - nach Größe, nicht nach Entstehung geordnet und sorgsam zu Bündeln geschnürt wie Liebesbriefe oder in Behälter aller Art eingeschlossen - in Wandnischen alter Mauern und legte seine Konvolute auf den hohen und höchsten Regalen seiner persönlichen Umgebung ab wie schamanistische Schätze. Der Künstler, der ohne jeglichen Bildungs-Kontext in früher Kindheit zu zeichnen anfing, lieferte in dieser Form der "Ablage" zugleich einen sinnhaften Beweis seiner humanen Anwesenheit und seiner für diese Anwesenheit offenbar existenziell - konstitutiven Aktivität des Bildnerischen. Die den Arbeiten vom Künstler zugesprochene Wirkkraft sollte offenbar mehr noch als in der Betrachtung durch Menschen mit der unmittelbaren Umgebung des Künstlers akkumulativ dialogisieren. 

  Das Besondere am "Fall James Castle" ist, dass sein Werk - beim zweiten Blick - geradezu anbietet, konzeptuelle Strukturen und Verfahren der modernen Kunst an ihm abzugleichen, von denen er selbst aufgrund seiner isolierten Lage und seiner Behinderung nichts gewusst haben dürfte und man fragt sich, ob er diese wohl verstanden hätte. Castles Werk erfindet ebenso innovative wie persönliche künstlerische Techniken und beschäftigt sich intensiv mit dem Verhältnis von Typografie/Schrift und Bild in besonderen Serien. Er stellt seine Werkzeuge selbst her, erfindet Schreib- und Zeichengeräte. Er generiert seine "Farbe" körperlich, indem er Ofenruß mit eigener Spucke verreibt und auf seinen Zeichnungen vertreibt. So verschweißt er die eigene Handschriftlichkeit mit der landesweit distribuierten Oberfläche der über- und unpersönlichen "printed matter", die den amerikanischen Alltag immer mehr eroberte. 

  

  James Castle, o.T., Rußzeichnungen/Papier (Museo Reina Sofia Madrid 2011, Foto: Rolf Bier)

  Flankiert durch mehrere prominente Ausstellungen (Philadelphia Museum of Modern Art, 2009, Douglas Hyde Gallery Dublin 2010 und, gerade zu Ende gegangen: James Castle "Show and Store", Museo Reina Sofia Madrid 2011) kann spätestens jetzt die nicht übersehbare Ankunft dieses bislang vor allem amerikanischen Insidern und Künstlern wie Zoe Leonhard und Terry Winters bekannten, ebenso enigmatischen wie ephemeren Werks im Bewußtsein einer breiteren Kunstöffentlichkeit vermeldet werden.  Die pure Begegnung mit den Artefakten berührt so stark, dass die (programmatisch) vorangetriebene Kontextualisierung des in der Tat erstaunlichen Werks in den Zusammenhang der zeitgenössischen Moderne wie ein durchaus mögliches, aber an sich gar nicht notwendiges Surplus zur sich sinnlich unmittelbar mitteilenden Faszination des Werks erscheint.

  

  James Castle, o.T.,farbiges Papier, Rußzeichnung, Faden (Museo Reina Sofia Madrid, 2011, Foto: Rolf Bier)

  Wenn man Castle - gerade auch in Hinsicht auf im Werk angelegte konzeptuelle Strategien - von heute aus verstehen will, muss man vor allem  v i e l  von ihm sehen, um das durchgängige Prinzip von Wiederholung und Akkumulation angemessen zu erfahren. Die von Lynne Cooke in diesem Sinne souverän eingerichtete Madrider Ausstellung war genau so eingependelt, fand aber leider keine Entsprechung im ansonsten sehr schönen, auf gräulichem Recycling-Papier gedruckten Katalogbuch, das die Zeichnungen und Objekte meistens wieder isoliert. "Show and Store" - damit spielte der Titel der Retrospektive auf die äusserst wichtigen, zugleich unsichtbaren künstlerischen Tätigkeiten von James Castle´s (Lebens- )"Projekt" an - umfasste zwar nur zwei, dafür aber reich gefüllte Räume. Dabei verlor die Ausstellung aber dennoch nie den Kabinett-Charakter, den das verletzliche Werk nahelegt.  Momente deutlicher Beobachtung und künstlerische Schematisierung und Formung, mit der Castle seine lapidaren Sujets auf den - allesamt kleinen - Formaten souverän bewältigt, gehen Hand in Hand. Der mit dem Speichel des Künstlers angerührte Russ entwickelt auf den mitunter rauen oder auch von Castle selbst manchmal manipulierten Papieren dichte oft mehr malerische als grafische Valeurs. Die Eigenart der Stücke, "Castles" zu sein, ist dabei so stark, dass diese ganz primäre Anmutung über die ansonsten so verbindliche Kategorie der Qualität obsiegt: zumindestens in der Ausstellung in Madrid schien es keine "besseren oder schlechteren" Arbeiten zu geben. Castle ist immer bei der Sache, weil er sich vollkommen sicher ist, was er tut, auch wenn wir nicht wirklich wissen können, was ihn angetrieben hat. Man kommt nicht umhin, hinter der ausserordentlichen gestalterischen Kraft eine Motivation zu vermuten, die z.B. auch diverse Künstler der Art Brut umtreibt: eine Erfassung und Hypostasierung der eigenen Welt, deren Strukturen von Anfang festgeschrieben sind.

