• 17/5/2013 MePri-lecture # 28

  Joost Pollmann: Comics & Journalism - Witnessing the world with pen & paper

  Reportage Drawing, Graphic Journalism, Observational Cartooning. All these terms are used to describe a new phenomenon in journalism: the comics artist as reporter. Before the invention of photography illustrations were quite common in the printed press, later on they became obsolete; only the editorial cartoon remained in fashion. In the nineties of the last century however the drawing returned to the press, when the American artist & journalist.

  Joe Sacco invented a new genre and started to make comics about people who live in the war zones of Palestine and Bosnia. Today he is an internationally acclaimed reporter with followers in many countries. Newspapers and magazines like Time, Internazionale, Süddeutsche Zeitung and The Guardian send comics artists as eye witnesses to newsworthy places, and they share their impressions with us, readers and onlookers, in the form of lines on paper. Or lines on screen, because last year the tablet magazine Symbolia was launched in the US, specialized in illustrated journalism for the iPad. One of the main characteristics of the drawn documentary is the role of the artist as a personage in the story itself: the artist is no anonymous bystander who accidentally happens to be on the spot, but he or she is an involved human being that wants to tell us a story: we need to know and see what is going on! This urgency makes graphic journalism all the more fascinating.

  Joost Pollman is a curator and journalist, who is specialized in the history of graphic journalism. He lives in Haarlem NL.

  Di. 28.5., 19 Uhr, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, Neubau 2, Vortragssaal

  

  Drawing by Olivier Kugler

• 26/4/2013 New Feature

  Porter / Re-porter

  In der Ausstellung Porter/Re-porter, die vom 4. Mai  bis 22. September im Rahmen des „Kubus. Sparda-Kunstpreis“ im Kunstmuseum Stuttgart zu sehen ist, kombiniert Alexander Roob Materialien aus der Sammlung des Melton Prior Instituts mit eigenen Arbeiten, darunter einen längeren Ausschnitt aus der gleichnamigen CS- Zeichnungsserie, die im Herbst 2002  in London in Kooperation mit der Tageszeitung The Guardian entstanden ist, sowie Auszüge aus der „Theorie des Bildromans“ von 1997.

  

  Die parallelisierten historischen Materialien lenken den Blick zurück auf die Frühzeit kultureller Demokratisierungsprozesse im England des frühen 19. Jahrhunderts sowie auf einige ihrer Exponenten im Milieu des philosophischen Radikalismus und der ersten Arbeiterbewegung. Die assistierende Rolle, die der Kunst heute im Fortgang der Refeudalisierung der Gesellschaft zukommt, mag nicht zuletzt auch in dem Umstand begründet sein , dass diese spannungsvolle sozialrevolutionäre Phase im Konstrukt der Kunstgeschichte nicht präsent ist, dass sich also im Rahmen der Kunst kein historisch zurückreichendes Bewusstsein von komplexen künstlerischen Strategien zur Liberalisierung und Demokratisierung gesellschaftlicher Systeme etabliert hat.

  

  William James Linton / John Thomas Smith

  

  Ausschnitt aus der Präsentation des Linton -Archivs

  Zentrales Thema der Ausstellung Porter/Re-porter und des Begleithefts Anti-porter ist die fruchtbare Wechselbeziehung zwischen res publica und res privata im künstlerischen Feld, zwischen gesellschaftlichem Engagement und hermetischer Rückzugsbewegung, populären und kryptischen Darstellungsweisen. Der Ausstellungsparcours führt Werke des stilbildenden Paten politisch-interventionistischer Kunst, des Dichters und Holzstechers William James Linton (1812–1897) mit Grafiken des Erfinders der investigativen Sozialreportage eng, des Kupferstechers und Gegenwartsarchäologen John Thomas Smith (1766–1833).

  

  John Thomas Smith: aus: "Remarks on Rural Scenery", London  1797

  

  W. J. Linton: Blake´s Cottage at Felpham, London 1863

  Die beiden ganz unterschiedlichen gesellschaftsbezogenen Werkansätze verbindet ein produktives, antithetisches Verhältnis zur verschlossenen und in sich gekehrten Kunst des republikanischen Lastenträgerbiertrinkers und Türöffners William Blake (1757–1827). In seiner illuminierten Dichtung Milton, die auch eine entscheidende Rolle in der „Theorie des Bildromans“ spielt, hatte Blake die räumlichen und zeitlichen Konstituenten von Reportage einer eigentümlichen introspektiven Analyse unterzogen; darüber hinaus entwickelte er einen Mythos des Lineaments, in dem er einen metaphysischen Vorrang der Konturlinie über Techniken grafischer Tonalität konstruierte und damit eine Debatte vorbereitete, die Jahrzehnte später zwischen seinem Parteigänger Linton und Vertretern der mikro-pointillistischen nordamerikanischen Fotoxylografie ausgetragen wurde.

  

  Alexander Roob: aus:Theorie des Bildromans, Rom/Köln, 1997   

  Die Publikation Anti-porter nähert sich dieser frühen Mediendebatte über die Hintertür der Exegese eines kolonialkritischen Lehrstücks aus der Feder Lintons. Dieses Dialogstück „Cetewayo and Dean Stanley“ von 1880, das in der Ausstellung eher beiläufig, im Zusammenhang mit einer Vielzahl weiterer Exponate aus dem Linton-Archiv des Melton Prior Instituts, gezeigt wird, kreist – so die These – in einer Tiefenschicht um einen verdrängten künstlerischen und philosophischen Antipoden Blakes, um den Begründer des Utilitarismus Jeremy Bentham. Im Kontext der Auseinandersetzung über grafische Codes besetzt er die extreme antimediale Position selbstidentischer Bilderzeugung. Assoziiert wird sie hier mit den druckgrafischen Destroyed-Folgen des nordamerikanischen Fotoxylografen Henry Wolf, die zwischen 1896 und 1905 entstanden sind, und den verwandten medienreflexiven Holzstichillustrationen Adolph Menzels zur 1877 erschienenen Jubiläumsausgabe von Heinrich von Kleists "Der Zerbrochene Krug", die auch transatlantisch einflussreich waren.

  

  Henry Wolf: The Evening Star, 1896 (Abzug vom entwerteten Druckstock)

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  In the exhibition Porter/Re-porter,  on view from 4 May to 22 September in the frame of “Cube. Sparda Art Award” at the Kunstmuseum Stuttgart, Alexander Roob combines materials from the collection of the Melton Prior Institute with works of his own, including a longer excerpt from the eponymous CS drawing series created in London in fall of 2002 in cooperation with the daily The Guardian, as well as parts of “Theorie des Bildromans” from 1997.

  The historical materials set in parallel direct the view back to the early age of cultural democratisation processes in early-19th-century England and some of their exponents in the milieu of philosophical radicalism and the first workers’ movement. The assisting role that art plays today in the on-going refeudalisation of society may have to do with the fact that this tensional, social-revolutionary phase is not present in the construction of art history, that in the frame of art, then, there is no awareness of complex artistic strategies stretching back in history to liberalise and democratise social systems.

  The central theme of the exhibition Porter/Re-porter and the accompanying brochure Anti-porter is the productive interrelationship between res publica and res privata in the artistic field, between social commitment and hermetic retreat, popular and cryptic modes of representation. The exhibition itinerary juxtaposes works of the style-forming godfather of political-interventionist art, the poet and xylograph William James Linton (1812–1897), with graphics by the inventor of investigative social reportage, the engraver and archaeologist of the present, John Thomas Smith (1766–1833).

  

  John Thomas Smith: Lady Plomer´s Palace, from: Remarks on Rural Scenery, London  1797

  What the two highly different socially related approaches share is a productive, antithetic relationship to the shuttered and withdrawn art of the republican burden-bearer-beer-drinker and door opener William Blake (1757–1827). In his illuminated poem Milton, which also plays a key role in the “Theorie des Bildromans”, Blake had analysed in a peculiarly introspective fashion the spatial and temporal constituents of reportage; moreover, he developed a myth of lineament by constructing a metaphysical precedence of the contour line over techniques of graphical tonality and thus paved the way for a debate that, decades later, would be carried out between his advocate Linton and proponents of micro-pointillistic, North American photo-xylography.

  

  Henry Wolf: The Morning Star , 1903 (handsigned print from the destroyed block)

  

  Adolph Menzel: Illustration for Heinrich von Kleist’s "Der Zerbrochene Krug (The Broken Jug)", Berlin 1877 (Detail)

  The publication Anti-porter approaches this early media debate via the backdoor of the exegesis of a colonialism-critical teaching play penned by Linton. The dialogue piece, “Cetewayo and Dean Stanley” from 1880, which is displayed rather en passant in the context of a large number of further exhibits from the Linton archive of the Melton Prior Institute, revolves in a deeper layer – this is the proposition – around a suppressed artistic and philosophical antipode of Blake, the founder of utilitarianism, Jeremy Bentham. In the context of the debate on graphical codes, he takes on the extreme, anti-medial position of self-identical image production. It is associated here with the Destroyed print series by the North American photo-xylographer Henry Wolf, created between 1896 and 1905, and the related, media-reflective woodcut illustrations by Adolph Menzel for the anniversary edition of Heinrich von Kleist’s "Der Zerbrochene Krug[The Broken Jug" from 1877, which was also influential across the Atlantic.

  

  Alexander Roob "Anti-Porter" (Catalogue  Cover), Stuttgart 2013

• 23/4/2013 Ausstellung

  Freiheit!

  Anlässlich des 200. Jahrestages der entscheidenden Völkerschlacht der Freiheitskriege im Jahr 1813 widmet sich die Ausstellung Freiheit ! der Frage nach der aktuellen Bedeutung von Freiheitsbewegungen und kulturell unterschiedlichen Begriffen von Selbstbestimmung. Zwölf internationale Künstler bsind vertreten, darunter der chinesische Dissidentenstar Ai Weiwei, der  bulgarische Künstler Nedko Solakound, die marokkanischen Künstlerin Bouchra Khalili, sowie der südkoreanische Künstler Haejun Jo.

  

  Haejun Jo, Donghwan Jo, Arab Spring: The Arab World Reflected From Without.2013

  Jo zeigt eine aktuelle Arbeit, in der er sich mit der südkoreanischen Perspektive auf den arabischen Frühling auseinandersetzt. "Arab Spring: The Arab World Reflected From Without" besteht aus einer Videoinstallation und einer Serie von Zeichnungen. Für die Videoarbeit befragte er Ägypter, die in Südkorea leben, und Koreaner, die einst in Ägypten gearbeitet haben oder die während der Militärdiktatur in Südkorea an Demonstrationen für mehr Demokratie teilgenommen haben. Diese Augenzeugenberichte erzählte er seinem in Südkorea lebenden Vater Donghwan Jo, mit dem er seit 2002 an einer offenen Reihe mündlich - grafischer Dialoge arbeitet. Donghwan Jo setzte diese Berichte aus Korea und Ägypten in einer Serie von Zeichnungen um, die wiederum in den Videoarbeiten auftauchen.

  Die Ausstellung ist noch bis zum 30. Juni im Kunstpalais Erlangen zu sehen.

  

  Haejun Jo, Arab Spring: The Arab World Reflected From Without.

• 21/4/2013 New Publication

  Creating a World on Paper.

  Sue Rainey, a historian of American graphic arts and author of the study Creating “Picturesque America” has now published the first biography of America´s leading illustrator of 19th century - travelogues, the English-born landscape painter and graphic artist Harry Fenn (1845 – 1911). Arriving in New York from London in 1857 as a young wood engraver, Fenn soon forged a career in illustration. His tiny black-and-white wood engravings for Whittier’s Snow-Bound (1868) surprised critics with their power, and his bold, innovative compositions for Picturesque America (1872–74) were enormously popular and expanded the field for illustrators and publishers. In the 1880s and ’90s, his illustrations appeared in many of the finest magazines and newspapers, depicting the places and events that interested the public—from post–Civil War national reconciliation to the World’s Columbian Exposition in 1893 to the beginnings of imperialism in the Spanish-American War.

  

  J. Wallace Black: Harry Fenn (Source: Rainey, Creating a World )

  The publication documents Fenn’s prolific career from the 1860s until his death in 1911. Sue Rainey also recounts his adventurous sketching trips in the western United States, Europe, and the Middle East, which enhanced his reputation for depicting far-flung places at a time when the nation was taking a more prominent role on the world stage.

  

  Harry Fenn, Illustration for John Greenleaf Whittier´s "Snow-Bound. A Winter Idyl", Boston 1868  (engraved by W.J. Linton)

  

  Harry Fenn, Keats' Home in Rome, 1894

• 23/3/2013 Digital Archive

  The Heidelberg Cornucopia / Das Heidelberger Füllhorn

  In the framework of her extensive digitization project, the University Library Heidelberg provides by now an inexhaustible archive of illustrated magazines of the 19th and early 20th century: Approx. 1000 volumes of historical art - and satire magazine with approx. 400,000 pages, which are available as downloads. The archive holds entire volumes of the most important German satire magazines, including Kaspar Braun's "Fliegende Blätter", the Prussian cartoon magazine "Kladderadatsch", the Munich-based magazines „Simplicissimus“ and "Meggendorfer-Blätter", the Berlin based "Ulk", the 48 - magazine "Leuchtkugeln" and the Socialist satire journals "Der Wahre Jacob" and „Lachen links“.  

  Due to a substantial donation of the London bookseller Nikolaus Trübner, the University Library Heidelberg acquired a large collection of French satire magazines in 1885. Digitized are parts of Philipon´s famous "La caricature", Andre Gills "La Lune" and "L´Eclipse", as well as the following journals "Le Grelot" , "La revue comique", "Le Sifflet", the Paris Commune journal "Le Fils du Père Duchêne" and a Cartoon collection related to the Prussian-French War.