  

  James Castle, o.T., Rußzeichnungen/ benutztes, teilweise bedrucktes Papier (Museo Reina Sofia Madrid 2011, Foto: Rolf Bier)

  So sind seine Papier-Pappe-Objekte reine "Dingstücke", die sich der Gestalt eines je einzelnen Gegenstands widmen wie Becher, Vasen, Körbe, und in eigenwilliger, kastenartiger frontaler Steifheit Personen, zumeist Kinder. Insbesondere diese puppenartigen Kunstwesen bevölkern dann wiederum die Zeichnungen von Interieurs, wo sie offenbar die zumeist einzigen, allerdings künstlichen Zuschauer der immer neu durchgespielten Ausstellungs-Settings waren. Zugleich wird so ihre Existenz in ein anderes Medium überführt und verlängert. Besonders faszinierend ist die scheinbar unendliche Reihe von Hemd-Objekten, in denen Castle im dekorativen Zugriff auf farbiges Papier und mitunter ornamental aufgezeichnete Musterung fast Design-Qualitäten entwickelt. Die Objekte sind alle aus Faltungen sowie den Faltungen applizierten, weiteren Papier-Schnipseln entwickelt, die Vernähungen der Papierschichten ist ebenso redundant wie sie das jeweilige Objekt im Überschuss an Schnur und daraus entstehender grafischem Ornament nobilitieren. Castle unterscheidet bei aller Flachheit seiner "constructions" dabei immer genau Vorder-und Rückseite und verweist so darauf, dass ihm der Unterschied zwischen Zeichnung und Objekt vollkommen klar war.

  

  James Castle, Seiten eines handgemachtes Buchs, Ruß, Spucke, Papier, Faden (Courtesy Lawrence Markey Gallery, Texas / aus: James Castle -Show and Store, Museo Reina Sofia Madrid 2011, Katalognr.149)

  Die Struktur von Castles Werk und seine Arbeitsweise legen eine ursächlich sprachliche Motivation selbst nahe. Seine "Typo - Zeichnungen" von Buchstaben, die er offenbar jenseits von lexikalischer Bedeutung wie magische Zeichen nebeneinanderlegt und grafisch untersucht und formal spielerisch modifiziert, dabei auch kyrillische Lettern integriert, sind hier besonders aufschlussreich. Castles entschiedene Ablehnung des "horror vacui" des weissen Blatts, den man als "Raum ohne Information" verstehen kann, ist in diesem Zusammenhang ganz logisch: über die ausschliessliche Be- und Überschreibung von oft bedrucktem Altpapier verband er alle seine Arbeiten mit einem Kontext ausserhalb seiner  - ansonsten stummen - Welt, über den er selbst nicht verfügte: den der Sprache und allen Optionen, die sprachliche Kommunikation eröffnen kann, die Vielfalt der Dinge und der Welt ausserhalb seiner engen Umgebung. Diese Welt kam über den Briefträger in Form von Briefen, Umschlägen und Werbung aller Art verlässlich ins Haus, der kleine "general store" seiner Eltern versorgte ihn zudem mit bedruckten Kartonagen von Lebens- und Haushaltsmitteln. Alles, was Castle in die Hand nahm, hatte schon mal jemand anders angefasst. Er selbst markierte und verwandelte die Dinge und übereignete sie einem Kreislauf, von dem er ganz aus eigener Kraft selbstbewusster Teil geworden war. Dieser Kreislauf konnte nur aufrecht erhalten werden, indem er täglich arbeitete.

  Rolf Bier, Alocén/ Guadalajara im September 2011

  Eine erweiterte Text- und Prinfassung des Beitrags ist im Mepri- Archiv abrufbar.

• 9/9/2011 Exhibition

  Fictional autobiographical drawings by Rinus Van de Velde

  The recurring theme of the series of drawings, that Belgian artist Rinus Van de Velde presents in this exhibition, is the meaning the studio has for the artist. But that subject matter is broadly interpreted, and is mostly employed as a narrative motor for a narration in which the artist imagines himself to have been an ‘author’ of twentieth-century art history. "By doing so, Van de Velde creates an experimental fictional space in which he can, like a sponge, absorb artistic standpoints, without falling into the trap of becoming dogmatic. The viewer, on the other hand, is directly challenged to imagine the larger story of which Van de Veldes stories seem to be but snapshots. Van de Velde’s new series of stories have a layered set-up, and tend to fold back on themselves more than they used to. The text can sometimes at the same time be read as a story as well as a comment on the image. The drawings, on the other hand, often contain ‘unreadable’ elements, in which abstraction and plastic experiments take the upper hand. In this way, text and drawing seem to doubt whether they are a window to an imaginary world, or signs on a flat surface." (Koen Sels)

  Tim Van Laere Gallery, Antwerp, 8/9/2011 - 22/10/2011

  

  Rinus Van de Velde, Conrad had fled the city the week before in an outburst of insanity, 2011. (Courtesy Tim Van Laere Gallery)

• 10/8/2011 Recommended by: Bo Soremsky

  Schiefe Bahn / A Tea in Iran

  Zwei Illustratoren, zwei unterschiedliche Themen und Länder: Mit Stift und Pinsel gehen Florian Bayer und Olivier Kugler auf Tuchfühlung mit dem Alltag. Die U-Bahnlinie U8 gehört in Berlin zu den größten Drogenumschlagsplätzen für Heroin. Polizei und Politik scheinen machtlos zu sein angesichts der Tatsache, dass die Dealer Elfjährige Kinder sind. Für das Magazin „Neon“ versuchte Florian Bayer einen Einblick in den Alltag dieser Kinder zu bekommen. /  Olivier Kugler reiste einen Monat lang durch den Iran. Dabei traf er den LKW Fahrer Massih, der ihn auf eine Drei-Tage-Fahrt nach Kish, einer kleinen Insel im Persischen Golf einlud. Für das französische Magazin „XXI“ entstand so das 30seitige illustrierte Journal „Un Thé en Iran“: ein Portrait über Massih und seine Reise. Florian Bayer wurde für „Schiefe Bahn“ mit dem LeadAward 2011 in Bronze ausgezeichnet, Olivier Kugler erhielt für „A Tea in Iran“ den V&A Illustration Award 2011. 

  13.8.2011 - 18.8.2011, Neonchocolate Gallery, Lychener Straße 23, 10437 Berlin, Öffnungszeiten: mittwochs – freitags, 17 bis 20 Uhr

  

  Florian Bayer: Schiefe Bahn

  

  Olivier Kugler: A Tea in Iran

• 29/6/2011 In eigener Sache

  Erratum

  Wie sich nun mit einiger Verspätung herausgestellt hat war der MePri- Beitrag vom 8.5.2008 über die Bernard Buffet- Kritik von Werner Spies falsch tituliert. Er muß heißen: "Wir waren uns sicher".

• 20/4/2011 Recommended by: Joost Pollman

  Cartoon Movement

  The Cartoon Movement is a community of international editorial cartoonists and fans of political satire, which provides a website with continuously updated cartoons and graphic novels. The cartoon section is edited by the Dutch editorial cartoonist Tjeerd Royaard, the comics journalism - section by the American cartoonist Matt Bors. "We select cartoonists based on the quality of their work and their demonstrated ability to tackle political, societal, economical and environmental issues in a way that sheds a different light on the matter, makes you laugh or think, or both. Applying cartoonists should have a number of years experience in the field of editorial cartooning and their own distinct style."

  

  19 Apr 2011 Khalid Albaih: Syrian regime crumbles

  

  13 Apr 2011 Sarah Glidden and the CLP: The Waiting Room

• 25/1/2011 Recommended by: Joost Pollman

  Ballpoint Memories from Afghanistan

  The English Russia blog presents an anonymous Ballpoint Soldier: "He was on a few wars, in Afghanistan, in Tajikistan and then in Chechnya. He got in real battles and lost many of his friends in action, that?s a true story true soldier. Everywhere he went he took one thing with him that helped him to cope with all that. It was a simple ballpoint pen that he used to draw the most touching memories on the paper."

  

• 18/1/2011 Ausstellung

  Charles Bell in Bonn

  Zu den Highlights der Napoleon-Ausstellung in der Bundeskunsthalle Bonn zählen eine Reihe von Aquarellen des württembergischen Schlachtenmalers und Offiziers Christian Wilhelm von Faber du Faur, die dieser 1812 während des Russlandfeldzugs angefertigt hat, sowie vier eindrückliche Studien, die der schottische Chirurg Charles Bell 1815 bei der Schlacht von Waterloo von verwundeten und sterbenden Soldaten angefertigt hat. Vergleichbare physiologische Studien von Gericault sind erst zu Anfang der zwanziger Jahre bekannt. Vermutlich sind diese unter dem Einfluß von Bell´s Ausdruckstheorie The Anatomy and Philosophy of Expression as Connected with the Fine Arts entstanden, die Bell 1806 als künstlerisches Lehrbuch in London veröffentlicht hat. Unter der Rubrik Charles Bell - Views of the Battle of Waterloo ist auf der alten Site des MePri eine Auswahl von siebzehn Aquarellstudien einzusehen. Bell hatte sie nach den flüchtigen Skizzen, die während der Operationspausen entstanden sind, wenige Wochen nach den Ereignissen als Anschauungsmaterial zu Schulungszwecken ausgearbeitet.

  Die Ausstellung Napoleon und Europa. Traum und Trauma ist noch bis zum 25. April zusehen.

  

  Charles Bell:Wanstell 17th Regiment of Foot, 1815
  
  Christian Faber du Faur: Mit Napoleon in Russland, 1831

• 3/12/2010 Comment

  WilkesLeaks

  

  Julian Assange ....

  

  ..... a John Wilkes of the new century?

  WilkesLeaks: .... John Wilkes, the "Father of Civil Liberty" was released from prison in April 1770. Still banned from the House of Commons, Wilkes joined the campaign for the freedom of the press. In February, 1771, the House of Commons attempted to prevent several London newspapers from publishing reports of its debates. Wilkes decided to challenge this decision and the government reacted by ordering the arrest of two of his printers. A large crowd soon surrounded the House of Commons and afraid of what would happen, the government ordered the release of the two men and abandoned attempts to prevent the publication of reports of its debates.

• 12/10/2010 Neuerscheinung

  ZfM / 3: Aufzeichnen

  Die neue Ausgabe der Zeitschrift für Medienwissenschaft ZfM, editert von Petra Löffler und Kathrin Peters, befasst sich mit Verfahren des Aufzeichnens.Ob mittels Fotografie, Film, Tonband oder durch Mitschriften, Protokolle und Visualisierungstechniken sowie im Fall digitalen Recordings – immer werden Medien eingesetzt, um Daten zu generieren. Diese Verfahren sind besonders in den Natur- und Humanwissenschaften unentbehrlich geworden, ja sie bilden die Grundlage empirischen Forschens. Diesen wissenschaftlichen Gebrauchsformen stehen zugleich künstlerische Verfahren des Aufzeichnens zur Seite. Die aus diesen Praktiken hervorgegangenen Bilder, Notationen und Grafen sind in der Kunst der Moderne ebenso verankert wie in der wissenschaftlichen Beweisführung. Das aktuelle Schwerpunktthema widmet sich diesen Interdependenzen zwischen wissenschaftlichen und künstlerischen Aufzeichnungsverfahren und geht den Transfers von Bildern, Techniken und Versuchsanordnungen zwischen beiden Bereichen nach.

  Petra Löffler & Kathrin Peters: Aufzeichnen. Einleitung in den Schwerpunkt. / Mary Ann Doane: Hat das Medium Gewicht? / Herta Wolf: Zeichnen und Aufzeichnen als Konzeptualisierungen der fotografischen Medialität / Barbara Wurm: Vom Wissen (in) der Film-Notation /  Ivan Ladislav Galeta: Auf-Zeichnungen / Monika Dommann: Recording Prints, Reading Films, Mikrofilme, amerikanische Kosmopoliten und die Entdeckung des Copyrightproblems in den 1930er Jahren / Matthias Thiele: Die ambulante Aufzeichnungsszene / Clemens Krümmel & Alexander Roob: Bildstrecke aus dem Archiv des Melton Prior Institut für Reportagezeichnung / Christoph Schäfer im Gespräch mit Ulrike Bergermann: Maschinen aus Möglichkeiten: „Die Stadt ist unsere Fabrik“/ Till A. Heilmann: Digitalität als Taktilität. McLuhan, der Computer und die Taste

• 19/9/2010 Melton Prior Lecture #21

  Alexander Roob: War Artists.