  

  Hermann Schlittgen: Dream of a painter after having attended an art exhibition, Fliegende Blätter, 1894
  

  Im Rahmen ihres umfangreichen Digitalisierungsprojekts hat die Universitätsbibliothek Heidelberg ein schier unerschöpfliches Archiv illustrierter Magazine des 19. und frühen 20. Jahrhunderts bereitgestellt: ca. 1000 Bände historischer Kunst- und Satiremagazine mit ca. 400.000 Seiten, die als Downloads  zur Verfügung stehen. Das Archiv beherbergt u.a. ganze Jahrgänge der wichtigsten deutschen Karikaturmagazine, darunter Kaspar Brauns "Fliegende Blätter", den Berliner "Kladderadatsch", die Münchner Magazine „Simplicissimus“ und "Meggendorfer-Blätter" , den Berliner "Ulk", das 48er - Magazin "Leuchtkugeln" und die sozialistischen Satirejournale "Der Wahre Jacob" und „Lachen links“

  1885 gelangte durch eine substantielle Schenkung des Londoner Buchhändlers Nikolaus Trübner eine Sammlung französischer Satirezeitschriften in den Besitz der UB Heidelberg. Digitalisiert wurden Teile von Philipons "La caricature",  Andre Gills "La Lune" und "L´Eclipse", das Nachfolgeblatt "Le Grelot", "La revue comique", "Le Sifflet", das Kommune-Journal "Le Fils du Père Duchêne" und eine Karikatursammlung zum deutsch-französischen Krieg.

  

  Georges Marquet: Ruy-Blas, Sifflet, 1872
  

• 16/3/2013 Update

  Henri Durand-Brager, Special artist of Bonapartism / Reporterkünstler des Bonapartismus

  It was Durand-Brager, who with his entire habitus and flaunted adventurism shaped the role model of the professional pictorial reporter in all its diversity....

  Es war Henri Durand-Brager, der mit seinem ganzen Habitus und seinem zur Schau gestellten Abenteurertum das Rollenbild des professionellen Bildberichterstatters in seiner ganzen Vielseitigkeit geprägt hat...

  Pictorial: H. Durand-Brager: Sainte-Hélène, 1844 / C. N. Lemercier: Translation du corps de Napoleon, ca.1842

  
  

• 5/3/2013 Publication

  Ben Katchor: Hand-Drying in America.

  Ben Katchor’s newest work, a 160 - page folio, is a compilation of full-color, one-page picture stories about the built world, that appeared during the last fifteen years in the urban design and architecture magazine, Metropolis. 

  "Katchor’s proximity to the form and content of literary writing, his talent in treating fantastic elements, narrative structures, and elements of realism, as well as his degree of reflection about the history of the field of cartoon illustration are almost without equal in the world of comics." (Clemens Krümmel)

  "Think of Hand-Drying in America, as an atlas of Katchor's imaginary city, a series of maps intended to chart its life. That life revolves, in many ways, around what's been lost — including newspapers, which appear here as shadows, echoes of another era." In The Last Stand he "describes how `(with) the demise of print publishing … the city's newsstands turn to the sale of other merchandise.´ This is one of the most moving strips in the collection, not because it's a lament for print (it isn't) but because of how it traces our ability to adapt. (...) Here we see the core of Katchor's genius: the blunt language, grossly physical itself, which allows him equally to evoke the surface and to get beneath it, describing a situation and the longing it provokes. This might also be said of his art, which is schematic, almost architectural, and yet, with its rough pencil lines and broad details, also impressionistic, sketch-like, like a series of snapshots that reveal an astonishing depth." (David L. Ulin, Los Angeles Times)

  Ben Katchor: The Last Stand (Detail)

• 24/2/2013 Publication

  Strassen und Gesichter in Berlin 1918 bis 1933 / Streets and Faces in Berlin 1918 to 1933

  Das Katalogbuch zur gleichnamigen Ausstellung, die letztes Jahr in der Berlinischen Galerie zu sehen war, zählt zu den seltenen Beispielen dieser Gattung, in denen sich noch wirkliche Entdeckungen machen lassen. Als Zeitzeugen dokumentierten und kommentierten namhafte und heute kaum noch bekannte Künstler mit spitzem Stift die politischen Kämpfe und gesellschaftlichen Veränderungen während der Weimarer Republik. In diesen Jahren stieg Berlin nach Weltkrieg und Revolution zur schillernden Großstadt des Vergnügens auf. George Grosz seziert die Welt der Ganoven und Huren, Erich Godal dämonisiert in seinem Zyklus „Revolution“ die Fabriken, Otto Möller und Heinrich Vogeler zeichnen Volksredner und Menschenmenge, auch der junge Werner Heldt träumt vom Aufstand. Künstler stürzen sich in das Straßenleben des mondänen, proletarischen oder „lasterhaften“ Berlins und finden dort ihre Modelle.

  

   Heinrich Vogeler, Aufruhr, ca.1920 (Coll. Berlinische Galerie)

  Künstlerinnen wie Jeanne Mammen, Gertrude Sandmann oder Lilo Friedlaender geben der Neuen Frau ein Gesicht: Sie nutzt die neu erkämpften Frauenrechte, geht auf die Universität, wird Ärztin oder Künstlerin. Sie träumt wie Irmgard Keuns berühmtes „Kunstseidenes Mädchen“ davon „ein Glanz“ zu werden. Sie investiert in ein elegantes Kleid, trinkt im Café ihren Mokka, den Sekt an der Bar und wirft ihre erotischen Fangnetze nach Männern oder Frauen aus. Boxkampf, Tanzdiele und Zoobesuch gehören zum beliebten Freizeitvergnügen der Kleinen Leute, aufgezeichnet von Künstlern wie Karl Arnold und Heinrich Ehmsen. Doch die Künstler sehen auch die Schattenseiten: Süchtige auf der Parkbank, desillusionierte Huren, arbeitslose Kleinbürger. Der Kampf ums Überleben schreibt sich ein in die Gesichter der Großstadt.

  

  Jeanne Mammen, In der Strassenbahn,1925-28 (Coll. Berlinische Galerie)

  Wie heute zieht die Stadt viele Künstler und Schriftsteller aus allen Teilen der Welt an. Dutzende Tagezeitungen und Zeitschriften berichten über die Stars von Bühne und Filmleinwand. Der berühmteste Pressezeichner der Zeit, Fred Dolbin, liefert schnelle, treffsichere Porträts von Bühnenkünstlerinnen wie Valeska Gert, Mary Wigmann oder Lotte Lenya. 1930 erscheint die Mappe Rues et Visages de Berlin, mit einem Text des französischen Diplomaten und Bühnenautors Jean Giraudoux und Zeichnungen von Chas-Laborde. Giraudoux beobachtet das Treiben der Berliner wie der Forscher eine fremde Kultur.

  Annelie Lütgens (hrsg.): Straßen und Gesichter: Berlin 1918 bis 1933: Berlin 1918 bis 1933

  
  Chas-Laborde, Rues et Visages de Berlin: Westberlin, 1930 (Coll. Berlinische Galerie)

  The catalogue to the like named exhibition,  which was on view last year at the Berlinische Galerie, represents one of the rare examples of this genre, in which real discoveries can be made. As contemporary witnesses, renowned artists and those, which are almost unknown today, accurately documented and commented on the political struggles and social change that were characteristic of the Weimar Republic. After a world war and period of revolution, Berlin became a glittering capital of pleasure during these years. George Grosz dissects the world of villains and whores, Erich Godal demonises factories in his cycle “Revolution”, Otto Möller and Heinrich Vogeler depict orators and protesting crowds, and even the young Werner Heldt dreams of rebellion. Artists plunge into the street life of this fashionable, proletarian or “sinful” Berlin and find their models.

  

  Karl Hubbuch, Jannowitzbrücke,1922 (Coll. Berlinische Galerie)

  Female artists like Jeanne Mammen, Gertrude Sandmann and Lilo Friedlaender give the New Woman a face: she is making use of her newly won rights, studying at university, becoming a doctor or an artist. Like Irmgard Keun’s famous “Artificial Silk Girl”, she dreams of being a rising star. She invests in an elegant dress, sips her mocha in the café, takes champagne at the bar, and catches men and women alike in her erotic net. Boxing, dancing and the Zoo featured among the most popular pleasures of the man and woman on the street, illustrated by artists like Karl Arnold and Heinrich Ehmsen. But these artists see the dark side, too: the addicts on park benches, disenchanted prostitutes, unemployed workers. The struggle to survive is engraved on the faces in the city.

  Like today, Berlin attracted artists and writers from all over the world. Dozens of newspapers and magazines reported on theatre and cinema celebrities. The best-known press cartoonist of the day, Fred Dolbin, supplied fast and fitting portraits of performers such as Valeska Gert, Mary Wigmann and Lotte Lenya. In 1930 the portfolio Rues et Visages de Berlin was published with a text by the French diplomat and playwright Jean Giraudoux and illustrations by Chas-Laborde. Giraudoux observed Berliners going about their business as a researcher might in an alien culture.

  

  Gertrude Sandmann, o. T., 1933 (Coll. Berlinische Galerie)

  Artists: Karl Arnold, Hans Baluschek, Max Beckmann, Lili von Braunbehrens, Paul Busch, Chas Laborde, Otto Dix, Benedikt Fred Dolbin, Heinrich Ehmsen, Michel Fingesten, Lieselotte Friedlaender, Robert Genin, Rudolf Großmann, George Grosz, Werner Heldt, Karl Holtz, Karl Hubbuch, Jeanne Mammen, Otto Möller, Gertrude Sandmann, Rudolf Schlichter, Ines Wetzel, Heinrich Vogeler, Gert Wollheim, Richard Ziegle

  Annelie Lütgens (hrsg.): Streets and Faces. Berlin 1918 to 1933 

• 8/2/2013 Publikation

  Matthias Beckmann: Berliner Ateliers

  Der Zeichner Matthias Beckmann besuchte zwischen 2010 und 2012 die Ateliers von 88 in Berlin lebenden Künstlerinnen und Künstlern. Er ging dabei von ihm bekannten und befreundeten Kollegen aus, erweiterte den Kreis dann aber schrittweise, um an einem bestimmten Punkt sein theoretisch schier endloses Unterfangen zu einem Abschluss und, wie die vorliegende Publikation bezeugt, in eine repräsentative Form zu bringen. Es entstanden in der Regel pro besuchtem Atelier mindestens drei, vor Ort gefertigte hochformatige Bleistiftzeichnungen im A 4-Format.

  

  Matthias Beckmann: Sven Drühl (Bleistift auf Papier, 29,7 x 21,0 cm)

  Bei Beckmann, der in den nach Anmeldung besuchten Ateliers als diskreter und wacher Beobachter auftritt und die besuchten Kollegen nicht zum Hauptgegenstand macht, muten die beobachteten Gegenstands- und Raumsituationen lakonisch-sachlich an. Der Künstler als 'Hausherr' kommt durchaus vor, allerdings bisweilen eher beiläufig, im Ausschnitt, aus der Distanz.

  

  Matthias Beckmann: Anton Henning (Bleistift auf Papier, 29,7 x 21,0 cm)

  Durch seine lineare, die Dinge auf wesentliche Formmerkmale reduzierende Zeichensprache verändert er die gesehenen und ausgewählten Gegenstände und Raumgefüge. Diese müssen – was die Sache so reizvoll macht – vom Betrachter seiner Zeichnungen in gewisser Weise erst wieder rekonstruiert werden. In seiner Imagination muss dieser Farben, Licht und Schatten hinzufügen, um dem Dargestellten wirklich auf die Schlichte zu kommen und ihm ‚Fleisch’ zu geben. Und so erfahren wir letztendlich in Matthias Beckmanns Werken nicht allein etwas Faktisches über das eigentliche Sujet (Atelier), sondern vor allem darüber, wie der Künstler es in der Zeichnung neu und facettenreich erschafft. (Auszüge aus: Andreas Schalhorn, Am Tatort. Zu den Berliner Atelier-zeichnungen von Matthias Beckmann)

  Matthias Beckmann: Berliner Ateliers, columbus books / Revolver Publishing, Berlin 2012

  
  

  

  Matthias Beckmann: Barbara Wille  (Bleistift auf Papier, 29,7 x 21,0 cm)

• 1/2/2013 New Feature

  Thomas Ketelsen: Drawn by Light. Camille Corot and his `cliché-verre´ experiments / Vom Licht gezeichnet. Camille Corot und das Experiment cliché-verre

  Cliché-verre is an ambivalent thing, an inanity, the zero point in the graphic arts of the second half of the 19th century, to cite the opinion of Roland Barthes. Situated somewhere between drawing, printing and photography, cliché-verre seems from the outset to have eluded firm definition. Indeed, cliché-verre represents that moment in which art is uncontrolled, in which nature itself – in the form of light – seems to assume control, quite contrary to the application of any technique.

  Das cliché-verre ist ein mehrdeutiges Ding, eine Nichtigkeit, der Nullpunkt der Graphik in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, um mit Roland Barthes zu sprechen. Irgendwo zwischen Zeichnung, Druckgraphik und Fotografie angesiedelt, scheint sich das cliché-verre von Beginn an einer eindeutigen Festlegung entzogen zu haben. Tatsächlich geht es beim cliché-verre um jenen Moment der Regellosigkeit in der Kunst, in der die Natur selbst in Form von Licht, entgegen jeder Technik, das Reglement übernommen zu haben scheint.

• 30/1/2013 Event

  A celebration of the publication of Robert Weaver´s picture-book

  Robert Weaver (1924-1994) remains the most original and influential artist of visual narrative and journalism in the 20th century. Join us for a celebration of the publication of his split-level picture-book  A Pedestrian View/The Vogelman Diary on Thursday, February 21, 2013 at 7pm at Parsons The New School, NYC, 2 West 13th Street in the Bark Room off the lobby.