  Anhand einer Vielzahl von Bildbeispielen gibt der Vortrag einen Überblick über Traditionen piktotaler Kriegsreportage von der Barockzeit bis zum jüngsten Afghanistankrieg.

  Der Vortrag findet anlässlich der Finissage der Ausstellung Sandow Birk - Jacques Callot. Die Schrecken des Krieges – The Depravities of War im Städtischen Kunstmuseum Spendhaus Reutlingen (Spendhausstr. 4, 72764 Reutlingen) statt

  Sonntag, 3. Oktober, 17 Uhr

  

• 19/7/2010 Ausstellung

  Sandow Birk - Jacques Callot. Die Schrecken des Krieges. The Depravities of War.

  In der Technik des ältesten druckgrafischen Mediums, dem Holzschnitt, führt der amerikanische Künstler Sandow Birk zeitgenössische Kriegsszenen vor Augen. Hintergrund und Anlass für die monumentalen Drucke ist der 2003 begonnene amerikanische Feldzug gegen den Irak. Die monumentale druckgrafische Serie bezieht sich sowhl inhaltlich als auch formal auf den bekannten druckgrafischen Zyklus Les misères de la guerre des barocken Stechers Jaques Callot, der ebenfalls in der Ausstellung zu sehen ist.
  
  Zu „The Depravities of War“ ist ein englischsprachiger Katalog erschienen, dessen Texte aus Anlass der Reutlinger Ausstellung übersetzt und als Broschüre diesem beigefügt werden.

  24. Juli bis 3. Oktober 2010

  
  Städtisches Kunstmuseum Spendhaus Reutlingen
  Spendhausstr. 4
  72764 Reutlingen

  

  Jacques Callot.Les Misères de la Guerre. (Detail)

  

  Sandow Birk. The Depravities of War. (Detail)

• 4/6/2010 Melton Prior Cabinet # 1

  Anarchismus und Moderne

  Zu Ausgang des 19. Jhds arbeitete eine Vielzahl der Künstler der Montmartre-Szene in Paris im Bereich der Pressegrafik. "Zu dieser Zeit war der Einfluss der Presse auf die Kunst konkurrenzlos," erinnerte sich Jacques Villon. "Er trug dazu bei, die Befreiung der Malerei aus den Fängen des Akademismus zu beschleunigen."

  
  Es waren vor allem anarchistische Magazine, wie das von dem radikalen Journalisten Zo´d Axa gegründete Magazin La Feuille, das den exekutierten Sprengstoffattentäter Ravachol als „Märtyrer der Tat“ verehrt hat, um die sich die bohemische Künstlerschaft zur Inkubationszeit der Moderne geschart hatte. Künstlerisch herausragend war das 1901 von dem ungarischen Verleger Samuel Schwarz gegründete Grafikmagazin L´ Assiette au Beurre (Der Teller Butter). Die Experimentierfreude und künstlerische Kompromisslosigkeit, mit der viele Zeichner des Magazins „die herrschende Klasse“, die sich gewaltsam in den Besitz der ersten Sahne bzw. in die Butter des Nationaleigentums gebracht hatte, attackierten, sucht in der Geschichte der Illustrationskunst ihres Gleichen. Reproduziert wurden diese Pressegrafiken zumeist im Zinkätzverfahren der Gillotage. Die Ausstellung zeigt u.a. Beispiele von Juan Gris, Felix Vallotton, Jacques Villon, Paul Iribe, Nadar, Theophile Steinlen, Jules Grandjouan, Hermann Vogel, Bernard Naudin, so wie von Pablo Picasso, der in Le Frou - Frou, einem weiteren Magazin von Samuel Schwarz als P. Ruiz signiert hat.

  Im Zentrum der Präsentation steht das pressegrafische Werk von Gustav-Henri Jossot und Frantisek Kupka. Gustave-Henri Jossot, der 1925 zum Islam konvertiert ist, zählt zu den radikalsten Künstlern der Zeit, sowohl in künstlerischer als auch in politischer Hinsicht. Er kreuzte den Cloisonismus der Nabis mit dem politischen Cartooning der Zeit und kreierte damit eine Kunst, die den Kubismus auf der Simpsons -Spur überholt hat.

  

  Gustave-Henri Jossot, Assiette au Beurre, 1904 (MePri-Collection)
  
  Von Frantisek Kupka, dem Begründer der ungegenständlichen Malerei, ist neben Beispielen seiner Pressegrafiken aus L´Assiette au Beurre  und Cocorico auch eine Tonlithographie, Les  Fous, von 1899 zu sehen. Sie nimmt einen zentralen Rang in Kupkas Frühwerk ein und war auf zwei Weltausstellungen zu sehen, 1900 in Paris und 1904 in St. Louis. Auf sehr eindrückliche Weise bringt er darin die explosive Gemengelage der Zeit zum Ausdruck: Kapitalismus, Militarismus, Nationalismus  und Hypokrisie. Formal nähert sich Kupka hier einer Auffassung von montierter Wirklichkeit an, wie sie später in den Grafiken von Pop-Artisten wie Robert Rauschenberg zum Ausdruck gekommen ist.

  Diese erste Melton Prior - Kabinettausstellung ist in den vier neu installierten Tischvitrinen in den Bibliotheksräumen der Akademie für Bildende Künste in Stuttgart eingerichtet.

  Mi. 9.6. – Fr. 9.7.2010

  Einweihung der Vitrinen: Mo. 14.6. 2010, 18:00

  Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
  Raum: 203 - 205
  Gebäude: A [Altbau]
  Mo-Do 9.30 bis 18.30
  Fr 9.30 bis 17.00

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  Anarchism and Modernism

  At the end of the 19th century, a number of artists of the Parisian Montmartre scene worked in the field of press illustrations. “During this time, the influence of the press on art was unrivalled,” Jacques Villon recalled. “It contributed to painting freeing itself from the claws of academism in a faster way.”

  It was predominantly anarchist magazines such as La Feuille founded by the radical journalist Zo´d Axa, which had idolized the executed dynamiter Ravachol as a “martyr of action”, around which Bohemian artists had gathered during the ‘incubation’ period of modernism. The illustrated magazine L´ Assiette au Beurre (The Plate of Butter), founded in 1901 by the Hungarian publisher Samuel Schwarz, was artistically outstanding. The eagerness to experiment and the uncompromising artistic stance with which many of the magazine’s draughtsmen attacked “the ruling class”, which had violently taken the cream, or butter, of the nation’s assets, is unchallenged in the history of illustrated art. These press illustrations were mostly reproduced using the zincographic method of Gillotage.

  The most interesting illustrators of the time include Gustav-Henri Jossot and Frantisek Kupka. Gustave-Henri Jossot  combined the Cloisonism of the Nabis with contemporary cartooning, thus creating an art that passed Cubism on the Simpsons lane. A ceramic lithograph by Frantisek Kupka, Les  Fous from 1899, is on view. It took on a central position in Kupka’s early work and was on display at two World’s Fairs, 1900 in Paris and 1904 in St. Louis. In a highly impressive manner, the work expresses the explosive entanglement of militarism, nationalism and hypocrisy. In formal terms, Kupka approaches the idea of  an assembled reality, as it was later expressed in the prints of Pop artists such as Robert Rauschenberg.  

  

  Frantisek Kupka, Les Fous, 1899 (Detail) (MePri-Collection)

  Mi. 9.6. – Fr. 9.7.2010

  Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
  Raum: 203 - 205
  Gebäude: A [Altbau]
  Mo-Do 9.30 bis 18.30
  Fr 9.30 bis 17.00

• 16/12/2009 Ausstellung / Exhibition

  Politische Bildergeschichten / Political Comics

  Die Ausstellung Politische Bildergeschichten  im Kunstverein Hamburg versammelt zum ersten Mal international politisch motivierte Bildergeschichten von der Erfindung der Buchdruckkunst bis heute. Es werden Beispiele einer demokratischen Bildsprache gezeigt, die allgemeine und offene Angebote darstellen, die sich zu allererst erzählerisch vermitteln. Das der Bildergeschichte eigene demokratische Bildverständnis kondensiert letztlich den Anspruch von Institutionen, in denen es um die Vermittlung von Kunst und die Überbrückung der Kluft zwischen Kunstproduktion und Publikum geht. (Auszug aus der Presseinformation)

  Das Melton Prior Institut ist mit einer Reihe von Leihgaben involviert, mit  Graphic novels, Bildergeschichten, Katalogen und grafischen Portfolios u.a. von Harold Begbie & F. Carruthers Gould, Steve Bell, Sue Coe, Jules Grandjouan, Paul Hogarth,  Laurence Hyde, Henri Gustave Jossot, Frantisek Kupka,  Carl Meffert, Otto Nückel, Giacomo Patri, Henry Ritter, Ben Shahn, Manfred Schmid, Adolf Schrödter, William Siegel, Otto Soglow, Théophile-Alexandre Steinlen, Mathilde ter Heijne, Félix Vallotton,  Lynd Ward, Adolphe Willette

  Kunstverein Hamburg: 19. Dezember 2009 - 14. März 2010

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  For the first time, the exhibition Political Comics brings together an international spectrum of politically motivated sequential art from the invention of printing to the present day. Examples are shown of a democratic visual language that present general and open propositions communicated primarily in narrative form. The democratic pictorial understanding innate to the comic, to sequential art, which – despite the name – is not necessarily “comic,” brings to a point the pretensions of institutions concerned withcommunicating art and bridging the gap between art production and the public. (excerpt from the press release)

  The Melton Prior Institute is involved with a set of loans: Graphic novels, catalogues and graphic portfolios by Harold Begbie & F. Carruthers Gould, Steve Bell, Sue Coe, Jules Grandjouan, Paul Hogarth,  Laurence Hyde, Henri Gustave Jossot, Frantisek Kupka,  Carl Meffert, Otto Nückel, Giacomo Patri, Henry Ritter, Ben Shahn, Manfred Schmid, Adolf Schrödter, William Siegel, Otto Soglow, Théophile-Alexandre Steinlen, Mathilde ter Heijne, Félix Vallotton,  Lynd Ward, Adolphe Willette

  Kunstverein Hamburg: 19 December 2009 – 14 March 2010

  

  Excerpt from: Giacomo Patri. The White Collar. 1940

• 13/12/2009 Lecture # 19

  Alexander Roob: Andy Warhol - der letzte Tiler

  Wie kein anderer Künstler seiner Zeit war Warhol in vielen entscheidenden Facetten seines Werks den protoavantgardistischen Ausprägungen der Ästhetizistischen Bewegung  des 19. Jahrhunderts verpflichtet. Die kommentierte Bildstrecke mit Archivmaterial des MePri parallelisiert  Dokumente des Factory-Betriebs mit Zeugnissen der Aktivitäten der frühesten Emanzipationsbewegung nordamerikanischer Kunst und sie zeigt Arbeiten aus Warhols erster Karriere als Illustrationsgrafiker.

  Der Vortrag findet statt im Rahmen der Ringvorlesung `Who is that pale man?' –  zu Wirkung und Relevanz des Werks von Andy Warhol, die die Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart in Kooperation mit der Staatsgalerie Stuttgart veranstaltet. Am gleichen Abend referiert Barbara Straumann (Universität Zürich) über "Diva Warhol - mediale Performance, Gender und Versteckspiel"
  

  Di. 15.12, 19 Uhr

  Staatsgalerie Stuttgart, Vortragssaal im Stirling-Bau, Konrad-Adenauer Str. 30-32, 70173 Stuttgart

  

  Tiler Andy "Drella" Warhol

  

  Tiler Napoleon "The Hawk" Sarony

  

  Tiler William M. "Polyphem" Laffan, 1879

• 28/11/2009 Note

  Visualizing Memory in a Second

  It only takes one second to follow the way in which cartoonist Emmanuel Guibert managed to visualize the vaporous nature of memory in his graphic documentary on the reminiscences of former GI Alan Cope, who served in  Europe during World War II.