  Panelists include: Ben Katchor, Saul Leiter, James McMullan, Alexander Roob, Antonia Weaver Pelaez and others.

  Robert Weaver in his studio (Estate of Robert Weaver)

  
  Robert Weaver. A Pedestrian View. The Vogelman Diary is internationally available and can be ordered via Verlag Kettler or D.A.P. artbook.

• 22/1/2013 Annual review

  Some Highlights from Princeton´s Graphic Arts Collection

  A choice of interesting articles from the brilliant website of Graphic Arts Collection from the Princeton University Library, all posted by graphic arts librarian Julie L. Mellby.

  > Timothy Cole's Woodrow Wilson (January 12, 2012)
  What is imaged here seems to be not an example of a photoxylographic block, but of a metal stereotype or cliché. See also "Photoxylography and Timothy Cole", posted on on January 15, 2009

  > American Comic Strip Printing Plates and Drawings (June 18)
  Some further examples of clichés, here photomechanically taken from drawings by some early comic artists.

  

  Timothy Cole: Engraving and Printing Plate, 1818 - 19 (Graphic Arts Coll., Princeton Univ.)
  
  > Adventures of Qui Hi (March 8)
  This stinging satire of British imperial rule in India, punctuated with Rowlandson’s hand colored plates, features Francis Edward Rawdon-Hastings, 1st Marquess of Hastings. Hastings served as Governor-General of India and led the British troops to victory when the Gurkhas declared war. The battles ended in 1816 and the book appeared shortly afterwards. Qui hi, or Kooee Hye, is the Bengalee phrase meaning "Who’s there".

  > Unpublished Rowlandson Drawings (March 6)

  

  William Combe (?): Adventures of Qui Hi, London 1816 (Graphic Arts Coll., Princeton Univ.)

  > Anti-Slavery Broadside (January 27)
  The House that Jeff Built, an etched broadside by American cartoonist David Claypoole Johnston from 1863, modelled after George Cruikshank´s famous pamphlet 'The Political House that Jack Built'. Johnston was well known for his nine volume Comic series "Scraps"

  > Anti-Abolitionist Caricature (March 30)
  On a print by George Cruikshank satirizing the early British abolitionist movement

  > Thomas Nast archive (March 16,)
  A scrapbook by Thomas Nast´s biographer Albert Bigelow Paine

  > The Apocalyptic and Messianic Prophecies of the Book of Daniel (April 5)
  A chromolithographed wall chart by Seventh-Day Adventist William Ward Simpson illustrating the Apocalyptic and Messianic Prophecies of the Book of Daniel, New York ca. 1900s. Simpson preached to enthusiastic crowds  using large, colored wall charts to illustrate the hidden biblical prophecies.

  > À l'Abattoir les Cartellistes!! (April 12)
  In the French Third Republic, a coalition was formed of left-wing parties in the Chamber of Deputies. They established the Cartel des gauches in opposition to the right-wing Bloc National. The French caricaturist Jehan Sennep cartooned the members of this Cartel in the Paris papers and transformed them into cattle being led to the slaughter house of the elections of 1928. The book is sardonically printed on rough brown butcher’s paper.

  

  Jehan Sennep, À l'Abattoir les Cartellistes!!, 1928 (Graphic Arts Coll., Princeton Univ.)

  > Triptychs (August 10)
  Color woodblock prints by some Japanese artists depicting scenes from the Sino-Japanese War.

  > The Inconvenience of a Blow Up (September 10)
  In the early 19th century, exploding steam engines were responsible for many deaths. Artists and print dealers throughout London seized on these colorful spectacles, with clouds of smoke and body parts, to make a series of comic prints.

  > A Lottery Dream Book (September 27)
  Lottery dream books or guidebooks were popular in the eighteenth and nineteenth century but few have survived. An astrologer using the pseudonym Fortunato Indovino wrote one in 1754 that was reissued many times over more than eighty years. Dream books were in great demand for deciding the numerical meaning of dreams. Events in everyday life had numbers.

  > Monster Soup Commonly Called Thames Water (October 16)
  The satire on the Metropolitan Water Supply of London was drawn and etched by William Heath. Although not dated, the Commissioners were appointed in 1827 and reported in 1828. Princeton recently acquired a unique compilation of caricatures organized by one of Heath’s publishers, Thomas McLean, in the early 1830s. The album includes approximately sixty hand-colored caricatures.

  

  William Heath: Monster Soup Commonly Called Thames Water, ca. 1828 (Graphic Arts Coll., Princeton Univ.)

  > Soldiers Don't Cry (November 15, 2012)
  Close-ups from the Battle of New Orleans and Death of Major General Packenham [sic] on the 8th of January 1815 by Joseph Yeager (see also the article from March 29, 2012)

• 12/1/2013 Ausstellung / publikation

  Comics Deluxe! Das Comicmagazin Strapazin

  Die von Christian Gasser und Anette Gehrig kuratierte Ausstellung im Cartoonmuseum Basel widmet sich dem Schweizer Comicmagazin Strapazin. Das fast dreissigjährige Strapazin ist eines der weltweit langlebigsten unabhängigen Comicmagazine, und auch ein ausgesprochen einflussreiches: Seine Geschichte reflektiert nicht zuletzt die Entstehung und Entwicklung einer neuen deutschsprachigen Comicszene. 1984 wurde es in Stuttgart und München nach dem Vorbild von Art Spiegelmans RAW von Pierre Thomé, Fred Feuerbacher, Joe Zimmermann, Pierre Pitterle und Herbert Meiler gegründet. Der Münchner Verlag geht allerdings bereits nach der ersten Nummer Konkurs. Die Züricher Szene um David Basler rettet das tonangebende Magazin. Seither ist der deutschsprachige Comic einen weiten Weg von der Insiderkultur zum Mainstream gegangen. Die heute populären Graphic Novels werden in grossen Verlagen publiziert und finden Eingang in Literaturhäuser und Museen. Diese Entwicklung wurde ermöglicht durch Labors, in denen Zeichner und Autoren abseits des Mainstreams und ohne kommerziellen Druck experimentieren konnten. Im deutschsprachigen Raum spielt bis heute vor allem das in Zürich beheimatete Magazin Strapazin diese Rolle.

  Zur Ausstellung ist eine Publikation erschienen mit einem informativen Essay von Strapazin - Mitherausgeber Christian Gasser und grafischen Geschichten von ATAK - Peter Bäder - M.S. Bastian-Isabelle L. - Caprez - Schuler - Anke Feuchtenberger - Ursula Fürst - Andreas Gefe - Sascha Hommer - Ulli Lust - Nicolas Mahler - Julia Marti - Thomas Ott - Kati Rickenbach - Anna Sommer - Milva Stutz - Martin tom Dieck
   
  Cartoonmuseum Basel, 10.11.2012 bis 3.3.2013

  

  Pierre Thomé, Cover Strapazin #1, 1984
  

  

  Kati Rickenbach, Cover Strapazin China (chinesische Ausgabe) Nr. 1, 2010

  

  Ausstellungsansicht "Comics Deluxe! Das Comicmagazin Strapazin", Cartoonmuseum Basel

• 4/1/2013 Ausstellungsbesprechung von Rolf Bier

  Unter Wölfen - Zweierlei Naturrepräsentation. Julia Schmid im Kunstmuseum Bonn

  Julia Schmid (*1969) ist mit hyper- oder gar metarealistischen Bildern von Pflanzensammlungen bekannt geworden, die sie an oft eher unscheinbaren Orten ihres jeweiligen Aufenthalts  vornimmt und dabei keinen Unterschied zwischen Unkraut und Blume macht, - in Kleingärten (Hannover 2002), auf Spaziergängen in der Stadt (New York 2004-05), auf Straßenabschnitten (Hannover 2008, Braunschweig 2010) oder Plätzen (Rudolfsplatz Berlin 2000, Wenzelsplatz Prag 2012). Ihre Arbeiten kann man durchaus als botanische Porträts dieser Orte verstehen. Sie sind gleichermaßen Ergebnisse einer ebenso konzeptuellen wie atmosphärisch-subjektiven Recherche. 

  

   Parque de la Montaña Madrid, 2012 (Öl auf Leinwand, 210 x 210)

  

  Zwei Kilometer Madrid/Helsinki, 2011/12 (Ausstellungsansicht Kunstmuseum Bonn)
  

  Dabei scheint Schmid methodisch von ähnlichen Erkenntnisinteressen motiviert zu sein wie Künstler der 60er-Jahre, die wie Ed Ruscha oder Richard Long infrastrukturelle Linien und kartografische Darstellungsmethoden zu Parametern ihres Interesses machten. Schmids Malerei der Pflanzendetails aus bestimmten Referenzgebieten entsteht paradoxerweise ohne Vorplanung im "Unraum" des flachen weißen Bildgrunds und entwickelt sich dort sukzessiv aufwendig und zugleich bildnerisch autonom. Sie ver-ortet sie jedoch, indem sie ihr Fotos und Plan-Ausschnitte des jeweiligen Sammlungsgebiets zur Seite stellt. Das Besondere an dieser signifikanten Malerei ist nicht etwa ihre mitunter farbig und kompositorisch aufblühende Üppigkeit, sondern gerade vielmehr die Engführung zutiefst malerischer und zeichnerischer Qualitäten: mitunter wirken die Formen einzeln auch noch außerordentlich plastisch. Schmid gelingt in der Verschmelzung künstlerischer und wissenschaftlicher Referenzen etwas Überraschendes: die Rehabilitation des durch zahllose illustrative "Blumenstücke" kontaminierten und konventionell verbrauchten Sujets des Pflanzenbilds. Unter dem Aspekt einer individuellen künstlerischen Methode zur "Bildgewinnung", setzt sie sich vom Verfahren und vom Selbstverständnis her von der Tradition jener selbstgenügsamen Stilllebenmalerei ab, für die Pflanzen nurmehr als Topos für Sinnlichkeit und Schönheit oder Vergänglichkeit galten.

  Die Ausstellung HELSINKIMADRID gibt anlässlich des an Julia Schmid vergebenen Bonner Kunstpreises die Gelegenheit, ihre Arbeit der letzten beiden Jahre kennenzulernen, in dem sie sich auf die Realisierung ihres gleichnamigen Projekts konzentrierte: einem ebenso absurden wie aussagefähigen Vergleich beider Städte, die eine von vermeintlich äußerster Gegensätzlichkeit geprägten Achse durch Europa bilden. Auch in dieser Ausstellung wird an Schmids Arbeiten deutlich, wie sich humanes und pflanzliches Leben gegenseitig durchdringen und spiegeln.

  Neben zwei großformatigen Bildern, die zwei im Stadtgefüge ähnlich positionierte Parks anhand ihres botanischen Bewuchs thematisieren, sowie zweier Triptychen, die eine zwei Kilometer lange Wegstrecke vom Hauptbahnhof in die Stadt hinein zum Anlass haben, finden sich in HELSINKIMADRID auch zwei fast monumental wirkende Zeichnungen von Landschaften, die mit hartem Bleistift auf neutral weiß grundiertem Multiplexplatten (40 x 60 cm) ausgeführt sind. Diese geben in akribischer linearer Transkription und bei gleichbleibender Strichintensität und Tonwert Ausblicke aus ihren jeweiligen Ateliers in Spanien und Finnland wieder. Sinnigerweise werden diesen Zeichnungen, die der strukturell Neutralität des Kupferstichs näher zu sein scheinen als der traditionellen Zeichnung, hier blau-diffus aufleuchtende Solargramme von Pflanzensammlungen desselben Orts komplementär hinzugefügt.

  

  Out of the blue, Suomenlinna, 2012 (Bleistift auf Multiplex / Holz, 40 x 60 cm)

  Ein weiterer Werkblock beschäftigt sich mit denselben künstlerischen Mitteln genau mit dem Gegensatz von „freier“ Repräsentation und „freier“ Natur. In den vier Zeichnungen ihrer fortlaufenden Serie "Wölfe in der Stadt" zeigt Julia Schmid Tierpräparate im künstlichen Display von Dioramen und Schaukästen, wie sie in naturkundlichen Museen noch zu finden sind, bevor sie durch digitale Aufrüstung mit interaktiven Touchscreen-Pools verdrängt werden. Die aufwändig gestalteten Raumkästen bilden ihre magische Wirkung gerade durch eine Beschwörung eines besonders  einheitlichen Blicks, die im Kontrast steht zu einer musealen didaktischen Zeigegeste, die die Verhältnisse zur Nachvollziehbarkeit wissenschaftlicher Methodik in viele Einzelteile zerlegt und damit in ein klar gerichtetes und pointiertes Dialog-Verhältnis von Exponat und Betrachter überführt. Das eigentliche Ziel eines Dioramas ist paradoxerweise gerade die Aufhebung des musealen Raums im Museum selbst als eine Art atmosphärische Synthese. Seine Magie liegt darin, dass man in ein szenisches Allover mit suchenden Augen eintauchen und sich darin verlieren kann. Während die Exponate in der museal-didaktischen Präsentation im deutlichen Habitus als "Gezeigte" auftreten, zeigen sich die Dinge beim Schauen ins Diorama umso klarer, je virtuoser die Interaktion von Präparaten und Malerei in diesem Illusionismus-Apparat gelingt.

  

  Wölfe in der Stadt I, Luonnontietteellinen Keskusmuseo  Helsinki 2011/12 (Bleistift auf Multiplex /Holz, 40 x 60cm) 
  

  

  Wölfe in der Stadt III,  Museo Nacional de Ciencias Naturales Madrid 2011/12 (Bleistift auf Multiplex /Holz, 40 x 60 cm)

  Julia Schmids Zeichnungen von Wölfen in großen Vitrinen setzen genau an diesem Punkt an und "überzeichnen" ihn: der Ort ihrer Entstehung wird nicht verleugnet, sondern als Nahtstelle der Repräsentation ausgewiesen. In die Dichte der gleichmäßigen grafischen Struktur, die sich fast ganz ohne Kontraste, nur aus der Textur der einzelnen Striche ausbreitet, sind Konstruktionsbalken und Spiegelungen der großen Vitrinen sichtbar eingewebt, ebenso wie die Präparate selbst, die in dieser Struktur mitunter fast untertauchen und heraus"gelesen" werden müssen.
  

  

  Hybrid - nach einem Diorama in der Naturkundeabteilung Landesmuseum Hannover 2011,Bleistift auf Multiplex, 40 x 60)

  Kraft der synthetischen Qualität der Zeichnung entsteht eine Art Re-Naturalisierung der Szenerie: als eigenwilligen Untoten wird den Präparaten der Vitrinen in den Zeichnungen jene Umwelt zurückgegeben, aus der sie - als lebende Tiere - einst entstammten - um den Preis einer Künstlichkeit zweiten Grades, die die Lüge einschließt. Dies ist von besonderem Interesse in Zeiten, wo kein Tag vergeht, an dem über die Rückkehr der Wölfe in die westlichen Länder Europas berichtet wird. An dieser exemplarischen Diskussion um ein traditionell schlecht beleumdetes Tier wird die Notwendigkeit deutlich, sich klar zu werden, wie wir mit unserer weitgehend anthropomorph überformten Welt weiter umgehen wollen, was wir heute für "natürlich" halten und - auch im Museum - noch als "Natur" bezeichnen können. (Rolf Bier)
  (Alle Abb.: VG Bild-Kunst)

  Julia Schmid, HELSINKIMADRID, Kunstmuseum Bonn (bis 17.2.2013) 

• 28/12/2012 Website

  Best of Bell 2012

  

  The Guardian´s choice of Steve Bell´s best cartoons of 2012

  

  ... and is here the annual review in the cartoonist´s own words

• 16/12/2012 MePri-Publikation / MePri - Publication

  ROBERT WEAVER. A Pedestrian View / The Vogelman Diary

  Zweisprachige Ausgabe / Bilangual Edition

  „Im Rückblick erscheint es unbegreiflich, dass Robert Weaver zu Lebzeiten keinen Verleger für seine Bücher finden konnte. Seine brillanten Lösungen zur Problematik der Bild-Text-Korrelation leuchten heute unmittelbar ein und sind wunderschön anzusehen.“ (Ben Katchor)

  Robert Weaver (1924-1994) war der bedeutendste amerikanische Illustrator seiner Zeit. Kaum eines der hochwertigeren Magazine kam in den sechziger und siebziger Jahren ohne seine expansiven und ausdrucksstarken Bebilderungen aus. Im Gegensatz zu seinem jüngeren Kollegen Andy Warhol, der seine Arbeit bewunderte, nahm Weaver den Bereich der Auftragsgrafik nicht als eine minderwertige Domäne wahr, aus der es aufzusteigen galt, sondern als einen Bereich, in dem er sich auf Augenhöhe mit einer sozialrealistischen Tradition amerikanischer Kunst empfand, der er sich verbunden sah.

  

  Ab den späten siebziger Jahren zog er sich allmählich vom Illustrationsgeschäft zurück und schuf unabhängig von allen Restriktionen und Spekulationen einer Auftrags – oder Kunstmarktkunst einen Komplex experimenteller Bilderzyklen, in der er auf radikale Weise die Summe seiner künstlerischen Erfahrungen und Reflexionen zog. Jede dieser Bildfolgen, die meist als Autorenbücher konzipiert waren, repräsentierte einen neuen und überraschenden Lösungsansatz bezüglich seiner Erforschung von Sequentialität im Bild, von ambulanten Wahrnehmungsweisen und multiperspektivischen Erzählstrategien; Themen, die im Kunstkontext in einer vergleichbaren Art der Durchdringung erst viel später virulent wurden. Innerhalb dieses Corpus sequentieller Bildbücher nimmt das zweigeteilte A Pedestrian View / The Vogelman Diary von 1982 eine Sonderstellung ein. Es ist Weavers persönlichstes Werk, ein Selbstbildnis in Kaleidoskopform. Es besteht aus dreiundfünfzig Gouachen, die jeweils in eine bildliche und eine sprachlich - poetische Ebene aufgeteilt sind.

  Die vorliegende Publikation reproduziert erstmals dieses wegweisende Künstlerbuch und ist zugleich die erste selbständige Monografie dieses Ausnahmekünstlers. Begleitet wird das bisher unveröffentlichte Bildmaterial von einem kommentierenden Essay von Alexander Roob sowie einem Interview mit dem Maler und Fotografen Saul Leiter, der ein enger Freund Weavers war.

  ROBERT WEAVER.  A Pedestrian View / The Vogelman Diary ist im Verlag Kettler erschienen. Es kann direkt über den Verlag oder über Amazon bestellt werden.

  

  “Looking back, it seems inconceivable that Robert Weaver could not find a publisher for his picture-books during his lifetime. Today, Weaver’s brilliant solutions to the text-image problem are evident and wonderful to behold.” (Ben Katchor)

  Robert Weaver (1924-1994) was America’s most important illustrator of his time. In the 1960s and 70s, there was hardly a high-quality magazine that went without his expansive and expressive illustrations. As opposed to his younger colleague Andy Warhol, who admired his work, Weaver did not regard the area of commissioned graphic works as an inferior domain from which one ought to rise up, but as a field in which he felt himself on an equal par with a social-realistic tradition in American art. 

  In the late 1970 he gradually withdrew from the illustration business and created a complex experimental picture cycle free of any restrictions and speculations having to do with assignments – or art-market art – in which he radically summarized his artistic experiences and reflections. Each of these picture cycles, which were usually conceived as artist’s books, represented a new and surprising approach to investigating sequentiality in the image, ambulant modes of perception and multi-perspectival narrative strategies; themes that in the context of art became topical in a comparably pervasive way only as late as the mid-1990s. Within this body of sequential picture books the splitted A Pedestrian View / The Vogelman Diary from 1982 takes on a special position. It is Weaver’s most personal work, a self-portrait in the form of a kaleidoscope. It consists of fifty-three  gouaches, each divided into a pictorial and a poetic - linguistic level.

  For the first time, the present publication illustrates this groundbreaking artist’s book. It is also the first monograph to deal with the work of this exceptional artist. An essay by Alexander Roob and an interview with painter and photographer Saul Leiter, who was a close friend of Weaver, accompany the previously unpublished material.

  ROBERT WEAVER.  A Pedestrian View / The Vogelman Diary is published by Verlag Kettler.  International customers can order directly or pre-order via Amazon.com. The book will be available in the US book trade in February.
  

  

• 15/12/2012 New Feature

  "Vogelmen Diaries" - Ausstellungsfilm und Archiv-Beiträge / Exhibition film and archive articles

  Ein filmischer Rundgang durch die Ausstellung mit einer Liste der dazugehörigen Beiträge im MePri-Archiv.

  A filmic tour through the exhibition with a list of related articles from the MePri - Archive.
  

  

  (Exhibition Film. Click on the image to play.)

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  Fletcher DuBois performs the "Vogelmen Diaries" at the opening.

• 13/12/2012 Neuerscheinung

  "Der Tag im Moor" von Oliver Grajewski

  Das aktuelle Pictorial besteht aus reichhaltigem Bonusmaterial zu Oliver Grajewskis gerade erschienener Spuk-Doku-Fiktion "Der Tag im Moor". Grajewski arbeitet als freier Zeichner für Tagesspiegel, taz, Jungle World und andere Magazine. Bekannt wurde er durch seine episodische autobiografische Comicserie "Tigerboy", die sich durch einen schier unerschöpflichen Reichtum an Erzähl- und Darstellungsweisen  auszeichnet. Auch sein jüngstes Werk ist von dieser stilistischen und narrativen Experimentierfreude durchdrungen. Verstärkt kommen hier auch digitale Fotografie und informelle Computergrafik zum Einsatz. Doppelseitige Kompositionen und eine All-Over-Struktur binden ruhige Landschaftsbilder und beiläufige, scribbleartige Figurendarstellungen ein. "Der Tag im Moor" kann direkt über den neu gegründeten Verlag Breitkopf- Editionen bestellt werden

  

  Oliver Grajewski, Skizzen vom Moor

• 8/12/2012 Exhibition

  Anything can substitute art: Maciunas in SoHo

  Lithuanian-born artist, architect, designer, and self-appointed "chairman" of Fluxus, George Maciunas (1931-1978, Cooper Union School of Art graduate 1952) radically challenged the idea of avant-garde art, whether as object, concept, or commodity. Fluxus, an international community of conceptual artists, poets and musicians, sought to redefine the role of the artist by substituting art for everyday tasks, experiences, actions, and sensations.

  This exhibition, curated by Astrit Schmidt-Burkhardt, focuses on works and documents from Ay-O to Robert Watts. Rarely exhibited Fluxus scores and pieces are accompanied with Maciunas's manifestos, charts, and plans for artist housing in SoHo. Anything Can Substitute Art sheds new light on a pivotal historic period for both the city of New York and contemporary art's recent history, connecting the countercultural activism of the 1960s and 1970s to the moment of Fluxus.
   
  41 COOPER GALLERY, New York City, December 11 - February 02, 2013

  

  George Maciunas, Sketch for an announcement of the Fluxus yearboxes, c. 1965. (Detail.) Clippings on card board, 24.3 x 17.5 cm. © Jonas Mekas Visual Arts Center, Vilnius

• 5/12/2012 Published

  Olivier Kugler´s Oxfam-Project

  Ian Bray, Oxfam's Senior Press Officer, commissioned the German illustrator Olivier Kugler to do a series of drawings highlighting the food crisis in the Sahel. In June this year Olivier went on a week long trip to Burkina Faso where he met people whose lives are being affected by the food crisis and the armed conflict in neighboring Mali. After his return to London, where the artist is based, Olivier used photos and interviews he gathered on the journey to create a five page series of drawings (pencil drawings, digitally colored) to portray some of the people he met. The drawings are getting published in today's edition of "The Guardian's G2" supplement. You can also watch the artist on video talking about the project or download the drawings as PDFs.

  

  Olivier Kugler at work

• 1/12/2012 Exhibition / Catalogue

  Wieder Daumier / Daumier again

  Mit der Übergabe von 3.085 Daumier-Lithographien und 30 Holzstichen des französischen Künstlers in die Museumsstiftung zur Förderung der staatlichen bayerischen Museen im Jahr 2011 durch das Sammlerehepaar Brigitte und Walter Kames besitzt die Staatliche Graphische Sammlung München deutschlandweit den umfangreichsten Bestand an Druckgraphiken von Daumier. Die Sammlung Kames enthält einen großen Anteil früher Blätter sowie eine große Anzahl vollständiger Serien, in denen Daumier ein Thema über mehrere Bilder hinweg behandelt hat. Die Ausstellung mit 240 Arbeiten Daumiers zeigt eine Reihe dieser Serien vollständig, so dass sich ein spannungsreicher und umfassender Blick auf das Werk des Künstlers ergibt.

  Der umfangreiche Katalog zur Ausstellung enthält Beiträge von Birgitta Heid zur Druckgraphik Daumiers, von Christien Melzer (Die Stadt Paris im lithographischen Werk von Honoré Daumier), von Silke Reiter (Frz. Karikaturzeitschriften im 19. Jh.), von Andreas Strobl (Daumiers Typen), sowie die überarbeitete Fassung des MePri-Essays von Alexander Roob "Wider Daumier. Eine Revision der frühen französischen Karikaturbewegung und Sozialgrafik"

  »MONSIEUR DAUMIER, IHRE SERIE IST REIZVOLL!«. Die Stiftung Kames in der Pinakothek der Moderne in München, 06.12.2012 - 17.02.2013

  

  Honoré Daumier: Montaugibet en patissier, 1833, © Staatliche Graphische Sammlung München, Museumsstiftung

  Since 3,085 lithographs and 30 woodcuts by Honoré Daumier were transferred by the collectors Brigitte and Walter Kames to the Museum Foundation in 2011, the Staatliche Graphische Sammlung München now has the most extensive holdings of prints by the French artist anywhere in Germany. The Foundation complements the some 650 lithographs and 60 woodcuts already in the prints collection.A major part of the Kames Collection comprises early sheets as well as a large number of complete series in which Daumier dealt with one subject in several different images. The selection of  240 works shown in the exhibition includes some of these series in their entirety, providing a compelling and comprehensive overview of the artist's oeuvre.