  

  

• 22/11/2009 Exhibition / Catalogue

  Paul Sandby, Topographer and Social Commentator

  Paul Sandby (1731–1809), a contemporary of  the "picturesque" William Gilpin and the "antiseptic" Daniel Chodowiecki, is considered the father of a tradition of British topographical realism that was to culminate in the works of artists such as John Thomas Smith, Thomas Girtin, and John Constable. In the aftermath of the Jacobite uprising of 1745, Sandby was tasked as chief draughtsman with mapping the Scottish Highlands, a commission which also included preparing designs for new bridges and fortifications. These sketches were the basis of his series of watercolour landscapes, which helped to develop a new touristic image of "North Britain" and Wales. Beside his prolific and pioneering topographic practice, Sandby was also a very biting caricaturist and social commentator. His animadversion against the art and theory of his rival, the late William Hogarth, was a substantial one.
  
  The exhibition Paul Sandby: Picturing Britain at the National Gallery of Scotland, Edinburgh features over one hundred loans, including oil paintings, watercolours, gouaches, prints and sketchbooks and is accompanied by an excellent catalogue, which also explores his role as a teacher and his innovations in printmaking.

  7th November 2009 - 7th February 2010

  

  Paul Sandby: View of the Ascent to the Round Tower, Windsor Castle. c. 1770 (Royal Collection)

• 5/7/2009 Ausstellung

  Karl Valentin, Komik und Kunst seit 1948

  Die von Michael Glasmeier und Wolfgang Till kuratierte Ausstellung geht den Einflüssen Valentins in der zeitgenössischen Kunst nach. Sie versteht sich allerdings weniger als eine Hommage, sondern eher als ein Versuch, sich gerade in den Experimenten zeitgenössischer Künstler der präzisen und anarchistischen Möglichkeiten des Komischen zu vergewissern. Sie feiert den methodischen Wahnsinn der künstlerischen Komik in seinen wesentlichen Formungen und damit gleichzeitig jene geniale Ökonomie Karl Valentins, die sich in allen Exponaten mehr oder weniger ausdrücklich aufspüren lässt.

  Das Melton Prior Institut präsentiert im Rahmen dieser Ausstellung Sammlungsbestände zur Entwicklung der Salon- bzw. Kunstkarikatur, ein Genre, das  Karl Valentin zur Gründung seines berühmten Panoptikums inspiriert hatte.

  Gezeigt werden u.a. Werke folgender Künstler: John Baldessari, Samuel Beckett, Joseph Beuys,  Claus Böhmler, Christian Boltanski, George Brecht, Marcel Broodthaers,  Peter Fischli und David Weiss, Terry Fox, Gilbert & George,  Rodney Graham, Richard Hamilton,  Mauricio Kagel,  Arthur Köpcke,  Jonathan Monk, Johannes Muggenthaler,  Dan Perjovschi,  Dieter Roth, Reiner Ruthenbeck, Tomas Schmit,  Roman Signer, Andreas Slominski,  Timm Ulrichs, Ben Vautier...

  Muenchner Stadtmuseum, Muenchen.  24. Juli bis 15. November 2009

  Ein Katalog erscheint im Verlag Silke Schreiber, München

  

  Wilhelm Scholz: Die Berliner Kunstausstellung im Jahre 1846

• 4/6/2009 Lecture # 18

  Astrit Schmidt-Burkhardt: Maciunas' Atlas-Projekt

  George Maciunas' Oeuvre von rund drei Dutzend Geschichtsdiagrammen entstand zwischen 1953 und 1973. Zunächst als vielseitig interessierter Student, dann kurzzeitig als Architekt, längerfristig als Fluxus-Initiator und schließlich als New Yorker Stadtentwickler von Fluxhousing Cooperatives hat sich Maciunas über einen Zeitraum von zwanzig Jahren mit der diagrammatischen Veranschaulichung von historisch-politischen, kulturgeschichtlichen, ökonomischen, und künstlerischen Kausalitäten auseinandergesetzt. Die große Bandbreite dieser Arbeiten reicht vom spärlichen Informationsgerüst bis zum dichten Datenteppich. Auf vielfältige Weise wurden Fragen der Geschichtsschreibung und der Bildpolitik immer wieder neu gestellt. Das ist bekannt. Weitgehend unbekannt blieb dagegen die Tatsache, dass sich Maciunas auch als "Map Artist" hervorgetan hat. Das diagrammatische Schaffen von Maciunas begann nämlich mit einem bemerkenswerten Kartenwerk. Dieses Atlas-Projekt steht zugleich am Anfang der kartographischen Aufklärungsarbeit, die zahlreiche Künstler in den 1960er und 70er Jahren mit ihren kritischen Entwürfen von Landkarten betrieben haben.

  Die Bildhistorikerin Astrit-Schmidt- Burckhardt forscht zur  genealogischen Diagrammatik der Avantgarden.
  

  Di. 30.6., 19 Uhr

  Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart,
  Mehrzwecksaal (Neubau)

  

  aus: George Maciunas´ Atlas-Projekt

• 3/6/2009 Ausstellung

  BILDERSCHLACHTEN - 2000 Jahre Nachrichten aus dem Krieg.

  Nachrichten aus dem Krieg gibt es seit über 2000 Jahren. In der Antike wurden sie mit reitenden Boten oder weithin sichtbaren Leuchtzeichen verbreitet. Durch technische Erfindungen wie dem Buchdruck im Mittelalter war es möglich, die Nachrichten schriftlich zu verbreiten. Im 19. Jahrhundert wurden der Telegraf und die Fotografie erfunden und auch im Krieg eingesetzt. Die Ausstellung zeigt den Zusammenhang zwischen technologischer Entwicklung und der Veränderung des Bildes vom Krieg. Seit dem Ersten Weltkrieg kamen Flugzeuge mit Kameras zum Einsatz. Im Zweiten Weltkrieg haben Radio und Film, seit den 1960er Jahren das Fernsehen die Berichterstattung über Kriege bestimmt. Im 21. Jahrhundert kommen Handys und Internet verstärkt dazu. Kriegsbilder sind nun nahezu jederzeit und an jedem Ort verfügbar. Diese Entwicklung zeigt die Ausstellung. Sie zeigt auch, wie sich die Strukturen und Inhalte der Kriegsberichterstattung durch die technischen Innovationen verändert haben.

  Im Rahmen der Ausstellung wird vom 3. bis 6. September die internationale wissenschaftliche Tagung „Wahrheitsmaschinen“ stattfinden. Der Einfluss technischer Innovationen auf die Darstellung und das Bild des Krieges in den Medien und Künsten steht dabei im Mittelpunkt. Wie sind Strukturen und Inhalte der Kriegsberichterstattung durch technische Innovationen von der Antike bis zur Gegenwart des
  21. Jahrhunderts verändert worden? Wie haben die Künste  auf diese Veränderungen reagiert? Diesen und weiteren Themen wird sich die Tagung widmen, die für eine breite Öffentlichkeit zugänglich ist.

  Ausstellung in Osnabrück vom 22. April bis zum 4. Oktober 2009 - Kooperation zwischen Museum Industriekultur, Kunsthalle Dominikanerkirche, Erich Maria Remarque-Friedenszentrum und European Media Art Festival
  

  Zur Ausstellung erscheint ein umfangreiches Katalogbuch

  

  Afghanischer Kriegsteppich (Slg. Mohm)

• 3/3/2009 New

  Link Archive: War Artists

  A new section on War Artists in our Link Archive

  

  Steve Mumford, Bhagdhad Journal: Charlie 1-153 off Haifa Street
  Sgt. Jerry Holland of the Arkansas National Guard off Haifa Street.
  An insurgent fired a burst from a machine gun over our heads just after I started the drawing.

• 17/12/2008 Ausstellungshinweis

  Ausstellungen der ersten Grafik-Edition des Melton Prior Institut

  BREMERHAVEN - NEW YORK
  mit druckgrafischen Arbeiten von
  
  Luis Camnitzer
  Bogdan Hoffmann
  Birgit Jensen
  Ben Katchor
  Stephan Mörsch
  Alexander Roob
  Dierk Schmidt
  Paul Schwer
  Andreas Siekmann
  Susan Turcot

  Das Melton Prior Institut hat in den Jahren 2007/2008 mit einer Reihe internationaler Künstler/innen eine druckgrafische Mappe produzieren können, die den Standort Bremerhaven im allgemeinen und die Migrationslinie Bremerhaven – New York im besonderen thematisiert. Bremerhaven, seit Mitte des 19. Jahrhunderts einer der wichtigsten Auswanderungshäfen in Europa, wird in seiner historischen und zeitgenössischen Bedeutung aus unterschiedlichen künstlerischen Gesichtspunkten in den Blick genommen. Diese Edition repräsentiert nun nicht nur ein breites Spektrum künstlerischer Auseinandersetzungen mit diesem Themenkreis, sondern auch eine große Vielfalt druckgrafischer Lösungen – von „klassischen“ Techniken wie Radierung, Siebdruck und Steindruck bis hin zum Digitaldruck und Kombinationsverfahren. Ein wichtiger Bestandteil der künstlerischen Arbeit bestand in der Recherche vor Ort, dem Zeichnen vor dem Motiv als Gedächtnisskizze, als Grundlage druckgrafischer Ausarbeitung.
  
  Kunsthalle Bremerhaven
  Fr. 16. Januar 2009, 17 Uhr
  
  Galerie Ursula Walbröl, Düsseldorf
  17. Januar  bis 28. Februar 2009
  Eröffung am 17. Januar, 18 - 20 uhr

  

• 11/12/2008 Link

  Henri Michaux on UbuWeb

  This contribution on the famous Belgique draughtsman includes the astonishing document "images du monde visionnaire", an educational film by Henri Michaux and Eric Duvivier which was produced in 1963 by the film department of Swiss pharmaceutical company Sandoz "in order to demonstrate the hallucinogenic effects of mescaline and hashish.

  

  

• 19/11/2008 Link

  Unterwegs - Gezeichnete Reportagen

  Die Hochschule Luzern, Design & Kunst präsentiert auf ihrer Website einen Online-Katalog der Ausstellung «Unterwegs – gezeichnete Reportagen», die 2006 im Rahmen des Luzerner Comic-Festivals Fumetto stattfand. Gezeigt wurden Reisetagebücher, Skizzenbücher und eine Auswahl von Originalarbeiten. Die Bandbreite war gross: Von Robert Weavers Skizzen  aus den Beständen des MePri über die Arbeiten von deutschen, schweizer, englischen, finnischen… Künstlern bis hin zu den von jungen französischen Comic-Autoren gezeichneten Doppelseiten der französischen Tageszeitung «Libération»

  

• 25/9/2008 Neuerscheinung

  Strapazin # 92: Augenzeugen

  Die neue Ausgabe des Schweizer Comic Magazins "Strapazin" dreht sich um "Zeichnerinnen und Zeichner, die mit Leidenschaft und Akribie das Geschehen in ihrer nächsten Umgebung wahrnehmen, zu Papier bringen und uns damit ebenso gut unterhalten wie informieren." (Pressetext) Es enthält Reportagen über Verkehrsunfälle (Christoph Fischer), den Alltag italienischer Emigrantenfamilien (Valérie Losa), biographischer Erinnerungen über Kindheitserlebnisse in China (Yan), illustrierte Interviews aus  Südindien (Andrea Caprez, Andreas Gefe, Christoph Schuler), sowie einige Beispiele graphischer Stadterkundungen (Peter Blegvad, Ben Katchor und Patrick Sandri).