  The comprehensive catalogue includes contributions by Birgitta Heid on Daumier´s prints, by Christien Melzer (Die Stadt Paris im lithographischen Werk von Honoré Daumier), by Silke Reiter (French caricature magazines in the 19th century), by Andreas Strobl (Daumier´s characters), as well as the revised version of a MePri- essay by Alexander Roob "Against Daumier. A Revision of Early French Caricature and Social Graphics"
  
  »MONSIEUR DAUMIER, YOUR SERIES IS DELIGHTFUL!« - THE KAMES FOUNDATION in the Pinakothek der Moderne Munich, 06.12.2012 - 17.02.2013 
  

  

  Charles Philipon: Typographic pear. Le Charivari. 27.2.1834 (MePri-Collection)
  

• 28/11/2012 Vorschau / Preview

  Laugh Riots. Thomas Nast - Events

  Im Rahmen der Ausstellung "Vogelmen-Diaries" finden im Heidelberger Kunstverein folgende Veranstaltungen zu Thomas Nast statt:

  In the framework of the exhibition "Vogelmen-Diaries" in Kunstverein Heidelberg the following events on Thomas Nast are scheduled:

  Wie der Karikaturist Thomas Nast Amerikas Corporate Identity prägte

  Führung durch die Ausstellung mit dem Historiker und ehemaligem Leiter des Stadtarchivs Landau, Dr. Michael Martin

  "Seine Kunst, sein Witz beeinflusste die Wahl von sechs Präsidenten – und lebt in vielen amerikanischen Symbolen bis heute fort. Denn er ist es, der jenen Esel erfand, der nach wie vor für die Demokraten steht und jenen Elefanten, der die Republikaner symbolisiert, der Amerikas Kindern den Santa Claus, den Weihnachtsmann, gezeichnet hat, und dessen Karikaturen auch das viel geliebte und geschmähte Signum amerikanischer Wirtschaftsweltmacht populär machten, das Dollar-Zeichen." (aus: Michael Martin, Santa Claus aus der Pfalz, Zeit online)

  Donnerstag 29. 11. 18 Uhr, Heidelbeger Kunstverein

  

  Thomas Nast versus Uncle Sam, Harper’s Weekly, May 5, 1877

  Laugh Riot. Thomas Nast´s Art and Legacy
  A guided tour through the exhibition with Hannah Stamler, art history student based in New York

  Nast´s work in magazines and newspapers documented the American Civil War and its aftermath – the period’s fears, hopes and disappointments. Along the way, he also invented or popularized some of the most famous images in American iconography,including the elephant mascot of the Republican Party, the modern Santa Claus and the Tammany Tiger. We are offering English learners, history enthusiasts, politicos, and art lovers the chance to learn about and discuss Nast’s body of work in English. We will start out with a briefguided tour, highlighting important pieces and themes in Nast’s art, and end with a conversation session.

  Thursday Jan 10 6 pm, Kunstverein Heidelberg

• 22/11/2012 Zeitungsreprint

  Olivier Kuglers "Tee in Iran"

  Das Wochenmagazin "Der Freitag" publiziert in seiner Printausgabe diese und kommende Wochen zwei Doppelseiten aus Olivier Kuglers illustriertem Journal "Tee in Iran." Die Zeichnungen stammen aus einer 30-seitigen Serie, die Kugler für die franzoesische Publikation "XXI" gezeichnet hat. Sie dokumentieren den Alltag eines 38-jahre alten Fernfahrers, den der Zeichner auf einer Reise durch den Iran kennengelernt hatte. Der Fahrer, Massih, lud Kugler ein, ihn auf einer 3-tägigen Fahrt durch sein Heimatland zu begleiten. Die grafische Dokumentation erhielt 2011 den V&A Illustration Award des Victoria & Albert's Museum in London.

  

  Ausschnitt aus: Olivier Kugler, Tee in Iran

• 11/11/2012 Update November

  A Thomas Nast - Special

  > Feature: Thomas Nast & Theodor Kaufmann. Higher Forms of Hieroglyph / Höhere Arten von Hieroglyphe.

  > Pictorial: A Thomas Nast Gallery. His career in 38 images.

  > News:  "Vogelmen Diaries" - Das Melton Prior Institut im Heidelberger Kunstverein / Thomas Nast-Events / Nast´s "Walled Street Safe" - Campaign / Publication: Igort´s graphic documentaries from the Ukraine and Russia / Exhibition: Morgan O'Hara´s "Live Transmissions" in Berlin

  

• 11/11/2012 Ausstellung / Exhibition

  Vogelmen Diaries - Das Melton Prior Institut präsentiert "special artists"

  Mit „Vogelmen Diaries" wird erstmalig die breite Forschungsarbeit des Melton Prior Instituts auf dem Gebiet der Reportagezeichnung im Rahmen einer Ausstellung vorgestellt. Zentrales Thema ist das zukunftsweisende künstlerische Selbstverständnis vieler früher Pressegrafiker. Die multiplen Rollen, die sie einnahmen, changierten zwischen nüchterner grafischer Berichterstattung, karikaturesker Polemik und fiktionaler Illustrationskunst. Viele waren auch, wie z.b. der einflussreiche Pressezeichner William Simpson, als Literaten und Forscher tätig. Der Titel bezeichnet zum einen die ambulanten und volatilen Aufzeichnungsweisen dieser Künstler, aber auch den halluzinogenen Grenzbereich zwischen Faktizität und Fantastik, in dem viele der gezeigten Arbeiten angesiedelt sind. Das Aufgabenspektrum und interdisziplinäre Selbstverständnis des "special artist" - so wurden die Reportagezeichner in der Frühzeit des Illustriertenwesens  genannt - steht einer heutigen kontextbezogenen Kunstpraxis erstaunlich nah.

  

  Stefan Heller: Vogelmen Diaries-Trailer, 2012 (Still)
  

  Zu den zentralen Werken der  Ausstellung gehört das 1982 entstandene Titel spendende 53-teilige Bildpoem „Pedestrian Views / The Vogelman Diary“ von Robert Weaver, in dem der 1994 verstorbene Künstler auf vielschichtige Weise illustrationsspezifische, philosophische und autobiografische Fragestellungen miteinander verwoben hat, sowie die phantastischen Cartoonserien des aus Landau in der Pfalz stammenden "special artist" Thomas Nast, der mit seinen grafischen Kampagnen im Amerika der Nach-Bürgerkriegsära zum politisch wirkungsmächtigsten Künstler der Neuzeit avancierte. Der  britische Reportagezeichner und Illustrationshistoriker Paul Hogarth - ein Nachfahre des legendären William Hogarth - ist mit seinem frühen Griechenlandskizzenbuch "Defiant People" von 1953 repräsentiert, in dem der politisch engagierte Künstler die prekäre Situation des von ausländischen Machtinteressen und inländischer Militärdiktatur bedrohten Landes in der initialen Phase des kalten Kriegs festgehalten hat.

  In der Ausstellung treten historische Werkreihen in einen Dialog mit aktuellen Arbeiten, wie z.b. der topografischen Bilderserie "Hemelsbreed / As the crow flies" des niederländische Archäologen, Malers und Nahostexperten Theo de Feyter oder dem Zeichnungszylus "Hide and Seek for Two Grand a Week" der kanadischen Künstlerin Susan Turcot, der die Erlebnisse, Beobachtungen und Träume von Wanderarbeitern visualisiert, die im hochgefährlichen Geschäft des Ölsandabbaus tätig sind.

  

  Susan Turcot: aus "Hide and Seek for Two Grand A Week", 2012

  

  Anonymer Pressezeichner: Luftschiffahrt III, 1894 (MePri-Collection)

  Featuring: Thomas Nast, Robert Weaver, Theo de Feyter, Stefan Heller, Paul Hogarth, Saul Leiter und Susan Turcot Des Weiteren: Émile Cohl, Johann Wolfgang von Goethe, Constantin Guys,  Monogrammist R.D., Theodor Kaufmann, Fritz Koch- Gotha, Willibald Krain, Eugen Krüger, Hans Liska, Melton Prior, Joseph Pennell, Lili Rethi, Theodor Rocholl, William Simpson, Paul Renouard, Albert Robida, František Kupka, Thomas Walch ....

  Heidelberger Kunstverein, 17. November 2012 – 27. Januar 2013  (Eröffnung: 16. November, 19 Uhr)

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  We would like to cordially invite you to our exhibition opening on Friday, November 16th at 7:00 p.m.

  Vogelmen Diaries: The Melton Prior Institute Presents “Special Artists”

  An exhibit of prints, illustrations and editorial drawings, featuring Thomas Nast, Robert Weaver, Theo de Feyter, Stefan Heller, Saul Leiter, Susan Turcot, Émile Cohl, Johann Wolfgang von Goethe, Constantin Guys, Monogrammer R.D., Theodor Kaufmann, Fritz Koch-Gotha, Paul Hogarth, Willibald Krain, Eugen Krüger, Melton Prior, Joseph Pennell, Lili Rethi, Theodor Rocholl, William Simpson, Paul Renouard, Albert Robida, František Kupka and Thomas Walch

  The exhibition “Vogelmen Diaries” aims to show a large and diverse selection of works from the Melton Prior Institute’s rich collection of graphic art. The exhibit showcases the work of press artists from the collection, and examines specifically how they filled multiple roles as journalists, caricaturists, ethnologists, political activists and authors. In the early days of print culture, these artists were called “Special Artists” or “Our Artists” because their work spoke directly to the public. By depicting current events and displaying political engagement, the “Special Artists” brought art into the public sphere and developed a contextual art practice that remains influential today.

  Central to the exhibit is the work of American caricaturist Thomas Nast (1840-1902) and illustrator Robert Weaver (1924-1994). On view is for the first time the original version of Weaver’s famous 1982 illustrated poem “A Pedestrian View/The Vogelman Diary,” which inspired the title of the show.
  

• 28/10/2012 Recommended by Joost Pollmann

  Igort´s graphic documentaries from the Ukraine and Russia

  Italian-French cartoonist Igor Tuveri aka Igort is to be counted among the most inventive representatives of the European auteur comic. He became internationally known in 2002 with his moody comic noir Cinque è il numero perfetto (»5 is the perfect number «). In 2008/2009 Igort spent several months in the Ukraine. He spoke with witnesses of the Stalinist era and processed their accounts into an evocative episodic documentary, mixing  past and current events. 

  

  Igort: Berichte aus der Ukraine

  Among other things, Les Cahiers ukrainiens (Reports from the Ukraine/ Berichte aus der Ukraine), deals with eye-witness reports of the Holomodor genocide. The second episode of Igort´s Soviet documentation, Les Cahiers russes (Reports from Russia / Berichte aus Russland) revolves around the preliminary events leading up to the murder of Russian journalist and human rights activist, Anna Politkovskaïa.

  

  Igort: Les Cahiers russes

• 20/10/2012 Ausstellung / Exhibition

  "Live Transmissions" by Morgan O'Hara

  Die 1941 in Japan geborene US-amerikanische Künstlerin Morgan O'Hara folgt mit ihren LIVE TRANSMISSIONS einer künstlerischen Entwicklung, die in den 1960er Jahren ihren Anfang nahm und die dem Medium der Zeichnung die Möglichkeit erschloss, ihr Hauptaugenmerk auf den Prozess und die Bewegung zu legen. Beidhändig registriert und notiert die Künstlerin Bewegungsabläufe von Musikern, Tänzern oder auch Handwerkern und überträgt diese mit zwei oder mehreren Bleistiften auf das Papier. O'Hara dokumentierte unter anderem eine Spargelstecherin in Süddeutschland, den Trubel eines japanischen Fischmarktes, unzählige Klavierkonzerte oder auch die Arbeit in einer chinesischen Nudelfabrik.fruehsorge contemporary drawings präsentiert eine Auswahl von Zeichnungen aus den späten 1990er Jahren, die aus der Beobachtung von musikalischen Aufführungen entstanden sind.

  

  Morgan O’Hara, 1994, movement of the hands and feet of Hermann Nitsche performing on the organ / part I / 29 October 1994 / Anthology Film Archive / New York City, Bleistift auf Papier, 35,7 x 43 cm
  
  With her LIVE TRANSMISIONS american artist Morgan O'Hara, born in 1941 in Japan, partakes in an artistic development which allowed the medium of drawing to focus on process and movement since the 1960s. With both hands and two or more pencils, the artist transfers movements in music, dance and everyday gestures onto the paper using drawing as a recorder of motion. The documented actions are various: O'Hara observed aparagus pickers in the south of Germany, a japanese fish market, piano concerts as well as workers in a chinese noodle factory. fruehsorge contemporary drawings presents a selection of drawings from the late 1990s which were created by observing numerous musical performances.
  
  bis zum Samstag, den 01. Dezember 2012 / till Saturday, 1 December 2012.
  fruehsorge contemporary drawings, Heidestrasse 46-52, 10557 Berlin

• 12/10/2012 Vortrag / Lecture

  Clemens Krümmel: Das Melton Prior Institut - Graphische Berichterstattung und ihre Renaissancen

  Vortrag  mit Originalen aus der Sammlung im Studiensaal des Kupferstichkabinetts der Staatlichen Museen zu Berlin. Veranstaltet von der Graphischen Gesellschaft zu Berlin - Vereinigung der Freunde des Kupferstichkabinetts e.V.

  18. Oktober 2012, 19 Uhr, Berlin, Studiensaal des Kupferstichkabinetts der Staatlichen Museen zu Berlin, Matthäikirchplatz 8, 10785 Berlin

  

  Foto: Clemens Krümmel

• 12/10/2012 Vorträge / Lectures

  Fotografie und Xylographie

  Im Rahmen der Ausstellung "Zur Hölle mit der Linie. Die Fotografik der New School of Wood Engraving" findet am Donnerstag, den 18.10. um 19:00, im Stiftersaal des Wallraf Richartz Museum Köln, ein Vortragsabend zur Foto- und Xylografik des 19. Jahrhunderts und ihren Einflüssen auf die Kunst des 20. Jhds statt.

  Ulrich Keller (University of California, Santa Barbara):

  1) Wie Fotografie und Xylographie die Kunst nicht nur abgebildet, sondern auch verändert haben

  2) Wie Fotografie und Xylographie die Politik nicht nur abgebildet, sondern verändert haben.