   

  

• 20/9/2008 Neuerscheinung

  "Bildgeschichten für Chinas Massen: Comic und Comicproduktion im 20. Jahrhundert" von Andreas Seifert

  Der Tübinger Sinologe und Politikwissenschaftler Andreas Seifert legt mit dieser Publikation die erste umfassende Darstellung  der modernen chinesischen Bildergeschichte vor. Mit initiiert wurde diese neuzeitliche chinesische Comicbewegung in den 1930er Jahren von dem Dichter Lu Xun, der ebenfalls für eine Neubegündung des chinesischen Holzschnitts verantwortlich war. Das Buch verfolgt die lange Traditionslinie von der klassischen  textbegleitenden Illustration zu den eigenständigen Bildgeschichten im 20. Jahrhundert. Deutlich wird dabei, dass die "Lianhuanhua", die chinesische Form der Comics, in ihrer modernen maoistischen Ausprägung  bereits auf ein vielfältiges Repertoire grafischer Ausdruckmöglichkeiten aus den vorangegangenen Jahrhunderten zurückgreifen konnten

  

  (aus: He Youzhi, Shiwu guan, Shanghai 1979)
  

• 5/8/2008 Weblink

  Neue Zeichnungen von Andy Bleck

  Der Zeichner Andy Bleck, der auf unserer Website schon vor einiger Zeit mit einem Pictorial zum Londoner Victoria & Albert Museum vertreten war, hat auf seiner Website eine Fülle neuer Zeichnungen, Aquarelle und Collagen zugänglich gemacht, die an den unterschiedlichsten Orten entstanden sind: http://www.konkykru.com/kunst#

  

• 23/7/2008 Ausstellungshinweis

  Cony Theis - See Me

  In ihrem situativen Einfühlungsvermögen und ihrer Beobachtungsgabe können sich die Gerichtszeichnungen der Kölner Künstlerin Cony Theis  mit denen ihres Vorbilds Erich Dittmann messen, dem 1999 verstorbenen Nestor  der westdeutschen Justizgrafik. (>Erich Dittmann).
  Die Ausstellungtournee "Zeit richten" von 2004  hatte sich vor allem diesem journalistischen Aspekt im Werk  der Künstlerin gewidmet (Ein gleichnamiges Katalogbuch ist im Salon Verlag Köln erschienen).
  In einer aktuellen Ausstellungsreihe mit dem Titel "See me" kommen nun weitere Facetten ihrer Arbeit zur Geltung:Porträtstudien ihres Freundeskreises auf Papier und Haut, Fotoarbeiten und Zeichnungen, die um das Selbst und den "Künstlerkosmos" kreisen und Mobile-artige Rauminstallationen, die den Justizapparat und die Fragilität von Moralvorstellungen zum Gegenstand haben.

  Die Ausstellungsreihe ist dreiteilig angelegt, wobei jeder Abschnitt einen anderen Schwerpunkt repräsentiert. Teil 1 ist noch bis zum 27. Juli 2008 im Ludwig Museum in Koblenz zu sehen. Die beiden folgenden Stationen sind das Rheinische Landesmuseum Bonn (2009) sowie die Kunsthalle Erfurt (2010). Das Katalogbuch "Cony Theis. See me." ist im Kerber Verlag Bielefeld erschienen.

  Ludwig Museum Koblenz, 22. Juni bis 17. Juli 2008
  
  
  
  Cony Theis, Landgericht Köln, 2008 (Abb. Katalog)

• 22/6/2008 Hinweis

  Streaming version of a lecture by Ben Katchor

  Good news for all those who missed the last MePri lecture: on the website of Princeton University you can find a streaming version of a lecture Ben Katchor held on "Halftone Printing in the Yiddish Press and Other Objects of Idol Worship."

  "A forty-minute slide-show / lecture expanding upon the theme of image worship as presented in my book 'The Jew of New York'. Through an examination of the use of photographic reproduction in a variety of 20th century Yiddish books and newspapers, I will endeavor to explain how Jewish proscriptions against the establishment of idolatrous images have influenced, and been influenced by, modern printing technology. Are the photographic images one finds in the Yiddish press of an intentionally low quality, or have they been degraded by accident? At what point is one no longer able to 'read' a photographic image, and when does one turn by necessity to its text caption? I will demonstrate how certain potentially dangerous symbols are reduced by the vagaries of the printing process to harmless signs pointing to a momentary event in the real world. Part two of the this lecture examines the possibility of finding other forms of graphic representation to excite our collective memory of persons and places." (Ben Katchor)

  http://www.princeton.edu/WebMedia/special/

  scroll down to October 21 through 23, 2001 -  Conference: Celebration of Jewish-American Writ

• 18/5/2008 MePri - Lecture 14

  Antihaltung mit System: Die Arts Incohérents. Eine vergessene Kunst und die Folgen - von Annabelle Görgen, Hamburg

  Das surrealistische Verfahren der poetischen Zündung, die Methode der Kombinatorik, und der häufig sprachspielerische und schwarze Humor erhalten durch die Erforschung einer wenig bekannten Pariser Künstlergruppe des späten 19. Jahrhunderts einen neuen historischen Hintergrund: Die Arts incohérents waren zwischen 1882 und 1893 eine Gruppe von Kunstparodisten, die sich selbst nicht ernst nahm. Doch die Rolle der „inkohärenten Künste“ als Vorläufer und Anreger der Surrealisten wird offensichtlich in Gegenüberstellungen von surrealistischen und inkohärenten Werken und Objekten – wie Duchamps L.H.O.O.Q. oder Magrittes und Dalís Venus, – aber auch von Arbeitsmethoden und Grundlagen wie Haltung zum Bürgertum, zum Lachen, zur Stellung zwischen Kunst und Spektakel, zum Selbstverständnis der Künstler etc.. Die vergessene Künstlergruppe muß daher aus heutiger Sicht ernst genommen werden, wie die Abhängigkeit der Werke der Surrealisten von dem Fumismus – der Blufferei – des 19. Jahrhunderts. Dies gilt umso mehr, als Belege für konkrete Kenntnis der Arts incohérents durch Breton und Duchamp geliefert werden können.
   
  Dienstag, 27. Mai um 19 Uhr
  Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, Alte Aula Altbau

  

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