  Alexander Roob (Melton Prior Institut, Düsseldorf):

  1) Andy Warhol, der letzte Tiler 

  2) Adolph Menzel: Raster und Sündenfall

  

  Adolph Menzel, Der Zerbrochene Krug, 1877

• 7/10/2012 Neue Publikation

  "Die Kunst der Diagrammatik" von Astrit Schmidt-Burkhardt

  Sieben Jahre nach dem Erscheinen ihrer bahnbrechenden Studie über "Stammbäume der Kunst", in der sie den archigenetischen Mythen der künstlerischen Avantgarden eine detallierte Analyse ihrer genealogischen Standortbestimmungen entgegenstellte, legt Astrit Schmidt-Burkhardt nun ein Kompendium ihrer breit gestreuten Forschungsarbeiten zur Kunst der Diagrammatik vor. Das Titelbild hat die Autorin mit gewohnter Präzision gewählt. Es handelt sich um eine Werbeillustration, auf die sie in einem Wirtschaftsmagazin aus den vierziger Jahren gestossen ist. In dieser Anzeige einer Werbeagentur werden die Verheißungen eines geschäftlichen Aufschwungs durch die ungewohnte Platzierung eines Diagrammbilds in einem musealen Umfeld auf äußert effektvolle Weise in Szene gesetzt. Die Annonce zeichne, so die Autorin, "die künftige Konjunktur des visuellen Diagramms in der Kunst nach 1945 vor: die Karriere von der grafischen Repräsentation zur repräsentativen Grafik".

  

  Coverabbildung "Die Kunst der Diagrammatik" (aus: Fortune, Bd. 32, 1945)

  
  Der erste Teil des Buchs verfolgt den steilen Austieg tabellarischer Graphen in den letzten 250 Jahren. Ein eigenes Kapitel ist der synchronoptischen Geschichtskarte des französischen Universalgelehrten Jacques Barbeu-Dubourg gewidmet. Für deren Gebrauch entwickelte Barbeu-Dubourg 1753 eine Maschine mit einem Rollmechanismus, die nach Ansicht von Schmidt-Burkhardt ein revolutionäres dynamisches Geschichtsbild in Gang brachte. Historie war mit dieser kinematographischen Lernmaschine als eine gestaltbare Materie begreiflich, die sich damit aus der tradierten Determiniertheit zu lösen begann. Der Betrachter wurde mit diesem Instrument der Aufklärung erstmals in den Stand eines "inaktiven Users" versetzt.

  

  Jacques Barbeu-Dubourg, Carte Chronographique, 1753 (geschlossener Zustand)

   

  Jacques Barbeu-Dubourg, Carte Chronographique, 1753 (geöffneter Zustand)

  
  Im zweiten Abschnitt geht die Autorin an Hand einiger Fallstudien den Ursachen für die aktuelle Konjunkur graphischer Schaubilder nach. Der Trend zum Mapping setzte in den neunziger Jahren als Gegenströmung zu den marktaffirmativen Tendenzen der vorangegangenen Dekade ein und bestimmt seither das Gepräge einer kritisch-aufklärerischen Kunst.  Wie jedes kritische Projekt laufe allerdings auch die diagrammatische Ordnungsästhetik, die sich der Bildsprachen des Neoliberalismus bediene, Gefahr selbst eine inhärente Komponente des Kritisierten zu sein. (A.R.)

• 2/10/2012 Publikation

  Kunst und Design. Eine Affäre.

  Die Zusammenstellung der Beiträge dieses von Annette Geiger und Michael Glasmeier herausgegebenen Bandes zum nicht unproblematischen Verhältnis zwischen Kunst und Design geht auf die Tagung "Kunst und Design. Eine Affäre" zurück, die im November 2010 an der Hochschule für Künste Bremen stattfand. Nicht erst seit heute finden zwischen diesen beiden Bereichen Dialoge statt, in denen sich die Schnittstellen und Strategien entgrenzen und unbekümmert neu definieren. Von der Forschung wird das Thema jedoch weitgehend ignoriert. Ziel der Publikaktion, so die Herausgeber, sei es, die Diskussion durch eine Neubetrachtung und Neubewertung vielfältiger Kunst- und Designphänomene zu beleben und aufzubrechen.

  Inhalt: Annette Geiger: Kunst und Design. Ein Beziehungsdrama der Moderne / Annette Tietenberg: Design≠Art? Zum Ersten, zum Zweiten und … zum Dritten / Regina Bittner: Die Kunst, das Leben zu ordnen / Michael Glasmeier: Geölte Augen. Matisse und der gute Lehnstuhl / Alexander Roob: Die Tradition der doppelten Indifferenz. Andy Warhol,  der Tile Club und die New School / Annelie Lütgens: Fontanas Schnitte. Vom Leinwandbild zum Minikleid / Frieder Nake: Vom Generativen. Generatives Design. Generative Ästhetik.   Generative Kunst / Volker Fischer: Kunst und Design. Grenzverletzer werden unnachsichtig belohnt /  Susanne König: Es muss nicht immer alles neu sein. Über Spuren des Gebrauchs in Kunst und Design /  Judith Gerdsen:  Kunst zum Anziehen? Zu Alexander McQueens irdischen Ikonen / Gerald Schröder: „Wie würden Sie sich verhalten?“ Liam Gillicks Kommentar zu Einbauküche und Minimal Art / Ulrike Grossarth: Das SEIN kleidet sich ein

  "Kunst und Design. Eine Affäre" ist im Textem Verlag, Hamburg erschienen.
  Edwin "The Chestnut" Abbey , Procession of Ye Tilers, Februar 1879 (aus: "Kunst und Design. Eine Affäre")

  

  Frederick Juengling, A Tile in Relief, Januar 1879 (MePri-Collection, aus: "Kunst und Design. Eine Affäre")
  

  Napoleon "The Hawk" Sarony, Saronys Studio, Treffpunkt der "Tiler" (aus: "Kunst und Design. Eine Affäre")

• 27/9/2012 Recommended by Susan Turcot

  Steve Bell analyzing Nick Clegg´s haircut

  Guardian cartoonist Steve Bell is sketching at the Lib Dem conference in Brighton, sitting for much of it behind Nick Clegg. He's puzzled: why is Clegg still apologising? What's Danny Alexander's delivery all about? And why you can't take coffee into the conference room?

  

  

• 11/9/2012 Linton-Archive

  "Linton - A Life in the collections" - complete now

  Part IV, “Reception”, completes the most comprehensive monographic source related to the genesis of political art in the 19th century and the history of wood engraving. Linton- A Life in the collections comprises 273 articles and commentaries illustrated with more than 1,500 pictures in the online version. In addition, pure text versions are available as PDFs. A wide range of keywords now allows browsing A Life in the collections as a hypertext according to thematic references and internal contexts.

  One of the most exciting chapters of A Life in the collections, the media-related debate on the surface realism of Linton´s American students, who then established themselves as the "New School", is now on view in the exhibition "Confound the Line" - Photo-Graphics of the New School of Wood Engraving" which is shown in the Gallery for Prints and Drawings of the Wallraf - Richartz Museum, Cologne from 14 September 2012 till 6 January 2013.

  

  Linton at his private Appledore press in Hamden / CT

  Mit Teil IV "Reception" ist die umfangreichste monografische Quelle zur Entstehungsgeschichte politischer Kunst im neunzehnten Jahrhundert und zur Historie des Holzstichs jetzt komplett. Linton - A Life in the collections umfasst 279 Artikel und Kommentare, die in der online-Version mit über 1500 Abbildungen illustriert sind. Daneben stehen reine Textfassungen als PDFs zur Verfügung. Über ein breit gestreutes Feld von Schlüsselwörtern läßt sich A Life in the collections nun auch als Hypertext nach thematischen Bezügen und inneren Zusammenhängen durchforsten.

  Eines der spannendsten Kapitel von Linton - A Life in the collections, die von Linton angestossene Mediendebatte um den Oberflächenrealismus seiner amerikanischen Schüler, die als "New School" firmierten, ist nun Gegenstand der Ausstellung. "Zur Hölle mit der Linie. Die Fotografik der New School of Wood Engraving", die vom 14. September 2012 -  6. Januar 2013 im Graphischen Kabinett des Wallraf-Richartz Museums in Köln zu sehen ist.

  

  

  

• 2/9/2012 Ausstellung / Exhibition

  "Zur Hölle mit der Linie!" / "Confound the Line" - Photo-Graphics of the New School of Wood Engraving from the collection of the Melton Prior Institute

  "With the new school nothing is theoretically impossible, and no means are illegitimate." (Frederick Juengling, 1880)
  
  Der Holzstich, eigentlich ein Produkt der englischen Frühromantik, erlebte seinen großen Durchbruch mit dem Aufstieg der illustrierten Presse. Sein phänomenaler Erfolg lag in seiner Hybridität begründet, denn er vereinte die feinmechanische Qualität des Kupferstichs mit dem Vorzug des schnellen und automatisierbaren Hochdruckverfahrens des Holzschnittes. Der Einsatz in der Massenpublizistik hatte schon bald die Entwicklung von maschinellen und arbeitsteiligen Gravurweisen zur Folge; auch wurden Fotografien vielfach für die Erstellung der Druckvorlagen herangezogen. Uniformität und Komplexität, Simplizität und Subtilität lagen im Holzstich dicht beieinander. Solche Ambivalenzen, die noch dazu mit dem Stallgeruch der Massenproduktion behaftet waren, liefen dem essentialistischen Selbstverständnis der hereinbrechenden Moderne allerdings völlig zuwider. Das eigentliche Paradox in der Geschichte des Holzstichs liegt darin, dass seine netzartigen Halbtonwerte, die seine besondere ästhetische Qualität ausmachen, als Vorbild für die Erfindung des Punktrasters dienten, mit dem die Autotypie diese manuellen Technik zur Jahrhundertwende als Reproduktionsmedium ablösen sollte.

  

  Timothy Cole,  The Gillie Boy (nach James E. Kelly), Scribner´s Monthly Magazine, 1877 

  

  Timothy Cole,  The Gillie Boy (nach James E. Kelly), Scribner´s Monthly Magazine, 1877  (Detail)

  

  Emblem der Socitey of American Wood Engravers (SAWE), 1887

  Mit dem Siegeszug der expressionistischen Grafik zu Beginn des 20. Jahrhunderts fiel der Schleier des Vergessens auch über eine Gruppierung prominenter nordamerikanischer Fotoxylografen, die in den 1870er Jahren mit ihrem reproduktionsgrafischen Oberflächenverismus für Furore gesorgt hatten. Mit den so genannten Kelly-Stichen, die 1877 in dem Kulturmagazin Scribner´s Monthly erschienen waren, hatten die jungen Stecher der sich formierenden New School auf radikale Weise mit den linearen Codes der reproduktionsgrafischen Orthodoxie gebrochen. Die Attacken des xylografischen Altmeisters William James Linton auf die seiner Meinung nach gänzlich ausdruckslose und unkünstlerische neue Reproduktionsmethode löste damals eine viel beachtete und lang anhaltende Diskussion in der amerikanischen Presse aus. Diese Debatte, die den Grafikhistoriker William Ivins in den 1940er Jahren zu seinem einflussreichen Werk "Prints and Visual Communication" inspirierte, kann als Ausgang der modernen Kommunikations- und Medientheorie gelten.

  

  Timothy Cole, The Circumcision  (nach Andrea Mantegna), 1892 (Buchsbaum, rückseitig signiert)

  

  Timothy Cole,  The Circumcision  (nach Andrea Mantegna),  1892 (signierter Handabzug auf Japanpapier)

  Im Gegensatz zu ihren europäischen Kollegen gelang es den Fotoxylografen der New School den Holzstich als selbstbewusstes künstlerisches Medium zu etablieren. Lange vor Pop-Art verband sich in ihren Arbeiten das Prestige künstlerischer Produktion mit der Indifferenz fotografischer Reproduktion. Ihre signierten Handabzüge auf Japanpapier wurden von führenden Galerien der Zeit vermarktet und in Museen sowie auf Weltausstellungen gezeigt. Exponenten der New School wie der legendäre, früh verstorbene Frederick Juengling aus Leipzig, der Düsseldorfer Gustav Kruell, der Elsässer Henry Wolf und der aus London stammende Timothy Cole waren Stars, die man den befreundeten impressionistischen Malerkollegen gleichberechtigt an die Seite stellte.
  
  In der Ausstellung mit ca. dreißig Exponaten aus dem William James Linton-Archiv des Melton Prior Instituts, Düsseldorf, sind neben Beispielen von fotoxylografischen Auflagendrucken auch eine Reihe handsignierter Probedrucke und Korrekturabzüge zu sehen sowie signierte Abzüge von  Druckplatten, die mit geometrischen Rasterstrukturen entwertet wurden. Sie offenbaren ein erstaunliches Maß an informeller, ergebnisoffener künstlerischer Anschauung. Auch den handsignierten Druckstöcken, von denen etliche Beispiele ausgestellt sind, wurde ein autonomer ästhetischer Wert zugesprochen.
  
  Präsentiert wird auch ein zeitgenössisches Werk, die 10 x 10 cm große Miniaturmalerei «..the wood for the trees» des englischen Künstlers Simon Lewis, die zwischen 1998 und 2000 in Dänemark entstanden ist. Die radikale hyper - pointillistische Anschauung, die in der Bildminiatur zum Ausdruck kommt, hat den Aufbau der Holzstichsammlung des Melton Prior Instituts ganz wesentlich inspiriert
  

  Zur Ausstellung erscheint in der von Thomas Ketelsen herausgegebenen Reihe "Der un/gewisse Blick" ein Katalog. Der Katalog mit dem Titel "Chinesische Methode. Die Fotografik der New School of Wood Engraving" kann ab Ausstellungsbeginn über den Museumsshop bestellt werden.

  Wallraf - Richartz Museum, Köln,  14. September 2012 -  6. Januar 2013 (Graphisches Kabinett)

  Eröffnung: Do. 13. September, 18:00-21:00
  

  
  

   Timothy Cole, Portait of Whistler´s Mother (after J. M.Whistler), 1881

  

   Timothy Cole, Portait of Whistler´s Mother (after J. M.Whistler), 1881 (Detail)
  

  

  Henry Wolf: Portrait of Whistler´s Mother (nach J.M. Whistler), 1905 (Detail) 

  Wood engraving, actually a product of early English Romanticism, experienced its breakthrough with the rise of the illustrated press. Its phenomenal success owed to its hybridity, for it combined the fine mechanical quality of copper engraving with the advantages of the quick and automatable relief printing of xylography. Its use in mass publications soon led to the development of mechanical engraving methods based on the division of labour; photographs were also frequently used to create the masters. Uniformity and complexity, simplicity and subtlety were very close to each other in wood engraving. However, such ambivalences, which additionally bore the characteristics of mass production, ran contrary to dawning modernism. The actual paradox in the history of wood engraving lies in the fact that its net-like half-tone values, constituting its special aesthetic quality, served as a model for the invention of the dot-scanning method, with which the half-tone method was to replace this manual technique as a reproduction medium around the turn of the century.

  With the triumph of expressionistic graphics at the beginning of the 20th century, a group of prominent North American photo xylographers, who in the 1870s had caused a sensation with their reproduction-graphical surface verism, fell into oblivion. With the so-called Kelly engravings, which were published in the cultural magazine Scribner´s Monthly in 1877, the young engravers of the emrging New School radically broke with the linear codes of the reproduction-graphical orthodoxy. The attacks of the old xylographic master William James Linton against the, in his opinion, totally expressionless and unartistic new reproduction methods triggered a much-noticed and enduring debate in the American press.  This debate, which inspired the graphic historian William Ivins in the 1940s to his seminal work “Prints and Visual Communication”, can be regarded as the starting point of modern communication and media theory.

  

  Henry Wolf, Portrait of Richard Canfield. "His Reverence." (after J.M. Whistler), 1906  (Detail)

  

  Henry Wolf, Portrait of Richard Canfield. "His Reverence." (after J.M. Whistler), 1906

  As opposed to their European colleagues, the photo xylographers of the New School succeeded in establishing wood engraving as a self-confident, artistic medium. Long before Pop Art, their works combined the prestige of artistic production with the indifference of photographic reproduction. Their signed handmade prints on Japan paper were marketed by leading galleries of the time and shown in museums and world fairs. Proponents of the New School, such as the legendary, short-lived Frederick Juengling from Leipzig, the Düsseldorfer Gustav Kruell, the Alsatian Henry Wolf, and Timothy Cole from London, were stars regarded as equals alongside their befriended, Impressionist painter colleagues.

  In the exhibition with approximately thirty exhibits from the William James Linton Archive of the Melton Prior Institute, Düsseldorf, one can find, in addition to examples of photo-xylographic edition prints, a series of hand-signed test prints and proof copies as well as signed prints from printing plates obliterated by geometric grid structures. The hand-signed woodblocks, of which many examples are on display, were also attributed an autonomous, aesthetic value.

  
  

  Henry Wolf, Portrait of Henry Irving, 1900 (Proofs on Japan)

  

  Henry Wolf, Portrait of Henry Irving, 1900 (Proofs on Japan) (Detail)
  

  

  Henry Wolf, Portrait of Henry Irving. 1900 (Proof from the destroyed engraving, signed)

  A contemporary work is also on view, the 10 x 10 cm miniature painting «..the wood for the trees» by the English artist Simon Lewis, created between 1998 and 2000 in Denmark. The radical hyper-pointillistic conception expressed in the miniature picture greatly inspired the set-up of the collection of wood engravings of the Melton Prior Institute.

  

  Simon Lewis: «...the wood for the trees», 1998 - 2000, Oil and Gesso on Boxwood
  

  The exhibition is being curated by Alexander Roob. A catalogue will be published in conjunction with the show in the series “Der un/gewisse Blick” edited by Thomas Ketelsen. The catalogue "Chinesische Methode. Die Fotografik der New School of Wood Engraving" can be ordered by the Museum Shop.

  Wallraf - Richartz Museum, Cologne, 14 September 2012 – 6 January 2013 (Gallery for Prints and Drawings)

  Opening: Thursday,  September 13th,  6-9 pm
  

• 2/9/2012 Publication / Website

  Gabriel Campanario and the Art of Locational Sketching

  Gabriel Campanario is one of the most distinguished and prolific contemporary special artists, combining visual and written journalism. His career spans two decades, working for newspapers in Barcelona, Lisbon, California, and Virginia. At present he is working as a staff artist, at The Seattle Times, where he is publishing the very lively weekly column “Seattle Sketcher”.  Campanario became widely known by his international on-spot sketching initiative. He is the founder of the very popular Urban Sketchers Movement. After seeing an increasing number of people sharing their location drawings in the blogosphere, Campanario started a flickr group in November 2007. A year later, he decided to expand the flickr initiative with a by-invitation group blog where correspondents would commit to posting on a regular basis and also sharing the stories behind the sketches.  At the beginning of this year he published The Art of Urban Sketching, a comprehensive guide and a showcase of location drawings by sketchers around the world.  A German edition will be available soon. 

  
  

  Gabriel Campanario, Seattle Sketcher, An Illustrated Journal

  

  Gabriel Campanario, Seattle Sketcher, An Illustrated Journal

  

  Gabriel Campanario, Seattle Sketcher, An Illustrated Journal

• 24/8/2012 Exhibition / Ausstellung

  Amateurism

  The exhibition of the Heidelberger Kunstverein examines the phenomenon of amateurism in contemporary art, in which artists go beyond the boundaries of existing categories, disciplines, and institutions, navigated by their curiosity. In association with a tradition of dilettant, the ›amateur‹ has been considered one of those cultural figures whose ›pure‹ and selfless love for particular objects, or arts. By contrast, professionals are those who are ›only in it for the money‹. However, society has gone through a significant transformation over the last centuries, brought by the influence of the global mobility, of capitalism, and the development of different forms of industries and technologies with network connectivity. This certainly affects a dichotomous concept such as that of amateur/professional. The exhibition begins with the pre-avant-garde works created by the Incohérents Art Movement from the archive of the Melton Prior Institute, which manifested ›Do what you are not professional in!‹ Taking an analytical look at use of the notion of amateur, the exhibition juxtaposes the works by the movement with the ones by contemporary artists from the 1950s to the present.

  Curated by Susanne Weiß and Miya Yoshida.
  Artists: Heike Bollig, Jan Bünnig, Luis Camnitzer, Sister Corita, Jos de Gruyter, Heike Klussmann & Bau Kunst Erfinden, Toru Koyamada, Annette Krauss, Melton Prior Institut, Toshiko Okanoue, Lucy Powell, Provence, Jewyo Rhii
  Heidelberger Kunstverein, 25. 08 - 4. 11. 2012

  

  Eugène Bataille (Sapeck), Mona Lisa With a Pipe, 1887

  Die Ausstellung des Heidelberger Kunstvereins untersucht das Phänomen des Amateurs in der Gegenwartskunst. Die eingeladenen Künstler und Künstlerinnen verdeutlichen durch ihre Praxis die Verschiebung der Grenzen der kanonisierten Zuschreibung von Amateur und Profi und befragen das Verhältnis von Kunst, den Räumen ihrer Produktion und der damit verbundenen Bewertung. Kulturhistorisch entstammt die Figur des Amateurs der Tradition der „Dilettanti“, die aus Neugier und zu ihrem Vergnügen einer der „Schönen Künste“ nachgingen und dabei häufig in Konkurrenz zu den Professionellen traten. In der Folgezeit wurde der Begriff des Dilettantismus allerdings zunehmend negativ konnotiert.  Seit einigen Jahrzehnten wird dem Amateur in unserer Gesellschaft erneut Beachtung geschenkt. Welche Rolle spielt dabei das Internet und die damit verbundene Demokratisierung von Wissen? Wie, wann und warum bildet sich ein sogenannter Ismus als Haltung oder als Strategie?  Die Ausstellung geht dieser Frage anhand von 14 internationalen Positionen nach. Die satirischen Beiträge der proto-avantgardistischen Gruppierung „Les Arts Incohérents“ aus dem Archiv des Melton Prior Instituts bilden den historischen Ausgangspunkt für die Ausstellung.

  Kuratiert von Susanne Weiß und Miya Yoshida.

  Künstler: Heike Bollig, Jan Bünnig, Luis Camnitzer, Sister Corita, Jos de Gruyter, Heike Klussmann & Bau Kunst Erfinden, Toru Koyamada, Annette Krauss, Melton Prior Institut, Toshiko Okanoue, Lucy Powell, Provence, Jewyo Rhii

  Heidelberger Kunstverein, 25. August bis 4. November 2012

• 7/7/2012 Ausstellung

  Das Aufzeichnen

  „Das Aufzeichnen“, eine Studio-Ausstellung des Heidelberger Kunstvereins, beschäftigt sich mit dem Verfahren des Festhaltens und Erfassens persönlicher Erlebnisse im Kontext geschichtlicher Ereignisse. Beide gezeigten künstlerische Positionen basieren auf einem Vater-Sohn-Verhältnis. 

  2002 begann der koreanische Künstler Haejun Jo mit seinem Vater Donghwan Jo zusammenzuarbeiten. Er motivierte ihn seine Erinnerung an die japanische Besatzung Koreas und den Koreakrieg (1950-53) aufzuzeichnen. Der Dialog zwischen Vater und Sohn, "U.S. Army and Father", findet aus der Distanz in einem Briefwechsel zwischen Deutschland und Südkorea statt. Die persönliche Geschichte des Vaters findet erst in der Zeichnung ihren Weg zu seinem Sohn.

  

  Dongwhan Jo / Haejun Jo, aus: "U.S. Army and Father", 2011

  Mit der Technik des Scherenschnitts übertragen die Leipziger Künstler Jan Caspers, Anne König und Jan Wenzel den Inhalt des Gesprächs mit dem Bautzner Installateur Jürgen W., dem Vater Jan Wenzels in den Animationsfilm „Das Angebot – Technologien des Selbst“. Aus subjektiver Perspektive berichtet Herr W. von den Auswirkungen des Kapitalismus auf sein Arbeitsleben in der ehemaligen DDR. In humorvollen Bildern heben die Künstler die Herausforderung des politischen Umbruchs hervor. 

  Heidelberger Kunstverein, 12. Juni bis 12. August 2012 

• 2/7/2012 Article

  Hubert Herkomer as a pioneer of artistic advertisment

  Hubert Herkomer  (1849–1914) was a main exponent of the British social realism in the nineteenh centruy and the central artistic role model of young Vincent van Gogh. He started his  career as a special artist for the illustrated weekly The Graphic and finally ascended to the rank of a  successful  society painter.  Besides he was a pioneer of new media, experimenting with printing and enamelling techniques, with photography and film.

  

  Hubert Herkomer as the leading actor in his film „ A Highwayman´s Honour“, Bushey 1914 (reproduced in: Lee MacCormick Edwards, Herkomer. A Victorian Artist, Aldershot  1999 )

  In her article for the NCAW- journal "The Streets as Art Galleries": Hubert Herkomer, William Powell Frith, and the Artistic Advertisement, Andrea Korda focuses on Herkomer as a pioneer of demanding pictorial advertising. In 1881, a decade before a craze for artistic poster design spread across Europe with the Art Nouveau movement, Herkomer began a campaign to reform advertising by publishing a poster and an accompanying article promoting The Streets as Art Galleries: "Herkomer’s proposal (...) was not only to put artists in charge of poster design, but also to re-make advertising as a high art by drawing on academic conventions and the rarefied vocabulary of the fine arts." (Andrea Korda)

  

  Hubert Herkomer, Design for a Poster, 1881 (reproduced in: Andrea Korda, "The Streets as Art Galleries": Hubert Herkomer, William Powell Frith, and the Artistic Advertisement , 2012)

• 21/6/2012 On Our Own Behalf / In eigener Sache

  Melton Prior on Facebook

  Post your  articles and comments and get the latest news on the Melton Prior Facebook page.

  

• 14/6/2012

  Impressions from the Black.Light Project - Workshop

  The  Black.Light Project-Workshop took place at the 15th Erlangen International Comic Salon from 7 to 10 June 2012 . Directly before the Comic Salon, David von Bassewitz, Benjamin Flaó, Thierry van Hasselt, Nic Klein, George Pratt, Stefano Ricci and Danijel Zezelj worked on the project following the stories of the contemporary witness Father Garrick from Sierra Leone and the reports of Pedro Rosa Mendes and Wolf Böwig.  Impressions from theworkshop are included in a 3 SAT Kulturzeit television feature about The Black.Light Project.

  

  David von Bassewitz/BRD, Nic Klein/BRD, George Pratt/USA, Christoph Ermisch/AD black.Light, Benjamin Flao/Frankreich, Thierry van Hasselt/Belgien, Father John Garrick/Sierra Leone, Danijel Zezelj/USA

  

  Nic Klein/BRD, Benjamin Flao/Frankreich

  

  Danijel Zezelj/USA, Stefano Ricci/Italien

  

  Danijel Zezelj/USA

  
  

• 13/5/2012 Online Article by Daniel Zalkus

  Tiger Hunting with the Shah. A Golden Era of Visual Journalism.

  Daniel Zalkus, a renowned illustrator, who himself works as an artist-reporter from time to time, has put together an excellent commented series of historical drawings on-the–spot, representing a golden era of graphic reportage in the American magazines from the 1950’s and 60’s. Zalkus´ series Visual Journalism. The Artist as Reporter was publised recently in five parts on Leif Peng´s illustration-blog Today's Inspiration.

  

  Noel Sickles, Lithopinion

  Part one shows examples of the works of Noel Sickles and Austin Briggs for the magazine Lithopinion. Austin Briggs´ series was done at the famous Mourlot printing workshop in Paris. His drawings were created with lithographic crayons and tusche washes, tools normally used on stone or metal places in printmaking.

  

  Austin Briggs, The House of Mourlot, Lithopinion

  Part two focuses on illustrations done for Fortune Magazine. The art director Leo Lionni became a driving force behind the “visual journalism” movement. Besides Robert Weaver´s expressive Woolworth - series, a graphic report by John Russell Clift is shown, documenting the works going on in a airport´s cargo department.  

  

   John Russell Clift, Fortune Magazine

  Part three is on illustrations done for Sports Illustrated, whose art director Richard Gangel encouraged reportage drawing. He sent illustrator Bob Peak on an assignment to travel with the Shah of Iran during a tiger hunt.

  

  Bob Peak, A Lady hunts with the Shah, Sports Illustrated

  Part four presents examples of CBS projects. One series is by the famous graphic reporter Feliks Topolski documenting the Democratic and Republican national conventions of 1956.

  

  Feliks Topolski, Blue Conventions

  Part five is about graphic travelogues made for the Holiday Magazine. The famed English illustrator Ronald Searle was a regular contributor.  

• 20/11/2011 Note on our own behalf / Hinweis in eigener Sache

  Announcement / Ankündigung

  The website of the Melton Prior Institute was launched five years ago. Enough time to now reconsider its orientation and appearance and to design it in a more user-friendly way. We cordially thank Julius Roob and Lena Roob who have mastered this challenge in a knowledgeable and inventive way. The fact that in the past years the Melton Prior Institute has been increasingly dedicated to the graphic printing techniques with which reportage drawings were and still are passed down will be reflected in the institutes name, which is from now on Institute for reportage drawing and printing culture.
   
  It is also time – after a longer preparatory phase – for the first part of the institute’s commented archive stocks of the oeuvre of the political pamphleteer, poet, wood engraver and xylography historian, William James Linton, to be published in a digitised form. Linton -  A Life in the collections can count as the probably most comprehensive monographic source related to the history of political art in the 19th century. That the early history of interventionist art is inextricably tied to the most exciting development phase of artistic relief printing will be revealed during the course of publishing this four-part bio-bibliography. Linton - A life in the collections comprises more than 200 articles and commentaries illustrated with more than 1,000 pictures in the online version. In addition, pure text versions are available as PDFs. We thank Karl Hoffmann and Clemens Krümmel for proof-reading. This project on the relations between xylography and political radicalism was made possible by a research semester at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

  

  Linton at his Appledore Presse in Hamden / CT
  
  

  Vor fünf Jahren ist die Website des Melton Prior Instituts zum ersten Mal an den Start gegangen. Zeit genug, ihre Ausrichtung und ihr Erscheinungsbild zwischenzeitlich zu überdenken und benutzerfreundlicher zu gestalten. Dank hierfür an Julius Roob und Lena Roob, die diese Herausforderung kenntnis- und erfindungsreich gemeistert haben. Der Tatsache, dass das Melton Prior Institut sich in den letzten Jahren mit zunehmender Intensität auch den druckgrafischen Techniken gewidmet hat, mit denen Reportagezeichnungen übermittelt wurden und werden, wird nun auch in der Bezeichnung des Instituts Rechnung getragen. Es heißt jetzt Institute for reportage drawing and printing culture.
  
  Zeit auch, dass nun nach langer Vorbereitungszeit der erste Teil der kommentierten Archivbestände des Instituts zum Werk des politischen Pamphletisten, Dichters, Holzstechers, und Xylographiehistorikers William James Linton in einer digitalisierten Fassung erscheint. Linton -  A Life in the collections kann als die wohl umfangreichste monografische Quelle zur Entstehungsgeschichte politischer Kunst im neunzehnten Jahrhundert gelten. Dass die Frühgeschichte interventionistischer Kunst untrennbar verbunden ist mit der aufregendsten Entwicklungsphase des künstlerischen Hochdrucks, wird sich im Verlauf der Edition dieser vierteiligen Bio-Bibliographie herausstellen. Linton - A life in the collections umfasst insgesamt mehr als 200 Artikel und Kommentare, die in der online-Version mit über 1000 Abbildungen illustriert sind. Daneben stehen reine Textfassungen als pdfs zur Verfügung. Für ihr Lektorat ist Karl Hoffmann und Clemens Krümmel zu danken. Ermöglicht wurde die Durchführung dieses Projekts über die Beziehungen zwischen Xylographie und politischem Radikalismus durch ein Forschungssemester an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

  
  W.J. Linton, The Flood of Years, New York 1878

• 25/9/2011 Exhibition

  Hokusai in Berlin - Reports unlimited

  Paul Hogarth counts the famous graphic artist Katsushika Hokusai in his basic publication of 1967 The artist as reporter among the most distinctive and influential representatives of the "imaginative artist-observer, of the more creative side of the documentary tradition," and indeed the unrestricted grasp of the Japanese printmaker, which includes all possible natural, supranatural and mythological phenomena, could serve as a major inspiration for any artist who rides the narrowed documentary wave. "It would be difficult to think of any other artist concerned with the minutiae of everyday life who created so rich an art out of it.The fifteen volumes of his sketchbook, the Manga, amply repay scrutiny and make us appreciate what vitality of expression can mean." (Paul Hogarth)

  

  Hokusai, from: Hokusai Manga, Meijii-Edition, ca.1880 (MePri-collection)

  The retrospective in the Martin-Gropius-Bau in Berlin, which runs till 24 October, gathers top-class works from all periods of the artist’s career – woodcuts and drawings, illustrated books, and paintings, but Hokusai is not an exhibition artist and his art can be best experienced in the intimacy of a printroom and by paging through the volumes of his print cycles and sketchbooks. A excellent edition of his complete Manga with 932 pp. appeared 2005 in Tokiyo. An abridged version is announced for the end of october this year. Besides there is also an online version available. 

  

  Hokusai, from: Hokusai Gaen, early Edition from the original blocks, ca.1860 (MePri-collection)

• 18/1/2011 Ausstellung

  Charles Bell in Bonn

  Zu den Highlights der Napoleon-Ausstellung in der Bundeskunsthalle Bonn zählen eine Reihe von Aquarellen des württembergischen Schlachtenmalers und Offiziers Christian Wilhelm von Faber du Faur, die dieser 1812 während des Russlandfeldzugs angefertigt hat, sowie vier eindrückliche Studien, die der schottische Chirurg Charles Bell 1815 bei der Schlacht von Waterloo von verwundeten und sterbenden Soldaten angefertigt hat. Vergleichbare physiologische Studien von Gericault sind erst zu Anfang der zwanziger Jahre bekannt. Vermutlich sind diese unter dem Einfluß von Bell´s Ausdruckstheorie The Anatomy and Philosophy of Expression as Connected with the Fine Arts entstanden, die Bell 1806 als künstlerisches Lehrbuch in London veröffentlicht hat. Unter der Rubrik Charles Bell - Views of the Battle of Waterloo ist auf der alten Site des MePri eine Auswahl von siebzehn Aquarellstudien einzusehen. Bell hatte sie nach den flüchtigen Skizzen, die während der Operationspausen entstanden sind, wenige Wochen nach den Ereignissen als Anschauungsmaterial zu Schulungszwecken ausgearbeitet.

  Die Ausstellung Napoleon und Europa. Traum und Trauma ist noch bis zum 25. April zusehen.

  

  Charles Bell:Wanstell 17th Regiment of Foot, 1815
  
  Christian Faber du Faur: Mit Napoleon in Russland, 1831

• 13/12/2009 Lecture # 19

  Alexander Roob: Andy Warhol - der letzte Tiler

  Wie kein anderer Künstler seiner Zeit war Warhol in vielen entscheidenden Facetten seines Werks den protoavantgardistischen Ausprägungen der Ästhetizistischen Bewegung  des 19. Jahrhunderts verpflichtet. Die kommentierte Bildstrecke mit Archivmaterial des MePri parallelisiert  Dokumente des Factory-Betriebs mit Zeugnissen der Aktivitäten der frühesten Emanzipationsbewegung nordamerikanischer Kunst und sie zeigt Arbeiten aus Warhols erster Karriere als Illustrationsgrafiker.

  Der Vortrag findet statt im Rahmen der Ringvorlesung `Who is that pale man?' –  zu Wirkung und Relevanz des Werks von Andy Warhol, die die Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart in Kooperation mit der Staatsgalerie Stuttgart veranstaltet. Am gleichen Abend referiert Barbara Straumann (Universität Zürich) über "Diva Warhol - mediale Performance, Gender und Versteckspiel"
  

  Di. 15.12, 19 Uhr

  Staatsgalerie Stuttgart, Vortragssaal im Stirling-Bau, Konrad-Adenauer Str. 30-32, 70173 Stuttgart

  

  Tiler Andy "Drella" Warhol

  

  Tiler Napoleon "The Hawk" Sarony

  

  Tiler William M. "Polyphem" Laffan, 1879

• 28/11/2009 Note

  Visualizing Memory in a Second

  It only takes one second to follow the way in which cartoonist Emmanuel Guibert managed to visualize the vaporous nature of memory in his graphic documentary on the reminiscences of former GI Alan Cope, who served in  Europe during World War II.

  

  

• 17/12/2008 Ausstellungshinweis

  Ausstellungen der ersten Grafik-Edition des Melton Prior Institut

  BREMERHAVEN - NEW YORK
  mit druckgrafischen Arbeiten von
  
  Luis Camnitzer
  Bogdan Hoffmann
  Birgit Jensen
  Ben Katchor
  Stephan Mörsch
  Alexander Roob
  Dierk Schmidt
  Paul Schwer
  Andreas Siekmann
  Susan Turcot

  Das Melton Prior Institut hat in den Jahren 2007/2008 mit einer Reihe internationaler Künstler/innen eine druckgrafische Mappe produzieren können, die den Standort Bremerhaven im allgemeinen und die Migrationslinie Bremerhaven – New York im besonderen thematisiert. Bremerhaven, seit Mitte des 19. Jahrhunderts einer der wichtigsten Auswanderungshäfen in Europa, wird in seiner historischen und zeitgenössischen Bedeutung aus unterschiedlichen künstlerischen Gesichtspunkten in den Blick genommen. Diese Edition repräsentiert nun nicht nur ein breites Spektrum künstlerischer Auseinandersetzungen mit diesem Themenkreis, sondern auch eine große Vielfalt druckgrafischer Lösungen – von „klassischen“ Techniken wie Radierung, Siebdruck und Steindruck bis hin zum Digitaldruck und Kombinationsverfahren. Ein wichtiger Bestandteil der künstlerischen Arbeit bestand in der Recherche vor Ort, dem Zeichnen vor dem Motiv als Gedächtnisskizze, als Grundlage druckgrafischer Ausarbeitung.
  
  Kunsthalle Bremerhaven
  Fr. 16. Januar 2009, 17 Uhr
  
  Galerie Ursula Walbröl, Düsseldorf
  17. Januar  bis 28. Februar 2009
  Eröffung am 17. Januar, 18 - 20 uhr

  

• 19/11/2008 Link

  Unterwegs - Gezeichnete Reportagen

  Die Hochschule Luzern, Design & Kunst präsentiert auf ihrer Website einen Online-Katalog der Ausstellung «Unterwegs – gezeichnete Reportagen», die 2006 im Rahmen des Luzerner Comic-Festivals Fumetto stattfand. Gezeigt wurden Reisetagebücher, Skizzenbücher und eine Auswahl von Originalarbeiten. Die Bandbreite war gross: Von Robert Weavers Skizzen  aus den Beständen des MePri über die Arbeiten von deutschen, schweizer, englischen, finnischen… Künstlern bis hin zu den von jungen französischen Comic-Autoren gezeichneten Doppelseiten der französischen Tageszeitung «Libération»

  

• 25/9/2008 Neuerscheinung

  Strapazin # 92: Augenzeugen

  Die neue Ausgabe des Schweizer Comic Magazins "Strapazin" dreht sich um "Zeichnerinnen und Zeichner, die mit Leidenschaft und Akribie das Geschehen in ihrer nächsten Umgebung wahrnehmen, zu Papier bringen und uns damit ebenso gut unterhalten wie informieren." (Pressetext) Es enthält Reportagen über Verkehrsunfälle (Christoph Fischer), den Alltag italienischer Emigrantenfamilien (Valérie Losa), biographischer Erinnerungen über Kindheitserlebnisse in China (Yan), illustrierte Interviews aus  Südindien (Andrea Caprez, Andreas Gefe, Christoph Schuler), sowie einige Beispiele graphischer Stadterkundungen (Peter Blegvad, Ben Katchor und Patrick Sandri).

   

  

• 20/9/2008 Neuerscheinung

  "Bildgeschichten für Chinas Massen: Comic und Comicproduktion im 20. Jahrhundert" von Andreas Seifert

  Der Tübinger Sinologe und Politikwissenschaftler Andreas Seifert legt mit dieser Publikation die erste umfassende Darstellung  der modernen chinesischen Bildergeschichte vor. Mit initiiert wurde diese neuzeitliche chinesische Comicbewegung in den 1930er Jahren von dem Dichter Lu Xun, der ebenfalls für eine Neubegündung des chinesischen Holzschnitts verantwortlich war. Das Buch verfolgt die lange Traditionslinie von der klassischen  textbegleitenden Illustration zu den eigenständigen Bildgeschichten im 20. Jahrhundert. Deutlich wird dabei, dass die "Lianhuanhua", die chinesische Form der Comics, in ihrer modernen maoistischen Ausprägung  bereits auf ein vielfältiges Repertoire grafischer Ausdruckmöglichkeiten aus den vorangegangenen Jahrhunderten zurückgreifen konnten

  

  (aus: He Youzhi, Shiwu guan, Shanghai 1979)
  

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